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Introduzione: ANDY ROCCHELLI Stories
Descrizione: ANDY ROCCHELLI Stories inaugurazione 4 giugno 2015, ore 18 Spazio per le arti contemporanee del Broletto Piazza della Vittoria, Pavia La mostra prosegue fino al 5 luglio 2015 Andy Rocchelli: Stories, con questo titolo si inaugura giovedì 4 giugno 2015 (ore 18) nello Spazio per le Arti contemporanee del Broletto di Pavia una mostra fotografica retrospettiva di Andy Rocchelli. L'esposizione, organizzata dal Settore Cultura del Comune di Pavia in collaborazione con la famiglia Rocchelli e il collettivo Cesura, propone in circa 100 cento scatti un percorso attraverso alcuni dei temi su cui il fotoreporter Rocchelli ha lavorato nella sua pur breve vita professionale. Già nella distribuzione delle immagini tra interno ed esterno si coglie un rimando al doppio registro tematico di questa mostra che allinea sequenze fotogiornalistiche - sulla rivoluzione ucraina, sulla primavera araba, sulle violazioni dei diritti umani in Kirghistan, sulla dolorosa realtà dei tagiki a Mosca o degli africani a Rosarno - a racconti di taglio squisitamente intimistico - la ricerca del sacro, la seduzione del successo effimero, la condizione femminile in Russia, la morsa della guerra sui civili. Dal 4 giugno lo Spazio delle Arti contemporanee del Broletto ospita una mostra sul lavoro di Andy Rocchelli. Sarà un'occasione per alzare lo sguardo sul mondo tramite lo straordinario lavoro di racconto del fotografo pavese, giustamente riconosciuto con la massima benemerenza cittadina. Il Comune di Pavia è orgoglioso di sostenere la realizzazione di un' esposizione di straordinaria rilevanza contenutistica e di grande valore civico: vogliamo che l'opera di Andy Rocchelli diventi patrimonio della città e in questo mese la offriamo alla visione e alla riflessione della cittadinanza. Ringrazio di cuore la famiglia Rocchelli e Cesura per la preziosa sollecitazione rivoltaci, che abbiamo accolto con l'intenzione di realizzare un evento che riteniamo qualificante per la programmazione culturale della città, dichiara Giacomo Galazzo, Assessore alla Cultura del Comune di Pavia. Due ritmi paralleli attraversano la ricerca fotografica di Rocchelli, a tratti emergendo in rari e potenti momenti di risonanza: da un lato, l'andamento lento, dell'analisi e della documentazione, dall'altro, l'incalzante cattura delle immagini, dentro l'evento e in velocità. Sensibilità personale e professionale lo guidano a condividere spesso le esperienze dei protagonisti delle sue foto (Ukraine Uprising, Springtime), ad ascoltarne e raccoglierne le testimonianze, poi a comporle in video, in parte visibili in una sala della stessa mostra. Il rapporto empatico sviluppato con i soggetti fotografati è il presupposto e insieme il filo rosso che accomuna scatti dedicati a volti e mondi tra loro lontani. Oltre che alla raffigurazione fotogiornalistica di un evento puntuale, Rocchelli tende alla narrazione, trae alla luce frammenti della realtà e vi ravvisa storie, nelle quali gli eventi e le situazioni si concentrano in sguardi e gesti, si specchiano in sfondi domestici o pubblici, anch'essi carichi di senso. Così i personaggi dei suoi scatti intrattengono tutti uno stretto rapporto con gli scenari nei quali sono ritratti: i tappeti dell'Europa orientale, le baracche in lamiera degli slums calabresi o tagiki sono parte integrante delle sue stories e riflettono le situazioni documentate quali «prove materiali di una scena del crimine» come Andy Rocchelli diceva a proposito del suo mestiere di fotografo-testimone ( intervento al Festival del Fotogiornalismo, Perugia, Maggio 2014). Un tema ricorrente nell'indagine di Rocchelli è la cronicizzazione di emergenze sociali che da fenomeno traumatico vengono "normalizzate" nel sistema dell'informazione: «Buona parte dei media ha accuratamente selezionato i contenuti da diffondere in base a criteri commerciali: la prima fase è stata quella sensazionalisticamente più vendibile, per passare poi ad una riproposizione ciclica estenuante delle stesse immagini, con l'inevitabile effetto della normalizzazione. Questa potrebbe prendere una piega pericolosissima assolutamente da scongiurare, dato che, a causa del processo di saturazione mediatica, in cui la rappresentazione degli eventi diviene la realtà stessa, gli spettatori si assuefanno ad una situazione che nella sua precarietà sta diventando in modo preoccupante stabile, permanente» (Andy Rocchelli, Terremoto in Abruzzo , 2009 ). Per raccontare fedelmente tali storie, Andy ha sempre sostenuto che il fotoreporter dovesse avvicinarsi per quanto possibile all'oggetto: Rocchelli è stato ucciso il 24 Maggio 2014, a Sloviansk (Ukr), con la macchina fotografica in mano; documentava le vicende del confine ucraino-russo e le condizioni dei civili intrappolati tra i due fronti. I suoi lavori sono poi stati rielaborati postumi dai colleghi del collettivo Cesura di cui Rocchelli era socio fondatore. In seguito alla sua morte diversi riconoscimenti nazionali e internazionali hanno reso omaggio ai suoi lavori: tra questi il prestigioso World Press Photo 2015 ha premiato la serie Russian Interiors con il 2nd Prize nella sezione Portraits: Series. L'archivio fotografico che Andy ha lasciato è un'ordinata antologia di lavori indipendenti e autoconclusivi, rimasti in gran parte estranei al circuito dell'informazione standardizzata e low cost, aliena dal seguire quanto accade a protagonisti lontani, impegnati in guerre dimenticate, celate o comunque appartenenti a cosmi troppo ingombranti per occupare più a lungo l'attimo di visibilità a loro concesso. La presente retrospettiva propone dunque una selezione di tali racconti, per lo più inediti, concernenti mondi sociali e geografici lontani tra loro: la loro giustapposizione evidenzia legami latenti e filoni di indagine non manifesti, primo fra tutti la relazione intercorsa tra l'individuo e il contesto sociale cui appartiene. Le storie vengono qui dipanate con andamento libero, perchè tale fu la struttura cellulare e organica che Andy diede alla sua ricerca. L'apparato descrittivo è inoltre stato limitato al minimo, nel rispetto della potenza comunicativa dell'immagine. «Sono convinto che la fotografia e, in particolar modo, quella di reportage debba possedere la capacità di parlare da sola, dialogando con l'utente in maniera autonoma con il solo ausilio dell'approfondimento geostorico e sociopolitico testuale, definito nella didascalia o caption »( Andy Rocchelli, Tesi di Laurea, Milano, 2008). BIOGRAFIA Andy Rocchelli, in seguito alla laurea in Visual Design conseguita presso il Politecnico di Milano, ha collaborato con l'agenzia fotografica Grazia Neri. Dopo aver lavorato come assistente nello studio di ALex Majoli, nel 2008 ha fondato, insieme ad altri 4 fotografi, Cesura, concepito come un collettivo forte ed indipendente, che potesse affrontare progetti fotografici senza compromessi commerciali. Nel 2009 ha raccontato le violazioni dei dirittti umani commessi in diverse repubbliche caucasiche e, un anno dopo, ha documentato il conflitto etnico in Kyrgyzstan. Con lo scoppio della primavera araba nel 2011, Andy si è recato in Tunisia e Libya. Le sue storie italiane narrano della criminalità organizzata in Calabria, della vocazione di giovani seminaristi e del fenomeno del velinismo. Le sue foto sono state pubblicate da Newsweek, LeMonde, Wall Street Journal, ForeignPolicy, Novaya Gazeta, Espresso, Zurich Zeitung, Kommersant e da altre testate nazionali e internazionali. Andy ha inoltre collaborato con varie ONG quali Human Rights Watch, Soleterre, DonneControLaViolenza. Andy è stato ucciso il 24 Maggio 2014 a Sloviansk, in Ucraina orientale, mentre documentava gli scontri tra separatisti filo-russi ed esercito regolare ucraino. Insieme a lui è stato assassinato anche il suo amico, guida e collega, il giornalista e attivista per i diritti umani russo, Andrey Mironov. Orari: da mercoledì a venerdì 17 - 20; sabato e domenica 10.30-12.30, 17-20 Ingresso libero Chiara Argenteri Ufficio stampa/Press office Associazione Pavia Città Internazionale dei Saperi tel. 0382.399424 338.1071862 E-mail: chiara.argenteri@comune.pv.it
Inizio: 04/06/2015
Fine: 05/07/2015
Indirizzo: inaugurazione 4 giugno 2015, ore 18 Spazio per le arti contemporanee del Broletto Piazza della Vittoria, Pavia La mostra prosegue fino al 5 luglio 2015 Andy Rocchelli: Stories, con questo titolo si inaugura giovedì 4 giugno 2015 (ore 18) nello Spazio per le Arti contemporanee del Broletto di Pavia una mostra fotografica retrospettiva di Andy Rocchelli.
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Area geografica: Nord
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Numerazione: 09/06/2015 18.14.23
Titolo: No Violence! La Bellezza contro la Brutalità
Introduzione: Violenza sulle donne, violenza su bambini ma anche violenza nelle scuole, sono argomenti sempre più all’ordine del giorno.. L'associazione Kouros dedica una mostra a questo terribile problema al fine di denunciare e sensibilizzare la comunità e in particolar modo le giovani generazioni.
Descrizione: La violenza: una forza bruta che avvelena il mondo sin dalle epoche più remote, una ferita aperta che si è trasformata in una vera e propria piaga soprattutto nella società attuale. Violenza sulle donne, violenza su bambini ma anche violenza nelle scuole, negli stadi sono argomenti sempre più all’ordine del giorno, notizie che apprendiamo di sfuggita e che il più delle volte evitiamo anche di commentare perché ormai entrate a far parte del nostro quotidiano. L’Associazione Kouros intende dedicare una breve mostra su questo terribile tema, ormai divenuto così attuale. Attraverso opere di pittura, scultura, fotografia, incisione e grafica, ognuno grida a suo modo il proprio “No alla Violenza”, a qualunque forma di violenza, praticata non soltanto ai danni di donne spesso innamorate dei loro carnefici, ma su qualsiasi essere umano!! Esporranno i seguenti artisti: Anna Nocera, Roberta Ferrari, Cesare Cassone, Lavinia Longhetto, Maruska Berti, Daniela De Simone. La mostra sarà visitabile tutti i giorni dalle ore 10.30-12.00 /17.30-19.00 presso Sala Corte dell'angelo a Lucca
Inizio: 29/06/2015
Fine: 08/07/2015
Indirizzo: via roma (di fronte OVS) Lucca centro storico
Spazio: Associazione Kouros Lucca
Area geografica: Centro
Email: kouros.associazioneculturale@gmail.com
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Titolo: Leonardo darà il benvenuto ai visitatori dell'Expo 2015
Introduzione: E’ ufficiale, sarà Leonardo da Vinci il testimonial artistico che accoglierà i visitatori dell’Expo 2015 il prossimo anno. E’ stato deciso infatti che il 15 aprile (data di nascita di Leonardo, anno 1452) del prossimo anno, pochi giorni prima dell’apertura ufficiale dell’Expo, si inaugurerà la più grande mostra mai allestita sul grande genio, lombardo d’adozione.
Descrizione: E’ ufficiale, sarà Leonardo da Vinci il testimonial artistico che accoglierà i visitatori dell’Expo 2015 il prossimo anno. E’ stato deciso infatti che il 15 aprile (data di nascita di Leonardo, anno 1452) del prossimo anno, pochi giorni prima dell’apertura ufficiale dell’Expo, si inaugurerà la più grande mostra mai allestita sul grande genio, lombardo d’adozione. Il personaggio bene rappresenta il simbolo della poliedrica genialità italiana, come ha precisato Ilaria Borletti Buitoni, Sottosegretario al Ministero dei Beni Culturali, nel corso della presentazione a Palazzo Reale. Destinato, forse, a diventare, “Eroe dell’Expo”, come ha ipotizzato l’Assessore alla Cultura Del Corno. La Mostra che gli sarà dedicata proseguirà fino al 10 luglio 2015. Tra i temi centrali il disegno, fondamentale nell’opera di Leonardo. Il Sindaco Pisapia ha sottolineato l’importanza della mano nel tracciare il disegno, quasi, a precedere il pensiero, prima che esso si formi. E lo ha fatto citando una suggestione suggeritagli da un recente libro di Tullio Pericoli, intitolato proprio “Pensieri della mano”. Anche Giuseppe Sala, Commissario unico delegato del Governo per Expo, condivide l’ottimismo di chi ha puntato su questo “pezzo da novanta” della cultura italiana per tirare la volata all’esposizione universale. Anche se non ha potuto non rilevare come si renda necessaria una maggiore sensibilità di fronte al fenomeno del turismo nella nostra città, che va studiato in modo più attento anche dal punto di vista sociodemografico. Massimo Vitta Zelman, presidente di Skirà, ha anticipato la realizzazione di un grande catalogo sulla Mostra, coordinato da Pietro Marani e Maria Teresa Fiorio, curatori della mostra e massimi studiosi di Leonardo, che conterrà saggi scientifici inediti dei maggiori specialisti mondiali che analizzeranno i numerosi aspetti della personalità dell’artista. Le opere esposte arriveranno principalmente dalla Biblioteca Ambrosiana, ma contribuiranno anche altre prestigiose istituzioni, quali la Royal Library di Windsor, il British Museum, gli Uffizi di Firenze, il Metropolitan Museum di New York, la Biblioteca Reale di Torino, oltre al Museo della Scienza e della Tecnologia. Leonardo, però, non si vedrà solo a Palazzo Reale, ma anche alla Biblioteca Trivulziana del Castello Sforzesco, nella Sala delle Assi, attualmente in restauro, e nella Pinacoteca Ambrosiana. Senza dimenticare il Cenacolo che potrà essere ammirato, oltre che nella sua sede naturale (Refettorio del Convento di S. Maria delle Grazie), anche in una riproduzione video con pannelli e postazioni interattive. Della mostra su Leonardo avremo occasione di riparlarne. Per ora un assaggio delle 12 sezioni previste: Il Disegno come fondamento, Natura e scienza della pittura, Il paragone delle arti, Il paragone con gli antichi, Anatomia, fisiognomica e moti dell’animo, Invenzione e meccanica, Il sogno, Realtà e utopia, L’unità del sapere, De coelo et mundo: immagini del divino, La diffusione della fortuna: dai leonardeschi al trattato di pittura, Il mito. Non è una Mostra facile. Ci auguriamo che vengano attuate scelte di allestimento adeguate alle caratteristiche del personaggio. Se è giusto evitare di cadere in celebrazioni retoriche o mitografiche sarebbe altrettanto sbagliato ridurre Leonardo allo stereotipo, normalizzato ma riduttivo, del “genio multiforme”. Poco convincente pare a prima vista, la scelta del San Gerolamo come icona della mostra. Si può capire cosa l’abbia motivata: in primis, il pericolo di ricorrere a simboli troppo abusati, ma credo sia giusto anche non dimenticare il pubblico al quale dobbiamo far arrivare in modo più diretto ed efficace il nostro messaggio. Ugo Perugini
Inizio: 15/04/2015
Fine: 19/07/2015
Indirizzo: Piazza del Duomo, 12 Milano
Spazio: Palazzo Reale
Area geografica: Milano
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Titolo: Nirvana - Les étranges formes du plaisir
Introduzione: "Nirvana. Les étranges formes du plaisir" è la prima collettiva svizzera di respiro internazionale dedicata alle forme di edonismo erotico nella creatività odierna, esplorando non solo il campo del design, ma anche quello della moda e dell’arte contemporanea; al contempo, Nirvana è il primo studio globale sull’influenza dell’erotismo nel design, nella moda e nell’arte. Audace, lussuriosa e misteriosa, l’esibizione presenta I lavori di circa 80 artisti e designers, per un totale di oltre 200 tra oggetti-feticcio ed installazioni.
Descrizione: NIRVANA- LES ÉTRANGES FORMES DU PLAISIR @MUDAC Musée de Design et d’Art appliqués Contemporains - Losanna (CH) Dal 29 Ottobre 2014 al 26 Aprile 2015 Cura: Marco Costantini, Susanne Hilpert Stuber Alcuni degli 80 artisti esposti (in ordine alfabetico): Arte Contemporanea _ Milena Altini (IT) _ Nobuyoshi Araki (JP) _ Erwin Olaf (NL) _ Mustafa Sabbagh (IT) _ Markus Schinwald (AT) _ Mario Testino (IT) Design _ Matteo Cibic (IT) _ Zaha Hadid (UK-IRQ) _ Ugo La Pietra (IT) _ Marc Newson (AU) _ Karim Rashid (EG) _ Ettore Sottsass (IT) _ Matteo Thun (IT) _ Mark Woods (UK) Moda _ Givenchy (FR) _ Charlie Le Mindu (FR) _ Gianmarco Lorenzi (IT) _ Maison Martin Margiela (FR) _ Walter Van Beirendonck (BE) _ Betony Vernon (USA) "Nirvana. Les étranges formes du plaisir" è la prima collettiva svizzera di respiro internazionale dedicata alle forme di edonismo erotico nella creatività odierna, esplorando non solo il campo del design, ma anche quello della moda e dell’arte contemporanea; al contempo, Nirvana è il primo studio globale sull’influenza dell’erotismo nel design, nella moda e nell’arte. Audace, lussuriosa e misteriosa, l’esibizione presenta I lavori di circa 80 artisti e designers, per un totale di oltre 200 tra oggetti-feticcio ed installazioni. La mostra propone una selezione di lavori di designers contemporanei che attingono all’iconografia del piacere all’interno del loro operato, trovando ispirazione non solo nella letteratura erotica e fetish, ma anche in immagini, oggetti ed indumenti ai quali essi fanno costante riferimento. I visitatori avranno così modo di scoprire feticci finemente realizzati, spesso rari o inaccessibili ai più, fabbricati con materie prime usualmente associate al mondo dei beni di lusso - sia che si tratti di artigianato, che di arte contemporanea. La collettiva ci invita così ad un confronto con le nostre idee e percezioni sul piacere. Ci obbliga ad osservare in che modo le sue forme di espressione possano travalicare quella linea tesa tra privato e pubblico, quando esse sono materia di moda, di design o di arte. I designers ricoprono il corpo di indumenti attillati e di tessuti sensuali, decorandoli con accessori piacevoli tanto per l’estetica quanto per l’erotica, creando arredi dalle forme esplicite ed evocative, opere d’arte all’interno delle quali bellezza e perfezione sono contaminate (e potenziate) da un inconfondibile odore di zolfo. Nirvana ci dimostra che il desiderio sociale di piacere sensuale non accenna a diminuire, nell’era digitale all’interno della quale siamo chiamati a vivere. L’esibizione punta il riflettore su quelle particolari forme di design, di moda e di arte contemporanea che ci accompagnano in un processo di ineluttabile presa di coscienza: il suo scopo è quello di esaminare il nostro modo di rapportarci ad oggetti che incarnano la reificazione delle nostre percezioni inconsce sulla sessualità, e delle nostre nozioni intime sul piacere. All’interno della mostra, i tabù saranno sovvertiti mediante l’uso di forme e materiali inusitati, nonché attraverso una particolare attenzione a quei dettagli che rappresentano il terreno comune con ciò che l’industria della moda considera “haute couture”. Tanto artisti celebri, quanto giovani emergenti, gli uni di fianco agli altri, metteranno allo stesso modo in luce le loro differenti influenze, rendendo pubblico ciò che solitamente resta per eccellenza privato. E tutti loro ci obbligheranno ad interfacciarci con i nostri giudizi di valore sulle pratiche erotiche esibendo oggetti inaspettatamente di lusso, confezionati seguendo le regole dei più alti standard artigianali in materia di lavorazione della pelle, del vetro e dei metalli più preziosi. NIRVANA _ SCHEDA TECNICA Apertura al pubblico _ Martedì 28 Ottobre 2014 dalle 18.00 Giorni & Ore _ 29 Ottobre 2014 - 26 Aprile 2015 Martedì - Domenica 11.00-18.00 _ Festivi: aperto seguendo gli orari feriali (lunedì incluso) Durante le festività natalizie: 24 e 31.12.2014: 11.00-16.00 _ 25.12.2014 e 01.01.2015: chiuso Sede espositiva _ MUDAC - musée de design et d’arts appliqués contemporains _ Place de la Cathédrale 6 _ CH-1005 Lausanne _ www.mudac.ch Elenco degli Artisti _ Abdi Abdelkader, DZ - Milena Altini, IT - Nobuyoshi Araki, JP - Bina Baitel, FR - David Baskin, USA - Yves Béhar, CH - François Berthoud, CH - Barbara Bloom, USA - Antoine Boudin, FR - Pierre Charpin, FR - Petros Chrisostomou, UK - Matteo Cibic, IT - Matali Crasset, FR - Charlie Davidson, SE - Marc Dibeh, LB - Patrycja Domanska, PL - Éditions de Parfums Frédéric Malle, FR - Anika Engelbrecht, DE - Matthew Epler, USA - État Libre d’Orange, FR - Naomi Filmer, UK - Sylvie Fleury, CH - Björn Franke, DE - Rachel Freire, UK - Marie Garnier, FR - Christian Ghion, FR - Givenchy, FR - Heeley, FR - Roberto Greco, IT - Julian Hakes, UK - Zaha Hadid, UK-IRQ - Sophie Hanagarth, CH - Jaime Hayon, SP - Dejana Kabiljo, HR - Cary Kwok, HK - Masaya Kushino, JP - Ugo La Pietra, IT - Jacques Le Corre, FR - Lubin, FR - Charlie le Mindu, FR - Gianmarco Lorenzi, IT - Sarah Lucas, UK - Maison Martin Margiela, FR - Maître Parfumeur et Gantier, FR - Luc Mattenberger, CH - Gabriel Moginot, FR - Eelko Moorer, NL - Nasomatto, NL - Mark Newson, AU - Magdalene Odundo, KEN - Erwin Olaf, NL - Oriza L. Legrand, FR - Parfum d’Empire, FR - Parfumerie Générale, FR - Kate Peters, UK - Karim Rashid, EG - Mustafa Sabbagh, IT - Olivier Schawalder, CH - Markus Schinwald, AT - Ettore Sottsass, IT - Studio Job, BE & NL - Jean-Baptiste Sibertin Blanc, FR - Caro Suerkemper, DE - Gianluca Tamburini, IT - Noritaka Tatehana, JP - Mario Testino, IT - Matteo Thun, IT - Morgane Tschiember, FR - Walter Van Beirendonck, BE - Atelier Van Lieshout, BE - Lucas Van Vugt, NL - Nick Veasey, UK - Olivier Védrine, FR - Jean-Luc Verna, FR - Betony Vernon, USA - Vero Profumo, CH - Rein Vollenga, NL - Mark Woods, UK - Jeff Zimmermann, USA - Nika Zupanc, SI Catalogo _ Testi di Marco Costantini (curatore, storico dell’arte, Losanna), Susanna Kumschick (etnologa, vice-direttrice/curatrice, Gewerbemuseum, Winterthour), Denyse Beaulieu (giornalista, Parigi), Joel Vacheron (sociologo, Londra), e Luca Marchetti (semiologo, Ginevra/Parigi). Main Image _ Mustafa Sabbagh, Just in Black (2014) Fotografia a stampa lambda Dimensioni: 100 x 90 cm Immagine © Mustafa Sabbagh
Inizio: 28/10/2014
Fine: 26/04/2015
Indirizzo: Place de la Cathédrale 6 - Lausanne
Spazio: MUDAC - Musée de Design et d'Arts appliqués Contemporains
Area geografica: Estero
Email: press@mustafasabbagh.com
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Titolo: Il design italiano oltre le crisi. Autarchia, austerità, autoproduzione
Introduzione: La settima edizione del Triennale Design Museum focalizza la sua attenzione sul tema dell'autosufficienza produttiva, declinato e affrontato in modo diverso in tre periodi storici cruciali: gli anni trenta, gli anni settanta e gli anni zero. L’idea alla base è che il progettare negli anni delle crisi economiche sia una condizione particolarmente favorevole allo stimolo della creatività progettuale: le origini del design italiano negli anni trenta, anni in cui i nostri grandi progettisti hanno realizzato opere esemplari, i distretti produttivi (nati negli anni settanta in piccole aree geografiche tra patrimoni di sapere e di eccellenza, basati su tradizioni locali e disponibilità diretta di materie prime) per arrivare alle sperimentali forme di produzione dal basso e di autoproduzione.
Descrizione: La settima edizione del Triennale Design Museum focalizza la sua attenzione sul tema dell'autosufficienza produttiva, declinato e affrontato in modo diverso in tre periodi storici cruciali: gli anni trenta, gli anni settanta e gli anni zero. L’idea alla base è che il progettare negli anni delle crisi economiche sia una condizione particolarmente favorevole allo stimolo della creatività progettuale: le origini del design italiano negli anni trenta, anni in cui i nostri grandi progettisti hanno realizzato opere esemplari, i distretti produttivi (nati negli anni settanta in piccole aree geografiche tra patrimoni di sapere e di eccellenza, basati su tradizioni locali e disponibilità diretta di materie prime) per arrivare alle sperimentali forme di produzione dal basso e di autoproduzione. In mostra, tra gli altri, lavori di: Enzo Mari, Andrea Branzi, Gio Ponti, Maurizio Cattelan, Fortunato Depero, Bruno Munari, Alessandro Mendini, Vittoriano Viganò, Paolo Ulian, Michele De Lucchi, Filippo Tommaso Marinetti, Marco Ferreri, Salvatore Ferragamo, Patricia Urquiola, Ettore Sottsass, Franco Raggi, Giulio Iacchetti, Caterina Crepax, Antonio Citterio. Direzione: Silvana Annicchiarico Cura scientifica: Beppe Finessi Progetto di allestimento: Philippe Nigro Progetto grafico: Italo Lupi Catalogo Corraini Edizioni Ufficio stampa e Comunicazione Damiano Gullì tel. 02 72434241 damiano.gulli@triennale.org SEC Relazioni Pubbliche e Istituzionali via Panfilo Castaldi 11, Milano, 02 6249991 Giulia Bertolini, bertolini@secrp.it, 333 7891567 Lara Visigalli, visigalli@secrp.it, 335 8348516 Inaugurazione giovedì 3 aprile 4 aprile 2014 – 22 febbraio 2015 Triennale di Milano viale Alemagna, 6 Milano Orari: 8 - 13 Aprile: 10.30 - 22.00 a seguire: martedi - domenica 10.30 – 20.30, giovedi 10.30 - 23.00 Ingresso: 8,00/6,50/5,50 euro
Inizio: 04/03/2014
Fine: 22/02/2015
Indirizzo: Viale Alemagna, 6 Milano
Spazio: Triennale Design Museum
Area geografica: Milano
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Titolo: Le quattro dame dei Pollaiolo
Introduzione: Le quattro dame dei Pollaiolo riunite per la prima volta in una mostra straordinaria al Museo Poldi Pezzoli a Milano dal 7 novembre 2014 al 16 febbraio 2015 La mostra dedicata ai fratelli Pollaiolo, una delle più importanti mostre realizzate, con il sostegno di Fondazione Bracco, nella storia del Museo Poldi Pezzoli, vedrà riuniti e messi a confronto, per la prima volta nella loro storia, tutti i quattro bellissimi ritratti femminili riferibili alla mano di Antonio e di Piero del Pollaiolo, grazie ai prestiti straordinari della Gemäldegalerie di Berlino, del Metropolitan Museum of Art di New York e della Galleria degli Uffizi di Firenze.
Descrizione: Le quattro dame dei Pollaiolo riunite per la prima volta in una mostra straordinaria al Museo Poldi Pezzoli a Milano dal 7 novembre 2014 al 16 febbraio 2015 La mostra dedicata ai fratelli Pollaiolo, una delle più importanti mostre realizzate, con il sostegno di Fondazione Bracco, nella storia del Museo Poldi Pezzoli, vedrà riuniti e messi a confronto, per la prima volta nella loro storia, tutti i quattro bellissimi ritratti femminili riferibili alla mano di Antonio e di Piero del Pollaiolo, grazie ai prestiti straordinari della Gemäldegalerie di Berlino, del Metropolitan Museum of Art di New York e della Galleria degli Uffizi di Firenze. Protagonista, con quelli delle altre tre signore, il celebre e affascinante Ritratto di dama, fra i maggiori capolavori della ritrattistica fiorentina della seconda metà del Quattrocento e assurto a simbolo stesso del museo milanese, che dal 25 luglio ritorna nella sua sede dopo la trasferta giapponese. L’esposizione presenterà inoltre una serie di dipinti, sculture, disegni, incisioni, oreficerie e ricami di grande qualità, a testimonianza dell’ampiezza e della complessità del talento di Antonio del Pollaiolo e della sua bottega. I temi dell’alto artigianato, dell’eccellenza del made in Italy e del femminile saranno il corollario dell’esposizione, che vuole appassionare un pubblico nazionale e internazionale anche in vista di Expo 2015. Il Museo coinvolgerà le istituzioni milanesi in un progetto comune, attraverso la creazione di percorsi declinati su temi condivisi come quello della bellezza e grazie alla determinante collaborazione con il Comune di Milano, che metterà a disposizione spazi della città per eventi speciali rivolti a tutto il pubblico. In questo progetto sono inoltre partner del Poldi Pezzoli: l’Opificio delle Pietre Dure di Firenze, il Museo del Louvre di Parigi, la National Gallery di Londra e il Museo Nazionale del Bargello di Firenze.
Inizio: 11/07/2014
Fine: 16/02/2015
Indirizzo: Museo Poldi Pezzoli a Milano
Spazio: Museo Poldi Pezzoli
Area geografica: Milano
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Titolo: Marc Chagall. Una retrospettiva 1908-1985
Introduzione: Marc Chagall. Una retrospettiva 1908-1985 17 settembre 2014 – 1 febbraio 2015 Palazzo Reale, Milano La mostra Marc Chagall. Una retrospettiva 1908-1985 che si aprirà il 17 settembre a Palazzo Reale di Milano è la più grande retrospettiva mai dedicata in Italia a Marc Chagall, con oltre 220 opere – prevalentemente dipinti, a partire dal 1908, data in cui Chagall realizzò il suo primo quadro, Le petit salon, fino alle ultime, monumentali opere degli anni ‘80 – che guideranno i visitatori lungo tutto il percorso artistico di Marc Chagall, accostando, spesso per la prima volta, opere ancora nelle collezioni degli eredi, e talvolta inedite, a capolavori provenienti dai maggiori musei del mondo, quali il MoMa, il Metropolitan Museum di New York, la National Gallery di Washington, il Museo Nazionale Russo di S. Pietroburgo, il Centre Pompidou, oltre a 50 collezioni pubbliche e private che hanno generosamente collaborato.
Descrizione: Marc Chagall. Una retrospettiva 1908-1985 17 settembre 2014 – 1 febbraio 2015 Palazzo Reale, Milano La mostra Marc Chagall. Una retrospettiva 1908-1985 che si aprirà il 17 settembre a Palazzo Reale di Milano è la più grande retrospettiva mai dedicata in Italia a Marc Chagall, con oltre 220 opere – prevalentemente dipinti, a partire dal 1908, data in cui Chagall realizzò il suo primo quadro, Le petit salon, fino alle ultime, monumentali opere degli anni ‘80 – che guideranno i visitatori lungo tutto il percorso artistico di Marc Chagall, accostando, spesso per la prima volta, opere ancora nelle collezioni degli eredi, e talvolta inedite, a capolavori provenienti dai maggiori musei del mondo, quali il MoMa, il Metropolitan Museum di New York, la National Gallery di Washington, il Museo Nazionale Russo di S. Pietroburgo, il Centre Pompidou, oltre a 50 collezioni pubbliche e private che hanno generosamente collaborato. All’interno di un rigoroso e completo percorso cronologico, la mostra si articolerà in sezioni, partendo dalle opere degli esordi realizzate in Russia; durante il primo soggiorno francese, e il successivo rientro in Russia fino al 1921; con l’autobiografia scritta da Chagall al momento del suo definitivo abbandono della Russia, si aprirà il secondo periodo del suo esilio, prima in Francia e poi, negli anni ’40, in America dove vivrà anche la tragedia della morte dell’amatissima moglie Bella; con il rientro in Francia e la scelta definitiva di stabilirsi in Costa Azzurra Chagall ritroverà il suo linguaggio poetico più disteso, rasserenato dai colori e dall’atmosfera del Midi. La mostra Marc Chagall. Una retrospettiva 1908-1985 è promossa dal Comune di Milano-Cultura, è organizzata e prodotta da Palazzo Reale, 24 ORE Cultura – Gruppo 24 ORE, Arthemisia Group e GAmm Giunti, è ideata da Claudia Zevi & Partners e curata da Claudia Zevi con la collaborazione di Meret Meyer. Il catalogo sarà pubblicato in coedizione da GAmm Giunti e 24 ORE CULTURA. Materiali stampa: http://bit.ly/V2FUXD Info e prenotazioni 02 54911; http://www.ticket.it/chagall Costo biglietto € 12,00 INGRESSO SINGOLO INTERO audioguida gratuita € 10,00 INGRESSO SINGOLO RIDOTTO audioguida gratuita
Inizio: 17/09/2014
Fine: 02/01/2015
Indirizzo: Palazzo Reale, Milano
Spazio: Palazzo Reale, Milano
Area geografica: Milano
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Titolo: HANS MEMLING
Introduzione: 10 ottobre 2014 - 18 gennaio 2015 Scuderie del Quirinale, Roma A distanza di quasi 600 anni, il trittico del Giudizio Universale - l’opera più famosa di Memling, artista che seppe operare una sintesi armoniosa, complessa e sommamente originale delle conquiste dei grandi fondatori dell’arte fiamminga - toccherà il suolo italiano, per la prima volta, per essere esposta dal 10 ottobre alle Scuderie del Quirinale di Roma nella mostra “Hans Memling”, organizzata dall’Azienda Speciale Palaexpo in con Arthemisia Group.
Descrizione: HANS MEMLING a cura di Till-Holger Borchert 10 ottobre 2014 - 18 gennaio 2015 Scuderie del Quirinale, Roma A distanza di quasi 600 anni, il trittico del Giudizio Universale - l’opera più famosa di Memling, artista che seppe operare una sintesi armoniosa, complessa e sommamente originale delle conquiste dei grandi fondatori dell’arte fiamminga - toccherà il suolo italiano, per la prima volta, per essere esposta dal 10 ottobre alle Scuderie del Quirinale di Roma nella mostra “Hans Memling”, organizzata dall’Azienda Speciale Palaexpo in con Arthemisia Group. Il progetto espositivo di Till-Holger Borchert, curatore del Memling Museum di Bruges, studioso di livello internazionale dell’arte fiamminga del XV secolo, da Van Eyck a Van der Weyden, riunisce una lunga serie di olii su tavola - che necessitano non solo di trasporti eccezionali, ma anche di essere preservate all'interno di speciali teche climatizzate e di cui è difficilissimo il prestito per mostre temporanee -, tra cui i capolavori assoluti di Memling, di raccolte pubbliche e private, e provenienti, tra gli altri, dal Groeninge Museum di Bruges, dalla Royal Collection di Londra, dal Museo del Louvre nonché dalla Frick Collection di New York, dalla National Gallery of Art di Washington, dal Metropolitan Museum di New York, dal Museu Nacional de Arte Antiga di Lisbona e dal Koninklijk Museum voor Schone Kunsten di Anversa. "Hans Memling" è la prima mostra interamente dedicata all'artista – incentrata su ogni aspetto della sua opera e della sua carriera, dalle pale d'altare ai trittici portatili, ai dipinti devozionali, oltre ai famosi ritratti, genere in cui Memling seppe perfezionare lo schema campito su uno sfondo di paesaggio, che ebbe vasta diffusione e un forte influsso anche sulle opere di numerosi artisti italiani del primo Cinquecento.
Inizio: 10/10/2014
Fine: 18/01/2015
Indirizzo: Scuderie del Quirinale, Roma
Spazio: Scuderie del Quirinale, Roma
Area geografica: Roma
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Titolo: MARCO SCHIFANO
Introduzione: MARCO SCHIFANO 1° ottobre 2014 - 16 gennaio 2015 Inaugurazione: mercoledì 1° ottobre, ore 18.30 Dal 1° ottobre 2014 al 16 gennaio 2015, lo Studio Giangaleazzo Visconti di Milano (Corso Monforte, 23) ospiterà la mostra di Marco Schifano (Roma, 1985). L’esposizione, presenterà 35 fotografie del giovane artista romano, caratterizzate da un’elevata precisione formale e da un notevole gusto compositivo.
Descrizione: MARCO SCHIFANO 1° ottobre 2014 - 16 gennaio 2015 Inaugurazione: mercoledì 1° ottobre, ore 18.30 Dal 1° ottobre 2014 al 16 gennaio 2015, lo Studio Giangaleazzo Visconti di Milano (Corso Monforte, 23) ospiterà la mostra di Marco Schifano (Roma, 1985). L’esposizione, presenterà 35 fotografie del giovane artista romano, caratterizzate da un’elevata precisione formale e da un notevole gusto compositivo. Pur lavorando con gli strumenti fotografici - apparecchi che lo accompagnano fin dalla sua infanzia -, Schifano si muove seguendo una manualità antica, come un maestro rinascimentale o come un pittore fiammingo, ricostruendo con maniacale accuratezza le scene che saranno oggetto delle sue attenzioni. In bilico tra fotografia, montaggio filmico e pittura, queste immagini si accostano però anche al meccanismo della drammatizzazione teatrale e rappresentano sia la soggettività propria dell’artista, sia l’aspirazione all’oggettività dei singoli particolari. Come afferma il critico Gianluca Ranzi, nel suo testo in catalogo, “C’è un profondo senso dell’avventura che anima le opere di Marco Schifano. L’avventura consiste anche nella creazione di immagini che contrappongono la rapidità istantanea dello scatto al tempo lungo richiesto dalla complessa preparazione di ogni set, delle luci, delle piante rare, degli animali vivi che vi compaiono, anche amplificata dall’assenza pressoché totale di interventi di post-produzione digitale sugli scatti realizzati”. I soggetti comprendono animali, siano essi comuni (capre, oche, rane), o rari e feroci (leoni, armadilli, coccodrilli, avvoltoi) e vegetali (piante, fiori, frutta) che Schifano combina con oggetti inanimati come suppellettili, bicchieri in cristallo, argenterie, strumenti musicali, scranni neo-gotici, e molto altro, in una sorta di dialogo continuo che porta a interagire sullo stesso piano cose inanimate e soggetti viventi, in un sottile gioco tra realtà e finzione. “Schifano - sottolinea ancora Gianluca Ranzi - coinvolge lo spettatore in un’avventura estetica e conoscitiva che riguarda da una parte il manifestarsi inaspettato di una relazione tra i soggetti (di qualsiasi natura essi siano) e dall’altra la magia della prodigiosa resa fotografica delle textures, dei materiali e dei riflessi”. Con questo suo modo di operare, Marco Schifano si pone al di fuori del comune sentire artistico. Laddove si predilige la provocazione o l’elemento spettacolare e concettuale, lui risponde con immagini colte, costruite con un profondo senso della bellezza e della composizione. Accompagna la mostra un catalogo Edizioni Tip.Le.Co. Note biografiche Marco Schifano (1985) vive e lavora a Roma. Sin dall`infanzia i suoi “giocattoli” sono cineprese e macchine fotografiche, con le quali cresce sperimentando la propria capacità comunicativa. Si esercita nel “montaggio in macchina” per ottenere filmati dove fonde le sue ricerche sul senso e sul ritmo: tante ore di girato e un gran numero di scatti per arrivare a una propria rappresentazione estetica del mondo. La sua opera fotografica più recente si basa su una processualità complessa che prevede una lunga ricerca preliminare di elementi coordinati, assemblati e quindi ripresi per dare vita a iconografie altamente formalizzate. Lo still life è usato per rileggere la tradizione pittorica della natura morta, attraverso immagini che si collocano sulla soglia tra realtà e finzione. Milano, luglio 2014 MARCO SCHIFANO Milano, Studio Giangaleazzo Visconti (c.so Monforte 23) 1 ottobre – 16 gennaio 2015 Orari: da lunedì a venerdì, 11.00 - 13.00; 15.00 – 19.00. Ingresso libero Catalogo: Edizioni Tip.Le.Co. Info Studio Giangaleazzo Visconti Tel. 02.795251 info@studiovisconti.net www.studiovisconti.net Ufficio stampa CLP Relazioni Pubbliche Marta Paini, tel. 02 36 755 700 marta.paini@clponline.it; www.clponline.it Comunicato stampa e immagini su www.clponline.it
Inizio: 10/01/2014
Fine: 16/01/2015
Indirizzo: Milano, Corso Monforte, 23
Spazio: Studio Giangaleazzo Visconti
Area geografica: Milano
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Titolo: IL DUOMO DI SIENA RIAPRE LA SUA PORTA DEL CIELO
Introduzione: IL DUOMO DI SIENA RIAPRE LA SUA PORTA DEL CIELO Dal 1° marzo 2014 al 6 gennaio 2015 Siena, Cattedrale Il Duomo di Siena riapre la sua “Porta del Cielo”. Dal primo marzo è possibile ammirare nuovamente la sommità dell’imponente fabbrica. Il percorso, aperto per la prima volta la scorsa primavera, ha permesso di accedere ad una serie di locali mai aperti al pubblico ed utilizzati solo dalle maestranze dirette dai grandi architetti che si sono avvicendati nei secoli.
Descrizione: IL DUOMO DI SIENA RIAPRE LA SUA PORTA DEL CIELO Dal 1° marzo 2014 al 6 gennaio 2015 Siena, Cattedrale Il Duomo di Siena riapre la sua “Porta del Cielo”. Dal primo marzo è possibile ammirare nuovamente la sommità dell’imponente fabbrica. Il percorso, aperto per la prima volta la scorsa primavera, ha permesso di accedere ad una serie di locali mai aperti al pubblico ed utilizzati solo dalle maestranze dirette dai grandi architetti che si sono avvicendati nei secoli. Dopo la grande affluenza di pubblico italiano e straniero della passata stagione, il Rettore dell’Opera della Metropolitana, Mario Lorenzoni, ha promosso anche per l’anno in corso, l’apertura straordinaria della Porta del Cielo. Si accede al percorso attraverso la magnifica facciata, la quale è fiancheggiata da due imponenti torri terminanti con guglie di svariate forme che si proiettano verso l’alto. All’interno di queste si inseriscono scale a chiocciola, quasi segrete perché nascoste alla vista dei visitatori, che portano ai tetti del Duomo. Una volta giunti sopra le volte stellate della navata destra si inizia un itinerario riservato a piccoli gruppi, accompagnati da un’esperta guida, che riserva una serie di scoperte ed emozioni. Sarà infatti possibile camminare ‘sopra’ il sacro tempio e ammirare suggestive viste panoramiche ‘dentro’ e ‘fuori’ della cattedrale. Saranno aperte al visitatore le multicolori vetrate di Ulisse De Matteis con la rappresentazione degli Apostoli, dalle quali i turisti si affacceranno all’interno della cattedrale con la vista del pavimento, dei principali monumenti scultorei e dell’interno della cupola con il ‘Pantheon’ dei santi senesi, i quattro Patroni, santa Caterina e san Bernardino, i ‘giganti’ dorati che proteggono dall’alto la comunità dei fedeli. Si percorre dunque il ballatoio della cupola dal quale sarà possibile contemplare l’altar maggiore, la copia della vetrata di Duccio di Buoninsegna, con al centro la mandorla di Maria Assunta, e i capolavori scultorei. Dall’affaccio della navata sinistra è possibile ammirare uno splendido panorama sulla Basilica di S. Domenico, la Fortezze Medicea, l’intera cupola della cappella di S. Giovanni Battista, il paesaggio circostante fino alla Montagnola senese. Si entra infine dietro il prospetto della facciata nel terrazzino che si affaccia su Piazza del Duomo con la vista dello Spedale di S. Maria della Scala e si accede al ballatoio della controfacciata da dove si ha una vista generale sulla navata centrale e lo sguardo è accompagnato dal ritmo scandito dalle teste dei papi e degli Imperatori, attraverso le tarsie con i filosofi del mondo antico che proferiscono sentenze. La “porta del cielo” si apre dunque ai visitatori come salissero attraverso la scala apparsa in sogno a Giacobbe, la cui cima raggiungeva il cielo e gli angeli di Dio salivano e scendevano (Genesi 28,10-22). Nel sogno Dio promette a Giacobbe la terra sulla quale egli stava dormendo e un’immensa discendenza. Al suo risveglio Giacobbe esclama «Questa è proprio la casa di Dio, questa è la porta del cielo», verso utilizzato dalla liturgia nella messa della dedicazione delle cattedrali. Ma ‘porta del cielo’, secondo le litanie lauretane, è anche la Vergine, definizione che meglio esprime la potenza e la bontà di Maria, la quale come Madre di Cristo e dell'umanità, concorre alla nostra salvezza eterna in Cielo ove lei è ‘Regina assunta’. Il percorso “dall’alto” permetterà infatti di comprendere meglio la dedicazione del Duomo di Siena all’Assunzione della Madonna e il forte legame che i cittadini senesi hanno da secoli con la loro ‘patrona’: Sena vetus civitas Virginis. L’Opera della Metropolitana ha inoltre istituito un nuovo biglietto integrato, OpaSiPass Plus che permette, oltre alla visita guidata della Porta del Cielo, l’accesso a tutte le altre sedi museali del Complesso monumentale del Duomo. L’iniziativa, fortemente voluta dall’Opera della Metropolitana di Siena, è organizzata da Opera – Civita Group.
Inizio: 03/01/2014
Fine: 01/06/2015
Indirizzo: Siena, Cattedrale
Spazio: Siena, Cattedrale
Area geografica: Centro
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Titolo: LA MEMORIA FINALMENTE. ARTE IN POLONIA: 1989-2015
Introduzione: La Galleria civica di Modena inaugura il prossimo 21 marzo alle 18.00 "La memoria finalmente. Arte in Polonia: 1989-2015", mostra a cura di Marinella Paderni, prodotta con la Fondazione Cassa di Risparmio di Modena, realizzata in collaborazione con l'Istituto di Cultura Polacco di Roma e allestita alla Palazzina dei Giardini fino al 7 giugno 2015. Quattordici autori selezionati – sulla scorta di tre generazioni di artisti polacchi nati tra la fine degli anni Cinquanta e la prima metà degli anni Ottanta – presentano fotografie, p
Descrizione: LA MEMORIA FINALMENTE. ARTE IN POLONIA: 1989-2015 Galleria civica di Modena, Palazzina dei Giardini, 21 marzo-7 giugno 2015 La Galleria civica di Modena inaugura il prossimo 21 marzo alle 18.00 "La memoria finalmente. Arte in Polonia: 1989-2015", mostra a cura di Marinella Paderni, prodotta con la Fondazione Cassa di Risparmio di Modena, realizzata in collaborazione con l'Istituto di Cultura Polacco di Roma e allestita alla Palazzina dei Giardini fino al 7 giugno 2015. Quattordici autori selezionati – sulla scorta di tre generazioni di artisti polacchi nati tra la fine degli anni Cinquanta e la prima metà degli anni Ottanta – presentano fotografie, pittura, collage, performance, sculture, disegni, installazioni e video. Il percorso espositivo racconta il delicato passaggio tra passato e futuro vissuto dal Paese, mostra lo scarto tra radicate eredità culturali e l’invenzione di un’arte nuova, e rivela un tratto deciso e autonomo, piena espressione della Polonia post-socialista di oggi. La ricerca di un’identità nel presente, che rappresenti anche la promessa del futuro, è il leitmotiv della mostra: "La memoria finalmente", titolo di una poesia scritta da Wisława Szymborska, scrittrice polacca premio Nobel per la letteratura nel 1996. A 25 anni dall’indipendenza democratica, la Polonia è diventata la culla di un rinascimento culturale senza precedenti, humus di quelle istanze storiche che hanno plasmato l’Europa del secolo scorso, tra traumi, rimozioni e ricostruzioni. Divisa nel corso del XX secolo, tornata indipendente tra il 1919 e il 1939 e poi liberata con l’aiuto dell’Armata Rossa, la Polonia divenne un paese del blocco socialista sovietico. Storico e strategico crocevia tra Est e Ovest, è divenuta un osservatorio privilegiato dei fenomeni politici e culturali europei, coniugando, spesso suo malgrado, istanze e differenze dei due poli estremi del nostro continente. L’inizio dell’era post-socialista e l’ingresso del capitalismo hanno segnato un confine culturale tra passato e futuro. La libertà ritrovata ha rappresentato la promessa del futuro senza il pericolo di cadere nelle trappole della rimozione e della perdita di memoria. La scena artistica contemporanea ha contribuito in maniera incisiva a questo rinascimento culturale anche grazie a una riflessione critica attenta tanto al passato quanto al presente, capace di generare la consapevolezza necessaria per giungere alla costruzione di nuova identità. Critical Art e New Documentalists sono alcuni dei fenomeni artistici principali sorti tra gli anni Novanta e gli anni Duemila che si sono fatti carico di affrontare schiettamente il tema delicato della memoria, gli effetti del capitalismo e della globalizzazione impiantati su una storia di totalitarismi, l’essere e il divenire della società polacca. Gli artisti presenti in mostra: Paweł Althamer (1967), Mirosław Bałka (1958), Michał Budny (1976), Michał Grochowiak (1977), Nicolas Grospierre (1975), Paulina Ołowska (1976), Slavs and Tatars (Kasia Korczak, 1976 e Payam Sharifi, 1976), Monika Sosnowska (1972), Wilhelm Sasnal (1972), Aleksandra Waliszewska (1976), Ewa Axelrad (1984), Anna Molska (1983), Agnieska Polska (1985), Jakub Woynarowski (1982). Nella foto: Michał Grochowiak - dalla serie “Silence”, Untitled (Ola), 2007 mostra La memoria finalmente. Arte in Polonia: 1989-2015 sede Palazzina dei Giardini, corso Canalgrande, Modena periodo 21 marzo-7 giugno 2015 organizzazione e produzione Galleria Civica di Modena Fondazione Cassa di Risparmio di Modena in collaborazione con Istituto di Cultura Polacco di Roma inaugurazione sabato 21 marzo 18.00 preview per la stampa giovedì 19 marzo, ore 11.30 orari mercoledì-venerdì 10.30-13.00 e 16.00-19.30; sabato, domenica e festivi 10.30-19.30. Lunedì e martedì chiuso. ingresso gratuito ufficio stampa Clp Relazioni Pubbliche, Milano, Anna Defrancesco, tel. + 39 02 36755700, anna.defrancesco@clponline.it immagini e comunicati scaricabili www.clponline.it ufficio stampa Galleria civica di Modena, Cristiana Minelli tel. +39 059 2032883, galcivmo@comune.modena.it immagini e comunicati scaricabili nell'area giornalisti del sito della galleria informazioni Galleria civica di Modena, corso Canalgrande 103, 41121 Modena tel. +39 059 2032911/2032940 - fax +39 059 2032932 www.galleriacivicadimodena.it Museo Associato AMACI
Inizio: 21/03/2015
Fine: 07/06/2015
Indirizzo: Galleria civica di Modena, corso Canalgrande 103
Spazio: Galleria civica di Modena,
Area geografica: Nord
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Titolo: LA COLLEZIONE DELLE ICONE RUSSE AGLI UFFIZI
Introduzione: L’esposizione, nuovo appuntamento del ciclo ‘i mai visti’, propone 81 icone di proprietà delle Gallerie fiorentine, che costituiscono il più antico nucleo collezionistico d’immagini sacre russe esistente fuori dal mondo ortodosso.
Descrizione: FIRENZE - GALLERIA DEGLI UFFIZI DAL 20 DICEMBRE 2014 AL 1° FEBBRAIO 2015 LA COLLEZIONE DELLE ICONE RUSSE AGLI UFFIZI L’esposizione, nuovo appuntamento del ciclo ‘i mai visti’, propone 81 icone di proprietà delle Gallerie fiorentine, che costituiscono il più antico nucleo collezionistico d’immagini sacre russe esistente fuori dal mondo ortodosso. Dal 20 dicembre 2014 al 1° febbraio 2015, la Sala delle Reali Poste del Museo fiorentino accoglie la mostra della “Collezione delle icone russe agli Uffizi”. La rassegna, promossa dall’Associazione Amici degli Uffizi e curata da Valentina Conticelli, Daniela Parenti della Direzione della Galleria e Vincenzo Gobbo, realizzata col contributo dell’Ente Cassa di Risparmio di Firenze, è parte integrante del ciclo ‘i mai visti’, che ogni anno offre al pubblico l’opportunità di approfondire temi legati ad opere poco note delle sue collezioni. La mostra presenta 81 icone delle Gallerie fiorentine, costituenti il più antico nucleo collezionistico di icone russe esistente al di fuori del mondo ortodosso. I due esemplari più antichi, un’icona mariana e quella raffigurante la Decollazione del Battista, sono databili fra la fine del XVI secolo e l’inizio del XVII e conservano ancora la coperta d’argento, detta oklad, che le rendeva gradite al gusto principesco di casa Medici, trovando posto fin dal Seicento fra le suppellettili della cappella di Palazzo Pitti. Ad eccezione di pochi esemplari, tuttavia, la collezione giunse a Firenze in epoca lorenese ed è costituita per la maggior parte da icone databili alla prima metà del XVIII secolo; i caratteri stilistici che le accomunano sono tali da far supporre che possano essere state acquistate per piccoli gruppi in qualche bottega provinciale della Russia centrale. S’ignorano gli eventi che hanno portato questa raccolta a Firenze. Una scritta presente sul retro dell’icona con le Storie di Cristo porta a ipotizzare un legame con la chiesa ortodossa della Santissima Trinità di Livorno, eretta alla fine del sesto decennio del XVIII secolo con il favore del granduca Francesco Stefano di Lorena. Nell'ambito della strategia propagandistica messa in atto da Caterina di Russia durante la guerra con i Turchi (1768-1774), nel corso della quale la flotta russa soggiornò a Livorno, la zarina fece ricorso più volte a doni votivi, tributandoli anche alle comunità ortodosse d'occidente, ed è possibile che la collezione delle icone oggi agli Uffizi si origini in un episodio legato a questo particolare momento storico. “Sono grata agli Amici degli Uffizi e al personale della Direzione della Galleria – commenta il Soprintendente ad interim per il Polo Museale Fiorentino, Alessandra Marino – per la volontà di mantenere viva la tradizione dell’appuntamento espositivo di fine anno con ‘i mai visti’. Quest’anno i visitatori troveranno ad attenderli una serie di icone russe appartenenti alla Galleria e che, attraverso questa iniziativa, trova luogo e motivo per essere ammirata e apprezzata, a conferma del gusto collezionistico delle dinastie medicea e lorenese che ha attraversato i secoli ed è giunto sino a noi”. “Da qualche mese - ricorda Antonio Natali, Direttore della Galleria degli Uffizi - è tornata agli Uffizi, dalla Galleria dell’Accademia, la collezione d’icone che intorno al 1782 era stata esposta da Luigi Lanzi e Giuseppe Pelli Bencivenni nel “Gabinetto di pitture antiche”, in una coabitazione con le tavole dei maestri operosi ai primordi dell’arte italiana che è emblematica d’una riscoperta critica per la quale è invalsa la formula di ‘fortuna dei primitivi’. L’esposizione riguarda un settore del patrimonio degli Uffizi ‘mai visto’ dai visitatori, ai quali sarà dato agio di conoscere una cultura antica e nuova”. “È davvero un piacere - afferma Maria Vittoria Rimbotti, Presidente degli Amici degli Uffizi - presentare alla città la nostra strenna natalizia. Da oltre un decennio l’Associazione che ho l’onore di presiedere, partecipa attivamente all’organizzazione della mostra del ciclo de ‘i mai visti’, che propone aspetti della collezione del Museo poco noti e raramente esposti. Quest’anno - prosegue Maria Vittoria Rimbotti - l’attenzione si è focalizzata sulla più antica collezione di icone russe esistenti fuori dal mondo ortodosso di proprietà della Galleria degli Uffizi, che testimoniano il raffinato gusto collezionistico fiorentino, iniziato già in ambito mediceo e proseguito con la casata lorenese, attento a forme di espressione artistica di grande ricercatezza, nate e sviluppate in paesi e culture solo apparentemente lontane da quelle italiane”. “Le icone russe - sottolinea Daniela Parenti - giunsero agli Uffizi da Palazzo Pitti nel corso della risistemazione della Galleria promossa da Pietro Leopoldo, che comportò lo spostamento di intere branche del collezionismo mediceo e il trasferimento di molti capolavori agli Uffizi dalle regge granducali. Le icone “greco-mosche” furono sistemate nel “Gabinetto di pitture antiche” come significative testimonianze della riscoperta delle antichità cristiane e della pittura delle origini, ed introducevano ai dipinti toscani a fondo oro come pure ai capisaldi del primo di Rinascimento di Angelico, Paolo Uccello, fino a Botticelli accanto a coppe paleocristiane, smalti e mosaici. Questo insolito, ma innovativo accostamento di opere “primitive” fu smantellato alla fine del XVIII per far posto a un diverso ordinamento e le icone russe furono relegate nella villa medicea di Castello, dove rimasero fino al XX secolo. Depositate quindi a Palazzo Pitti e poi alla Galleria dell’Accademia, tornano nuovamente agli Uffizi, in virtù degli spazi in accrescimento del progetto Nuovi Uffizi”. “L’esposizione - dichiara Vincenzo Gobbo - dell’interessante gruppo d'icone russe si suddivide in tre sezioni che raggruppano le tavole dipinte aventi per tema il Cristo, la Madre di Dio e le diverse figure di santi che animano il Credo ortodosso. Dal punto di vista artistico, le icone della collezione fiorentina costituiscono un insieme eterogeneo all'interno del quale si trovano immagini sacre caratterizzate da una discreta qualità nella resa iconografica, a cui s'alternano quelle in cui lo stile 'popolare' è evidenziato da tratti più semplici e ingenui”. Firenze, 19 dicembre 2014 LA COLLEZIONE DELLE ICONE RUSSE AGLI UFFIZI Firenze, Galleria degli Uffizi - Sala delle Reali Poste 20 dicembre 2014 - 1 febbraio 2015 Orari: da martedì a domenica, ore 10.00 - 17.00 Ingresso libero Informazioni: tel. (+39) 055 285610 - (+39) 055 2646456 info@amicidegliuffizi.it Catalogo: Sillabe, a cura di Valentina Conticelli, Vincenzo Gobbo e Daniela Parenti Visite guidate gratuite a cura degli assistenti alla fruizione e vigilanza della Galleria degli Uffizi A partire dal 7 gennaio 2015: mercoledì, ore 14.30 e 15.45; giovedì, 10.15 e 11.30 Laboratori didattici gratuiti su prenotazione, a cura di Cristina Bonavia, Serena Mannori, Ilenia Ulivi 27 dicembre 2014, 3-10-17-24 e 31 gennaio 2015, ore 10.30 Per prenotazioni: cristinabonavia@gmail.com Ufficio stampa degli Amici degli Uffizi CLP Relazioni Pubbliche, Marta Paini, tel. 02 36 755 700; marta.paini@clponline.it www.clponline.it Ufficio Comunicazione Opera Laboratori Fiorentini SpA – Civita Group Marco Ferri, cell. 335 7259518 - marcoferri.press@gmail.com Ufficio stampa per la Galleria degli Uffizi Francesca de Luca e Barbara Vaggelli
Inizio: 20/12/2014
Fine: 01/02/2015
Indirizzo: FIRENZE - GALLERIA DEGLI UFFIZI
Spazio: GALLERIA DEGLI UFFIZI
Area geografica: Centro
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Numerazione: 1
Titolo: UTofFRAMES BERGAMASCHI, CALORI-MAILLARD, CUMIA, HELL, SPERA
Introduzione: Dopo la “pittura espansa”, tema che ha rin-novato la formula del Premio Lissone 2014, è ora la volta delle opere “fuori cornice” di Agostino Bergamaschi (Milano, 1990), Calori&Maillard (Bologna, 1986 - Bourg La Reine, 1984), Stefano Cumia (Palermo, 1980), Silvia Hell (Bolzano, 1983), Stefano Spera (Monza, 1983).
Descrizione: UTofFRAMES BERGAMASCHI, CALORI&MAILLARD, CUMIA, HELL, SPERA Museo d’Arte Contemporanea 13 dicembre 2014 - 15 febbraio 2015 Dopo la “pittura espansa”, tema che ha rin-novato la formula del Premio Lissone 2014, è ora la volta delle opere “fuori cornice” di Agostino Bergamaschi (Milano, 1990), Calori&Maillard (Bologna, 1986 - Bourg La Reine, 1984), Stefano Cumia (Palermo, 1980), Silvia Hell (Bolzano, 1983), Stefano Spera (Monza, 1983). Apprezzati dalla giuria del premio appena concluso, i cinque finalisti sono stati invitati a esporre nuovamente al museo di Lissone, dando così seguito alle loro ricerche individuali. Come recita il titolo dell’installazione di Agostino Bergamaschi, Un gesto originario è «un'azione infinitamente originata, un fascio di luce che diviene forma nello spazio e che vuole essere percepito sensibilmente in una nuova materia, in una superficie mutevole, leggera e visibile, ma allo stesso tempo pesante e percepibile». Una fotografia, che da terra viene spinta verso l'alto, ritrae il momento in cui dei pulviscoli di polvere attraversano un fascio luminoso; la luce si rifrange su di essi e illuminandoli dà vita a un vortice che sembra concentrarsi in un punto, come se ad attirarli fosse un'energia che li trasforma in materia. Viceversa, un elemento in marmo raccoglie questa energia e la attrae a sé per allungarsi nello spazio, fino a diventare leggero, quasi impercettibile. LAMPS #2 (SCP-trittico GBR) di Stefano Cumia è il risultato di una serie di azioni rituali che ribaltano e mettono in discussione l'ordine interno del “discorso sulla pittura”, riorganizzandone la sintassi. Il disegno si definisce a partire dalla traccia della struttura del telaio che affiora sulla tela ribaltata, diventando elemento portante che viene rei-terato con minime variazioni. La gamma cro-matica è limitata ai tre colori primari che si alternano in altrettante combinazioni, sia per quanto riguarda la posizione che occupano sulla superficie, sia per la scelta dei materiali connessi alle diverse fasi del lavoro. Le sculture di Silvia Hell sono parte di due progetti basati su un processo di codifica che intende far confluire in una forma estetica una gamma di valori multidimensionali. In A Form of History il focus è posto sulle complesse riconfigurazioni della fisionomia dell’Europa; i diversi diametri di ogni scultura corrispondono agli anni, dal 1861 al 2011, in cui il confine di uno stato è cambiato. In Cosa accade quando si dice: ‘ecco, ho un’idea’?, citazione di Deleuze tratta da Cos'è l'atto di creazione, vi è una corrispondenza tra titolo e forma. Il processo di sostituzione dal testo al volume si attua in due fasi, la prima è l’abc, cioè la traduzione delle lettere, per altezza e larghezza, in solidi; la seconda riguarda il si-gnificato dell’enunciato, rispetto al quale si delinea la scultura. Calori & Maillard, che al Premio Lissone avevano partecipato con una Chaise lounge costruita con semplici telai da pittura e tela dipinta, presentano ora una variante dello stesso ciclo: Study on painting n9 (Henri). «Henri», spiegano le artiste, «era un amico caro che ogni giorno guardava le montagne per riprodurle. Henri era un amico caro che ogni giorno seguiva l'andamento in borsa. Henri era un amico caro che stringeva sem-pre gli occhi per vedere il doppio delle cose. Henri si perdeva nel disegno del tappeto che diventava un mondo». Il tema indagato da Stefano Spera è il rapporto tra uomo-spazio-opera rispetto al concetto di reale/virtuale. Il vero protagonista di questi dipinti è lo spazio, che il world wide web distorce e altera; la pittura diventa quindi rideterminazione e appropriazione di immagini legate agli spazi museali. L’opera rappresenta una raccolta di esperienze frammentarie (con annesse distorsioni) attinte dalla rete che, come dice Jean Baudrillard, diventa il nostro terzo occhio, o forse un’altra dimensione tra il reale, il virtuale e l’immaginazione.
Inizio: 13/12/2014
Fine: 15/02/2015
Indirizzo: Lissone, Museo d’Arte Contemporanea
Spazio: Museo d’Arte Contemporanea
Area geografica: Lombardia
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Titolo: SHEPARD FAIREY - OBEY
Introduzione: Dopo il grande successo della mostra di Andy Warhol, con oltre 45.000 visitatori, il PAN | Palazzo delle Arti di Napoli ospita dal 6 dicembre 2014 al 28 febbraio 2015, Shepard Fairey, uno dei più celebrati street artist americani. Autore tra i più influenti della scena contemporanea, Shepard Fairey, meglio conosciuto con lo pseudonimo di OBEY
Descrizione: SHEPARD FAIREY. #OBEY Napoli, Pan | Palazzo delle Arti Napoli - Palazzo Roccella (via dei Mille 60) Sabato 6 Dicembre 2014 - Sabato 28 Febbraio 2015 Testo Luigi De Magistris - Sindaco di Napoli Testo Gaetano Daniele - Assessore alla Cultura del Comune di Napoli Testo Colombia Barrosse - Console Generale degli Stati Uniti d’America, Napoli Testo Luca Giglio - Presidente di Password Onlus Testo Massimo Sgroi - Curatore della mostra Colophon mostra SHEPARD FAIREY #OBEY PAN | Palazzo delle Arti Napoli - Palazzo Roccella 6 dicembre 2014 - 28 febbraio 2015 www.obeynapoli.com Dopo il grande successo della mostra di Andy Warhol, con oltre 45.000 visitatori, il PAN | Palazzo delle Arti di Napoli ospita dal 6 dicembre 2014 al 28 febbraio 2015, Shepard Fairey, uno dei più celebrati street artist americani. Autore tra i più influenti della scena contemporanea, Shepard Fairey, meglio conosciuto con lo pseudonimo di OBEY, ha accresciuto la sua fama grazie all’immagine stilizzata in quadricromia di Barack Obama sovrapposta ai termini Hope (speranza), Change (cambiamento), Progress (progresso), divenuta simbolo della campagna elettorale del futuro presidente degli Stati Uniti d’America nel 2008. Con questo ritratto, definito dal critico d’arte del New Yorker, Peter Schjeldahl, “la più efficace illustrazione politica americana dai tempi dello Zio Sam”, Obey ha dato vita a un’icona pop contemporanea così come Andy Warhol aveva fatto con Marilyn Monroe, Mao, la Campbell’s soup e altro. L’esposizione, curata da Massimo Sgroi, organizzata da Password Onlus, in collaborazione con l'Assessorato alla Cultura e al Turismo del Comune di Napoli, col patrocinio del Consolato degli Stati Uniti d’America a Napoli, con il supporto di Jaguar Land Rover e la collaborazione di Tudor, di Giglio Arte e dell’Associazione Spirale d’Idee, presenta per la prima volta in uno spazio museale italiano 90 opere, che raccontano l’evoluzione stilistica di Shepard Fairey, come la serie realizzata per la città di Venezia, Obama Manifest Hope, la monumentale tela, finora mai esposta, a cui si affiancano lavori provenienti da collezioni private. “Napoli - afferma Gaetano Daniele, Assessore alla Cultura e al Turismo del Comune di Napoli - si conferma, ancora una volta con questa mostra, oltre che come luogo privilegiato di produzione artistica, anche come un grande attrattore a livello internazionale e sono particolarmente fiero che il Palazzo della Arti della nostra città, punto di riferimento cittadino dell'arte contemporanea, abbia ritrovato in questi mesi un ruolo di primissimo piano”. La rassegna consente al visitatore di confrontarsi su tematiche sociali sempre attuali, come la guerra, la repressione, la propaganda, il razzismo, la difesa dell’ambiente e il rapporto con la musica e le icone del nostro secolo. Il fine per Obey è di stimolare il fruitore a giungere a una propria interpretazione e riflettere sul senso di ciò che vede: “È un dialogo costante con l’osservatore; ciò che faccio è inviare uno stimolo e rispondere con un nuovo stimolo in base alla reazione ricevuta”. Catalogo Drago. Note biografiche Frank Shepard Fairey, conosciuto con lo pseudonimo di Obey è nato a Charleston, in South Carolina, il 15 febbraio 1970. Figlio di un medico e di un'agente immobiliare, Fairey cresce in South Carolina, compie studi artistici e nel 1988 si diploma all'Accademia d'arte. Nel 1989 idea e realizza l'iniziativa André the Giant Has a Posse; dissemina i muri della città con degli adesivi (stickers) che riproducono il volto del famoso lottatore di wrestling André the Giant; gli stessi sono stati poi replicati da altri artisti in altre città. Come lo stesso Fairey ebbe modo di spiegare, non vi era nessun significato particolare nella scelta del soggetto; il senso della campagna era quello di produrre un fenomeno mediatico e di far riflettere i cittadini sul proprio rapporto con l'ambiente urbano. In quel momento, la poetica di Obey prende forma, concentrandosi sui temi cruciali della propaganda e del controllo sociale. Un’attenzione all’aspetto comunicativo dell’arte che l’artista metterà a frutto nella guerrilla marketing e, nel corso del conflitto tra gli Stati Uniti e l’Iraq, nel campo della politica, grazie alla realizzazione di una serie di manifesti di stampo pacifista. Ma l’iniziativa che ha dato visibilità internazionale a Fairey è stato il manifesto Hope che riproduce il volto stilizzato di Barack Obama, diventato l'icona della campagna elettorale che ha poi portato il rappresentante democratico alla Casa Bianca. Il manifesto apparve, sempre durante la campagna elettorale del 2008, con altre due scritte: "Change" e "Vote". Il comitato elettorale di Obama non ufficializzò mai la collaborazione con Fairey, probabilmente perché i manifesti venivano affissi illegalmente, come nella tradizione della street art, ma il presidente, una volta eletto, inviò una lettera all'artista, resa poi pubblica, in cui ringraziava Fairey per l'apporto creativo alla sua campagna, la lettera si chiude con queste parole: "Ho il privilegio di essere parte della tua opera d'arte e sono orgoglioso di avere il tuo sostegno". Password Onlus è un’associazione culturale con sede a Milano, nata nel 2003 con l’obiettivo di progettare, realizzare e promuovere eventi culturali e mostre con alto valore artistico, ponendo particolare attenzione al periodo contemporaneo. Le radici dell’associazione sono caratterizzate dalla cura e dalla passione attraverso la quale si avvicina il pubblico ai linguaggi dell’arte contemporanea, non sempre di facile accesso e di immediata lettura. Secondo il presidente Luca Giglio, “il racconto dei contenuti dell’artista e dei suoi lavori nei musei e negli spazi pubblici, diventano la password per avvicinarsi e capire il mondo dell’arte ed il rapporto tra l’artista e il patrimonio artistico e architettonico di una città”. Napoli, 5 dicembre 2014 SHEPARD FAIREY #OBEY Napoli, Pan | Palazzo delle Arti Napoli - Palazzo Roccella (via dei Mille 60) Dal 6 dicembre 2014 al 28 febbraio 2015 Orari: dal lunedì al sabato dalle ore 9.30 alle ore 19.30; domenica dalle ore 9.30 alle 14.30. Ingresso: € 8,00 intero; € 6,00 ridotto (ragazzi dai 6 ai 26 anni; over 60; insegnanti; giornalisti non accreditati con tesserino; forze dell’Ordine non in servizio; T.C.I.; titolari di apposite convenzioni); € 4,00 ridotto portatori di handicap; Gratuito per bambini fino a 5 anni, accompagnatore di disabile e giornalisti accreditati; Biglietto famiglia valido per 4 persone: € 20,00; Ridotto scuole € 4,50 (Min 15/ Max 25) con due accompagnatori gratuiti; Ridotto gruppi € 6,00 (Min 15/ Max 25) con un accompagnatore gratuito Informazioni: tel. 331 5257660 http://www.obeynapoli.com/ Ufficio stampa CLP Relazioni Pubbliche Marta Paini, tel. 02 36 755 700 marta.paini@clponline.it www.clponline.it Comunicato stampa e immagini su www.clponline.it Ufficio stampa Pan Domenico Annunziata Capo ufficio stampa Comune di Napoli Tel. 081 7954575 ufficio.stampa@comune.napoli.it
Inizio: 06/12/2014
Fine: 28/02/2015
Indirizzo: Napoli - via dei Mille 60
Spazio: Palazzo delle Arti Napoli
Area geografica: Sud
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Titolo: I TESORI DELLA FONDAZIONE BUCCELLATI
Introduzione: La rassegna presenta una selezione di oltre cento opere, tra gioielli, lavori di oreficeria e di argenteria disegnati da Mario e Gianmaria Buccellati, tra cui la Coppa Florentia, prezioso omaggio di Gianmaria Buccellati alla città di Firenze che più di ogni altra ha saputo stimolare la sua creatività, attraverso i suoi tesori d’arte.
Descrizione: La rassegna presenta una selezione di oltre cento opere, tra gioielli, lavori di oreficeria e di argenteria disegnati da Mario e Gianmaria Buccellati, tra cui la Coppa Florentia, prezioso omaggio di Gianmaria Buccellati alla città di Firenze che più di ogni altra ha saputo stimolare la sua creatività, attraverso i suoi tesori d’arte. Mario e Gianmaria Buccellati sono due tra i nomi più significativi del panorama orafo mondiale, eredi della illustre tradizione italiana, fiorita nel Rinascimento con Benvenuto Cellini, uno dei massimi artisti di ogni epoca. Fu proprio seguendo i canoni rinascimentali che Mario Buccellati, definito da Gabriele d’Annunzio, di cui fu amico e sodale, il ‘Principe degli orafi’, creava le sue opere, reinterpretandole in modo assolutamente personale, unico e facilmente riconoscibile. A lui, va assegnato il merito di aver fatto conoscere lo ‘stile Buccellati’ capace di diventare un mito dell’arte orafa, apprezzato dai membri delle case regnanti, da pontefici e uomini di cultura. La rassegna si apre con un omaggio a Mario Buccellati (Ancona, 1891 - Milano, 1965). Sono esposti alcuni tra i pezzi più preziosi ideati dal fondatore del marchio, come i bracciali, le spille o la tiara, lavorati a ‘tulle’ o a ‘nido d’ape’, vero segno distintivo di Casa Buccellati, in cui la finezza del traforo è esaltata dall’incastonatura dei brillanti e delle pietre preziose. Il suo legame di complicità con il Vate è testimoniato da un bracciale in argento ritorto decorato con cinque lapislazzuli, contenuto in un astuccio firmato personalmente da d’Annunzio, da una collana in oro giallo, decorata con un berillo e rubini, offerta a Eleonora Duse come gioiello “prezioso, ancorché bizzarro”, da indossare come “serto ombelicale” e da oggetti quali portagioie e portasigarette con incisi motti e immagini cari al poeta e un portapillole recante l’iscrizione di una delle espressioni preferite da d’Annunzio, “Io ho quel che ho donato”. Lo studio, le conoscenze tecniche e i segreti di lavorazione dell’argento antico, hanno portato Mario Buccellati a riprodurre fedelmente otto coppe del tesoro di Boscoreale, il sito archeologico vicino a Pompei, dove sorgeva la villa “della Pisanella”, sepolta dalla lava a seguito dell’eruzione del Vesuvio nel 79 d.C. Gli elementi che più colpiscono sono le decorazioni a rilievo, sbalzate dall’interno e rinvigorite martellandole dall’esterno. Il percorso allestito all’interno del museo fiorentino prosegue con la sezione dedicata a Gianmaria Buccellati (Milano, 1929), il cui talento precoce - disegnò il primo gioiello a dodici anni - fu incoraggiato dal padre per continuare la tradizione di famiglia. Come ha avuto modo di affermare lo stesso Gianmaria, “Mio padre non mi ha insegnato le tecniche di lavoro, come io non le ho insegnate a mio figlio. Quello che avviene è la trasmissione del pensiero, la visione, l’esperienza lavorativa e l’assorbimento della tradizione”. “Volevo ‘rubare’ - continua - i segreti di mio padre, così da poterli aggiungere ai miei e in questo modo acquisire un’identità differente dalla sua. Ognuno di noi procede con il proprio istinto, avendo però assimilato i principi e le tecniche della nostra storia”. Il luogo che accoglie i capolavori di Gianmaria Buccellati risulta particolarmente evocativo della sua vicenda personale. Fu proprio visitando, nel 1968, il Museo degli Argenti – dove sono conservati i celebri vasi in pietre dure di Lorenzo de Medici nonché i gioielli dell’Elettrice Palatina, oltre agli splendidi lavori di oreficeria del tesoro della famiglia Medici - che Gianmaria Buccellati colse l’ispirazione per cimentarsi nella realizzazione di opere che, pur rivaleggiando per ricchezza e splendore con quelle medicee, fossero espressione delle sue personali ricerche tecniche e formali. Fu così che nacquero gli Oggetti preziosi, come sono stati definiti dallo stesso Gianmaria, pezzi unici, quali coppe, vasi e scatole appartenenti alla sua collezione personale che lui stesso disegnò e realizzò. Sono manufatti che testimoniano il suo forte legame e il suo costante rapporto con la cultura rinascimentale, barocca e rococò italiana e del resto d’Europa. Tra questi spicca ‘La Coppa dell’Amore’ (1975), ispirata da un motivo rococò che, con l’eleganza delle forme femminili, sottolinea l’immagine più alta dello spirito dell’amore. I motivi a rouches decorano un bellissimo pezzo antico di diaspro rosso, mentre Venere e tre cupidi, eseguiti con la tecnica della cera persa, sembrano muoversi nell’acqua e nell’aria. Il rispetto che Mario, prima, e Gianmaria Buccellati, in seguito, avevano nutrito verso le tecniche rinascimentali e medicee è rappresentato, tra gli altri, da straordinari pezzi, come lo ‘Scrigno mediceo’, un prezioso manufatto di forma decagonale, primo oggetto pensato e realizzato da Gianmaria Buccellati per la sua collezione. Esso riprende i motivi d’ispirazione classica, dai volumi particolarmente originali, che si rifanno ai più celebrati canoni architettonici dell’epoca rinascimentale, al disegno decorativo che riprende i particolari delle formelle o lesene dei marmi o dei legni dell’epoca, fino ad arrivare ai colori essenziali dell’oro dell’acciaio e dei brillanti. Le decorazioni, in oro traforato e modellate con incisioni raffinatissime, sono riportate su lastra d’acciaio brunito color canna di fucile, a loro volta fissate all’interno di profili che segnano le forme della scatola. Tutti i profili sono modellati a foglie ricorrenti mentre, al centro del coperchio, un rosone incassato in brillanti, si equilibra con i brillanti nei piccoli rosoni che completano la decorazione delle formelle. Anche la purezza delle forme neoclassiche influenzò Gianmaria Buccellati. Ne è un esempio il ‘Cratere delle Muse’ (1981), una coppa di giada che celebra il mito delle nove divinità delle arti nella tradizione greca. Particolarmente intenso è il contrasto di colori tra il verde del blocco di giada e l’oro giallo e l’argento, tempestati con oltre 2000 zaffiri cabochon, della base e del bordo, sul quale sono incisi i nomi delle muse. Accompagna la mostra un catalogo Skira. Firenze, 1 dicembre 2014 I TESORI DELLA FONDAZIONE BUCCELLATI Da Mario a Gianmaria, 100 anni di storia dell’arte orafa Firenze, Palazzo Pitti - Museo degli Argenti (Piazza Pitti 1) 2 dicembre 2014 – 22 febbraio 2015 Orari: dalle 8:15 alle 16:30; chiuso il 1° e l'ultimo lunedì del mese, il chiuso il 25 dicembre e il 1° gennaio Ingresso: Intero: € 7,00 Ridotto: € 3,50 Il biglietto consente l'ingresso anche al Museo delle Porcellane, al Giardino di Boboli, al Museo del Costume e al Giardino Bardini. Catalogo Skira Info: tel. 055 294883 Ufficio stampa CLP Relazioni Pubbliche | Marta Paini, tel. +39 02 36755700 | marta.paini@clponline.it | www.clponline.it
Inizio: 02/12/2014
Fine: 22/02/2015
Indirizzo: Firenze, Palazzo Pitti - Museo degli Argenti (Piazza Pitti 1
Spazio: Firenze, Palazzo Pitti - Museo degli Argenti
Area geografica: Centro
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Titolo: AMOS GITAI. Strade/Ways
Introduzione: Una mostra/installazione creata dal grande regista israeliano per la Sala delle Cariatidi di Palazzo Reale di Milano che, con sue fotografie in grande formato, sequenze di suoi film, dispositivi sonori e visivi, indica i legami che uniscono culture, storie e persone nelle terre del medio e del lontano Oriente.
Descrizione: MILANO - PALAZZO REALE - SALA DELLE CARIATIDI 2 DICEMBRE 2014 - 1 FEBBRAIO 2015 Una mostra/installazione creata dal grande regista israeliano per la Sala delle Cariatidi di Palazzo Reale di Milano che, con sue fotografie in grande formato, sequenze di suoi film, dispositivi sonori e visivi, indica i legami che uniscono culture, storie e persone nelle terre del medio e del lontano Oriente. Dal 2 dicembre 2014 al 1° febbraio 2015, Palazzo Reale a Milano ospita Strade/Ways, la mostra/installazione inedita del grande regista israeliano Amos Gitai, creata appositamente per la Sala delle Cariatidi. L’iniziativa è promossa dal Comune di Milano-Cultura e prodotta da Palazzo Reale, GAmm Giunti e Centro Studi Moshe Tabibnia. Sequenze di film, fotografie, documenti, tappeti antichi e dispositivi visivi e sonori compongono l’opera che trae ispirazione da tre differenti percorsi. Il primo, è il film Lullaby to my father, dedicato alla vita di suo padre, l’architetto del Bauhaus Munio Weinraub che, costretto a fuggire dai nazisti, si trasferirà in Palestina e svolgerà un ruolo decisivo nella nascita dell’architettura israeliana; il secondo, è la conversazione tra Gitai e il grande fotografo milanese Gabriele Basilico, sulla fotografia, l’architettura, gli scenari del film Free Zone dedicato ad un luogo/non luogo che raggiunsero insieme; il terzo, che occupa l’intera sala delle Cariatidi, ricostruisce il processo che porta alla nascita di Carpet, il nuovo film del regista, le cui riprese non sono ancora iniziate. "Milano città mondo e capitale internazionale della cultura: questo il ruolo della città che da oggi è orgogliosa di ospitare in una delle sue sedi espositive più prestigiose, la Sala delle Cariatidi a Palazzo Reale, la significativa testimonianza del lavoro di un artista che ha contribuito a formare la sensibilità contemporanea su temi fondamentali della società globale, intrecciando Oriente e Occidente, passato e presente, tradizione e nuovi linguaggi", ha dichiarato l'assessore alla Cultura Filippo Del Corno. Il percorso espositivo prende avvio dal film Lullaby to my father che Gitai dedicò a suo padre, il famoso architetto, Munio Gitai Weinraub. Giunto a 18 anni al Bauhaus di Dessau, la straordinaria scuola diretta da Gropius, partecipa alla vita di quel luogo di studio e ricerca, dove incontra e lavora anche con Kandinsky e Mies van der Rohe, come testimoniano le corrispondenze venute alla luce durante la lavorazione del film. Nel giugno del 1933, dopo avere partecipato alla breve stagione del Bauhaus a Berlino, Munio viene condannato come “traditore del popolo tedesco” e costretto a emigrare in Svizzera per poi trasferirsi ad Haifa dove condusse la sua attività professionale, senza mai dimenticare gli insegnamenti e il rigore della scuola che lo aveva formato. Gabriele Basilico fissa in fotografia le molte costruzioni realizzate in Israele e al suo ricordo di uomo e di architetto si rivolge la poesia del figlio che dà il titolo al film. Free Zone è un road-movie che parla dell’incontro di tre donne, un’americana (Natalie Portman), un’israeliana (Hanna Lazslo) e una palestinese (Hiam Abbas), in quella zona franca, a est della Giordania, dove regna la pace senza alcuna barriera tra stati. Sono esposte alcune immagini tratte dal film, oltre a degli estratti della lunga conversazione tra Gitai e Gabriele Basilico, avvenuta durante il viaggio che i due avevano intrapreso proprio in quei luoghi, che abbraccia temi quali l’architettura, la fotografia e il cinema. La sezione di Free Zone introduce alla maestosa sala delle Cariatidi dove Gitai ha allestito un affascinante percorso di grandi fotografie, rarissimi tappeti, proiezioni e suoni intorno al tema del suo prossimo film, Carpet, la cui sceneggiatura inedita è pubblicata nel catalogo della mostra. La pellicola racconterà la storia a ritroso di un tappeto, dalla casa d’asta dove è stato battuto fino al luogo della sua produzione, attraverso immagini di luoghi, paesaggi, popoli e persone raccolte lungo tutto il viaggio. In questa ambientazione, coinvolgente ed emozionante, alcuni straordinari tappeti, scelti da Moshe Tabibnia nella sua collezione, segneranno i passaggi dei luoghi, delle culture, delle storie e dei popoli che vivono e viaggiano tra il Mediterraneo e l’Oriente. “Carpet - afferma Gitai - propone un viaggio in diversi territori e rappresenta al contempo un oggetto concreto, ossia un bellissimo tappeto, frutto di tradizioni e abilità artigianali secolari, ma anche una metafora delle relazioni che nel corso dei secoli sono state intessute tra i popoli orientali nonché tra Oriente e Occidente”. Al progetto di illuminazione della mostra ha contribuito Jean Kalman, impegnato in questi giorni a curare le luci del Fidelio, opera che aprirà la stagione scaligera. Le suggestioni suggeritegli dalla sala delle Cariatidi, le cui decorazioni sono state in parte distrutte durante la seconda guerra mondiale, hanno portato Gitai a utilizzare il soffitto come un ideale schermo da proiezione. Lo stesso regista afferma che “con le sue statue andate in parte perdute e i suoi specchi antichi, questa sala davvero magnifica emana un fascino particolare. Ed è proprio qui che ho deciso di installare le proiezioni. Non ho voluto degli schermi al plasma: per me era importante che gli estratti venissero proiettati non su degli schermi ma direttamente sul soffitto, di modo che gli spettatori possano prendere coscienza di questa sala e della sua storia. Lo schermo è costituito dall’edificio stesso. Il contesto è importante: ciò vale sia per i film che per le mostre. E con contesto intendo sia le condizioni materiali che lo sfondo socio-politico”. Accompagna la mostra un libro catalogo in tre separati volumi pubblicato - ciascuno dedicato ad una tappa della mostra - da GAmm Giunti in coedizione con Moshe Tabibnia Milano. Milano, 1 dicembre 2014 AMOS GITAI. Strade/Ways Milano, Palazzo Reale – Sala delle Cariatidi 2 dicembre 2014 - 1 febbraio 2015 Orari: lunedì 14.30 – 19.30; martedì, mercoledì, venerdì e domenica 9.30 – 19.30; giovedì e sabato 9.30 – 22.30. Ingressi: Biglietto intero Euro 6,00 - Ridotto Euro 4,00 - Biglietto speciale visitatori Chagall Euro 3,00 Catalogo: GAmm Giunti/Moshe Tabibnia in mostra € 30,00 Info: www.mostragitai.it - www.comune.milano.it/palazzoreale Uffici stampa CLP Relazioni Pubbliche Anna Defrancesco, tel. 02 36 755 700 anna.defrancesco@clponline.it; Ufficio stampa Comune di Milano Elena Conenna, tel. 02 88453314 elenamaria.conenna@comune.milano.it
Inizio: 02/12/2014
Fine: 01/02/2015
Indirizzo: Milano, Palazzo Reale – Sala delle Cariatidi
Spazio: Palazzo Reale – Sala delle Cariatidi
Area geografica: Milano
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Titolo: FORMA E DESIDERIO The Cal - Collezione Pirelli
Introduzione: Dal 21 novembre 2014 al 22 febbraio 2015, Palazzo Reale a Milano ospita la mostra “Forma e Desiderio. The Cal - Collezione Pirelli” che presenta una selezione di circa 200 fotografie tratte dai Calendari Pirelli dalla nascita a oggi. L’esposizione - curata da Walter Guadagnini e Amedeo M. Turello, promossa dal Comune di Milano-Cultura con il patrocinio di Expo e organizzata e prodotta da Palazzo Reale e GAmm Giunti - nasce grazie al fondamentale contributo di Pirelli che, ai fini della selezione espositiva, ha messo a disposizione il suo archivio, con migliaia di fotografie dei più grandi fotografi mondiali.
Descrizione: MILANO A PALAZZO REALE DAL 21 NOVEMBRE 2014 AL 22 FEBBRAIO 2015 FORMA E DESIDERIO The Cal - Collezione Pirelli Dal 21 novembre 2014 al 22 febbraio 2015, Palazzo Reale a Milano ospita la mostra “Forma e Desiderio. The Cal - Collezione Pirelli” che presenta una selezione di circa 200 fotografie tratte dai Calendari Pirelli dalla nascita a oggi. L’esposizione - curata da Walter Guadagnini e Amedeo M. Turello, promossa dal Comune di Milano-Cultura con il patrocinio di Expo e organizzata e prodotta da Palazzo Reale e GAmm Giunti - nasce grazie al fondamentale contributo di Pirelli che, ai fini della selezione espositiva, ha messo a disposizione il suo archivio, con migliaia di fotografie dei più grandi fotografi mondiali. Diventato in breve tempo un oggetto di culto, il Calendario da più di cinquant’anni interpreta i cambiamenti sociali e culturali e anticipa le tendenze delle nuove mode, attraverso l’occhio attento dei più celebrati autori contemporanei, da Herb Ritts a Richard Avedon, da Peter Lindberg a Bruce Weber, da Peter Beard a Steve McCurry, da Patrick Demarchelier a Steven Meisel. “Un progetto che restituisce la giusta dimensione artistica a una delle più importanti campagne di comunicazione degli ultimi cinquant’anni, che ha saputo entrare nell’immaginario di ciascuno di noi grazie al fascino senza tempo delle modelle e al talento dei fotografi che l’hanno realizzato”, ha dichiarato l’assessore alla Cultura Filippo Del Corno. “GAmm Giunti - afferma Filippo Zevi, consigliere delegato GAmm Giunti - è lieta di aver avviato la produzione della mostra ‘Forma e Desiderio’, che propone circa duecento immagini scattate dai più grandi fotografi degli ultimi cinquant'anni, per realizzare ogni anno l'edizione del Calendario Pirelli”. “GAmm Giunti - continua Filippo Zevi - conferma in questo modo la propria attenzione ai maestri della fotografia mondiale, sia come produttore che come partner privilegiato di iniziative dedicate a questa meravigliosa forma d’arte. In una stagione espositiva contraddistinta da grandi eventi, questa rassegna rappresenta per il pubblico milanese un’occasione imperdibile per ripercorrere quanto di meglio la fotografia ha saputo produrre in mezzo secolo di storia, e di entrare in contatto con un universo di enorme fascino ed eleganza formale”. “Tutti i grandi fotografi protagonisti del Calendario Pirelli - sostiene Walter Guadagnini - da Stern a Weber, da Avedon a Newton, da Testino a Sorrenti, da Ritts a Lindbergh e oltre, si confrontano con la storia, con le simbologie e le mitologie, con gli apparati scenografici e con le composizioni astratte, con la ricerca esplicita della seduzione – magari anche solo quella del luogo, non necessariamente quella del corpo – in un tempo sospeso, tra realtà e illusione, elementi tutti che ritornano con costanza ma con diversi pesi nelle singole scelte, e che danno però la cifra complessiva di una straordinaria avventura fotografica”. “Un’avventura - conclude Walter Guadagnini - che è ancora oggi ben lontana dall’aver esaurito la sua forza propulsiva, nonostante gli anni e gli incredibili mutamenti sociali, tecnici, culturali e di gusto attraverso i quali i passata, non solo indenne ma ogni volta rafforzata”. Secondo Amedeo M. Turello, “Da ormai più di cinquant’anni le immagini del Calendario Pirelli sono parte della nostra cultura poiché, come in pochi altri progetti in cui è protagonista la fotografia, sono testimoni di particolari cambiamenti, di nuove mode, di nuove idee e di tante invenzioni creative e tecniche. Oggi possiamo vedere con gli occhi dei più grandi fotografi come la realtà sia cambiata e come il modo di rappresentarla si è evoluto”. “L’intenzione di questa mostra - ricorda ancora Amedeo M. Turello - è, invece, di mettere da parte per un attimo l’ordine cronologico, il susseguirsi degli anni scanditi appunto dai calendari, di dimenticare i riferimenti temporali in un processo di rilettura critica in grado di proporre una nuova dialettica, fatta di relazioni, analogie, citazioni e contrasti fra le immagini”. Con un percorso narrativo che va oltre la scansione cronologica, tipica dei calendari in sé, la galleria di immagini di “Forma e Desiderio” propone un itinerario tematico, seguendo un processo che esplora e accosta relazioni, analogie, citazioni e contrasti fra le immagini di oltre mezzo secolo. L’esposizione si sviluppa attraverso cinque stanze, ognuna delle quali dedicata agli elementi che accumunano le foto contenute nello spazio: dalla seduzione alla provocazione, dal mito all’eleganza. La mostra si apre con la sezione L’incanto del mondo nella quale vengono presentate quelle fotografie che, almeno fino al 1972, venivano realizzate con l'intento di guidare lo spettatore attraverso due elementi fondamentali come il paesaggio e l’espressione delle modelle. I paesaggi sono quelli caratteristici della fuga verso i paradisi tropicali, oppure si tratta di interni, come nella serie di Sarah Moon, nei quali le protagoniste si abbandonano alla dimensione sognante avulsa dal tempo della reverie. Si tratta di atteggiamenti e luoghi che nell'immaginario collettivo trovano, in quegli anni, i loro corrispondenti nelle pagine di Love Story e nelle ambientazioni dei primi James Bond e che ritornano come rimandi nei cicli di John Claridge del 1993, di Herb Ritts del 1994, di Peter Lindbergh del 1996, di Bruce Weber del 2003 o di Mario Sorrenti del 2012. Una delle caratteristiche più ricorrenti nelle diverse annate è quella della citazione dotta, del d'aprés, ovvero di un rapporto non competitivo ma di rispetto verso alcuni dei monumenti della storia dell'arte del passato. Ne Il fotografo e la sua musa (sedotti dall’arte) si analizza l’omaggio a Leni Riefenstahl che Arthur Elgort le dedicò nel 1990, o quello di Clive Arrowsmith che l'anno successivo elaborò una sequenza di citazioni dei maestri dell’arte quali Delacroix, Velázquez, Rembrandt. Particolare è il caso di Annie Leibovitz che cita testualmente non solo i maestri della fotografia ma alcune precise immagini, al fine di trasformare le pagine del Calendario in una sorta di esercizio di gusto volutamente, e provocatoriamente, accademico. Accanto a queste fotografie si troveranno quelle originate da simboli, figure mitologiche, incarnazioni, in cui artisti quali Joyce Tenneson e Karl Lagerfeld fanno assumere alle modelle il ruolo delle muse greche delle arti. La sezione Lo sguardo indiscreto è incentrata sulle immagini caratterizzate da un misto di provocazione, gioco, trasgressione, che segnano un altro degli elementi caratterizzanti l'identità stessa del Calendario. Dal ‘1969’ di Harri Peccinotti, stampato sulla maglietta di una delle ragazze con un non involontario doppio senso, al numero ‘10’ attaccato allo slip di Terry Richardson, la sezione passerà in rassegna i lavori di Helmut Newton e del suo tipico linguaggio di matrice raffinatamente voyeurista, e dei più recenti e più ammiccanti Mario Testino, Bruce Weber, Patrick Demarchellier, tutti cantori di un erotismo che si dichiara nella sua essenza. Le modelle ritratte sono profondamente carnali, nelle quali provocazione e umorismo viaggiano di pari passo. Il Calendario Pirelli propone sin dall'inizio la presenza di immagini costruite sui principi del modernismo fotografico, in cui la visione fotografica del dettaglio, la trasformazione del mondo a seconda del punto di vista prescelto, la metamorfosi delle cose grazie all'inquadratura, sono elementi cruciali del linguaggio che, nel corso degli anni, hanno inciso anche nei generi e nelle professionalità. Ne La natura dell’artificio si potranno ammirare gli scatti di Brian Duffy, di Peter Knapp, fino a raggiungere i vertici nella ricostruzione del mondo per via di geometrie, ispirate dalle tracce del pneumatico sul corpo delle modelle, di Uwe Ommer; o ancora di Barry Lategan, o di Nick Knight, autore di una delle edizioni certo più anomale e sorprendenti, vocata alla sottolineatura di una sperimentazione linguistica che travalica il genere della composizione con figure per arrivare ai limiti della pura astrazione. La mostra si chiuderà idealmente con Il corpo in scena che rimarca come, nella storia del Calendario, la combinazione tra modella e ambiente ha assunto un ruolo centrale nella concezione della serie realizzata. È questo il caso di Norman Parkinson o di Bert Stern dove persone, luoghi, abiti diventano personaggio, palcoscenico, set cinematografico, costume, studio fotografico non più nascosto allo spettatore ma rivelato nella sua essenza di grande macchina di costruzione di una realtà parallela. Una concezione che si condensa nella sorprendente sequenza di Peter Lindbergh del 2002, dove la modella interpreta se stessa che interpreta il Calendario, in una totale e ricercata sovrapposizione di ruoli e di luoghi. In modo non meno eclatante, Peter Beard inscena un autentico viaggio nell’esotismo attraverso un gioco che sembra provocare lo spettatore e invitarlo e riflettere sul confine tra la realtà e le proprie proiezioni. Accompagna la mostra un catalogo GAmm Giunti, con i testi di Walter Guadagnini, Amedeo M. Turello e Alberto Barbera e le note biografiche dei 42 fotografi. Presentato per la prima volta nel 1964, il Calendario Pirelli giunge alla sua quarantaduesima edizione con l’anno 2015, realizzato da Steven Meisel. Fino a ora, la più importante mostra retrospettiva, allestita dall’architetto Gae Aulenti, si era tenuta nel 1997 a Milano (Palazzo Reale - Sala delle Cariatidi) e a Venezia (Palazzo Grassi), per poi partire per un tour mondiale che ha toccato alcune della principali capitali mondiali come Parigi, Berlino, Mosca, Buenos Aires e Tokyo. Milano, 14 novembre 2014 FORMA E DESIDERIO The Cal - Collezione Pirelli Milano, Palazzo Reale 21 novembre 2014 – 22 febbraio 2015 Orari: lunedì 14.30 – 19.30; martedì, mercoledì, venerdì e domenica 9.30 – 19.30; giovedì e sabato 9.30 – 22.30. Il servizio di biglietteria termina un’ora prima della chiusura Ingresso: intero € 10,00; ridotto € 8,50; ridotto speciale € 5,00. Info e ticket online: www.mostrathecalpirelli.it www.comune.milano.it/palazzoreale Catalogo: GAmm Giunti Ufficio stampa mostra CLP Relazioni Pubbliche Marta Paini, tel. 02 36 755 700 - marta.paini@clponline.it Comunicato stampa e immagini su www.clponline.it Ufficio stampa Comune di Milano Elena Conenna, tel. 02 884533 elenamaria.conenna@comune.milano.it
Inizio: 21/11/2014
Fine: 22/02/2015
Indirizzo: Milano, Palazzo Reale
Spazio: Palazzo Reale
Area geografica: Milano
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Titolo: I CAPOLAVORI DI LEONARDO DA VINCI DELLA BIBLIOTECA AMBROSIANA
Introduzione: Ventisei fogli originali del Codex Atlanticus di Leonardo Da Vinci e 6 dipinti di scuola leonardesca provenienti dalla Biblioteca Ambrosiana di Milano saranno gli assoluti e unici protagonisti della mostra Da Vinci: Shaping the Future, in programma dal 15 novembre 2014 al 17 maggio 2015, all’ArtScience Museum di Singapore
Descrizione: DAL 15 NOVEMBRE 2014 AL 17 MAGGIO 2015 I CAPOLAVORI DI LEONARDO DA VINCI DELLA BIBLIOTECA AMBROSIANA DI MILANO ALL’ARTSCIENCE MUSEUM DI SINGAPORE. 26 fogli originali del Codex Atlanticus e 6 dipinti di scuola leonardesca saranno protagonisti della mostra Da Vinci: Shaping the Future Ventisei fogli originali del Codex Atlanticus di Leonardo Da Vinci e 6 dipinti di scuola leonardesca provenienti dalla Biblioteca Ambrosiana di Milano saranno gli assoluti e unici protagonisti della mostra Da Vinci: Shaping the Future, in programma dal 15 novembre 2014 al 17 maggio 2015, all’ArtScience Museum di Singapore, un’iniziativa realizzata grazie all’importante supporto della Fondazione Cardinale Federico Borromeo. Le opere del Genio del Rinascimento saranno esposte per la prima volta nel Sudest asiatico, rafforzando a livello internazionale la reputazione della Pinacoteca Ambrosiana di Milano, come uno dei musei di arte antica più importanti al mondo. Il percorso espositivo si focalizzerà sui cinque principali campi d’indagine di Leonardo: la matematica, le scienze naturali, la tecnologia, l’architettura e la musica. “Siamo molto felici di condividere con i visitatori dell’ArtScience Museum - ha affermato Monsignor Franco Buzzi, prefetto della Biblioteca Ambrosiana - alcune delle opere originali di Leonardo che provengono dalla nostra collezione e che viaggiano per la prima volta a Singapore. Questa rassegna, che riprende un’analoga iniziativa tenuta al Tokyo Metropolitan Art Museum nella primavera del 2013, consente di far conoscere anche nel Sudest asiatico la storia dell’Ambrosiana e la sua straordinaria importanza, sia come sede di ricerca accademica con le 8 Classi di Studi, sia come custode di capolavori assoluti delle arti figurative e della miniatura libraria”. “Sono certo - continua Monsignor Buzzi - che questa esposizione internazionale favorisca un più intenso scambio culturale fra l’Occidente e le civiltà dell’Asia, nel segno degli universali valori dell’arte e della scienza”. Il Codice Atlantico è la più ampia e stupefacente collezione di scritti e disegni di Leonardo da Vinci e abbraccia l'intera vita intellettuale dell'artista, per un periodo di oltre quarant’anni, dal 1478 al 1519. In esso si trovano i contributi dedicati alla meccanica, alla matematica, all’astronomia, alla botanica, alla geografia, alla anatomia e alla fisica. Tra le pagine più preziose esposte nel museo della Città Stato, vi sono quelle che racchiudono gli studi sulla dinamica del volo degli uccelli. Secoli prima della costruzione del primo aereo, Leonardo aveva ideato un ampio numero di dispositivi per consentire all’uomo di volare. All’ArteScience Museum sarà presentato il disegno dell’Ala meccanica, realizzato nel 1490 circa. Modellato sulle ali degli uccelli, questo progetto pone le basi del moderno aeroplano e testimonia la natura innovatrice di Leonardo e di pensatore che anticipava i tempi. Al museo di Singapore si potranno inoltre di ammirare alcuni capolavori di scuola leonardesca, che comprendono dipinti come San Giovanni Battista (1480-1524 ca.), L’adorazione di San Rocco (1520-1530 ca.), e Ritratto di dama (1490-1495 ca.). Accompagna la visita una sezione con le riproduzioni digitali delle restanti pagine del Codex Atlanticus e una serie di modelli delle sue invenzioni. Milano, novembre 2014 Ufficio stampa Biblioteca Ambrosiana CLP Relazioni Pubbliche Marta Paini, tel. 02 36 755 700 marta.paini@clponline.it; www.clponline.it
Inizio: 15/11/2014
Fine: 17/05/2015
Indirizzo: ’ArtScience Museum , Singapore
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Area geografica: Estero
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Titolo: Walter Bonatti Fotografie dai grandi spazi
Introduzione: Dal 13 novembre 2014 all’8 marzo 2015, Palazzo della Ragione Fotografia di Milano presenta la prima mostra, mai dedicata, a Walter Bonatti, uno dei più grandi fotografi italiani. Promossa e prodotta dal Comune di Milano - Cultura, Palazzo della Ragione, Civita, Contrasto e GAmm Giunti, a cura di Alessandra Mauro e Angelo Ponta ed in collaborazione con l’archivio Bonatti. Palazzo della Ragione, il nuovo spazio espositivo interamente dedicato alla fotografia in Piazza dei Mercanti, a due passi da Piazza Duomo, dopo la mostra di Sebastião Salgado mette a fuoco la sua proposta espositiva e culturale con questa importante rassegna dedicata alla figura del grande esploratore e pensatore Walter Bonatti.
Descrizione: Ho cercato di mettermi nei panni del primo uomo sulla terra, un uomo che guarda affascinato e attento il mondo intorno a lui per trarne una lezione di vita. Walter Bonatti Walter Bonatti Fotografie dai grandi spazi Palazzo della Ragione Fotografia Piazza dei Mercanti 1, Milano 13 novembre 2014 – 8 marzo 2015 Dal 13 novembre 2014 all’8 marzo 2015, Palazzo della Ragione Fotografia di Milano presenta la prima mostra, mai dedicata, a Walter Bonatti, uno dei più grandi fotografi italiani. Promossa e prodotta dal Comune di Milano - Cultura, Palazzo della Ragione, Civita, Contrasto e GAmm Giunti, a cura di Alessandra Mauro e Angelo Ponta ed in collaborazione con l’archivio Bonatti. Palazzo della Ragione, il nuovo spazio espositivo interamente dedicato alla fotografia in Piazza dei Mercanti, a due passi da Piazza Duomo, dopo la mostra di Sebastião Salgado mette a fuoco la sua proposta espositiva e culturale con questa importante rassegna dedicata alla figura del grande esploratore e pensatore Walter Bonatti. L’esposizione dal titolo Walter Bonatti. Fotografie dai grandi spazi, con l’ausilio di video, di documenti inediti e di un allestimento particolarmente coinvolgente, ripercorre il racconto visivo, le vicende esistenziali e le avventure dell’alpinista ed esploratore italiano. “Prosegue il nuovo corso di Palazzo della Ragione con una nuova mostra di fotografia dedicata ad un protagonista di questa arte e ai grandi spazi del nostro pianeta – ha dichiarato l’assessore alla Cultura Filippo Del Corno -. Una mostra che conferma, seppure con una diversa sensibilità e una declinazione nuova rispetto alle mostre fotografiche di Salgado e di YannArtus Bertrand, appena concluse, la passione per la bellezza della natura e l’esigenza di una tutela sempre più necessaria e urgente, per un ritorno, ormai non più procrastinabile, a una relazione più rispettosa con il mondo che ci circonda”. La mostra partecipa a Milano Cuore d’Europa, il palinsesto culturale multidisciplinare dedicato alle figure e i movimenti che, con la propria storia e la propria produzione artistica, hanno contribuito a costruire la dimensione culturale dell'identità europea. Le immagini in mostra testimoniano oltre 30 anni di viaggi alla scoperta dei luoghi meno conosciuti e più impervi della Terra e raccontano una passione travolgente per l’avventura insieme alla straordinaria professionalità di un grande reporter. È difficile separare il ricordo di Walter Bonatti da quello delle sue fotografie. Ed è sorprendente scoprire quanto la sua figura e le sue imprese siano radicate nella memoria di un pubblico tanto differenziato per età e interessi. La persistente popolarità di Bonatti ha più di una spiegazione. Imparò a fotografare e a scrivere le proprie avventure con la stessa dedizione con cui si impadronì dei segreti della montagna: alpinista estremo, spesso solitario, ha conquistato l’ammirazione degli uomini e il cuore delle donne, affascinando nello stesso tempo l’immaginario dei più giovani. Il mestiere di fotografo per grandi riviste italiane, soprattutto per Epoca, lo portò a cercare di trasmettere la conoscenza di luoghi estremi del nostro pianeta. Al tempo stesso, non smise mai di battersi con forza per tramandare la vera storia, troppe volte nascosta, della conquista del K2 e del tradimento dei compagni di spedizione. Molte tra le sue folgoranti immagini sono grandiosi “autoritratti ambientati” e i paesaggi in cui si muove sono insieme luoghi di contemplazione di scoperta. Bonatti si pone davanti e dietro l’obiettivo: in un modo del tutto originale è in grado di rappresentare la sua fatica e la gioia per una scoperta, ma al tempo stesso sa cogliere le geometrie e le vastità degli orizzonti che va esplorando. Il talento per la narrazione, l’amore per le sfide estreme, l’interesse per la fotografia come possibilità di scoprire e testimoniare per sé e per gli altri. Una passione, e probabilmente anche un’esigenza, nata già negli anni dell'alpinismo (con i trionfi e le amarezze che li segnarono), con le foto scattate sulle pareti più difficili, e poi consolidata nel tempo, con i racconti d’imprese affascinanti e impossibili. Walter Bonatti nasce a Bergamo nel 1930. La sua grande passione per la montagna lo ha portato a condurre centinaia di imprese alpinistiche. Nel 1951 la sua prima grande impresa: con Luciano Chigo scala la parete est del GrandCapucin nel gruppo del Monte Bianco. Nel 1954 Bonatti è il più giovane partecipante alla spedizione capitanata da Ardito Desio, che porterà Achille Compagnoni e Lino Lacedelli sulla cima del K2. Nel 1955 scala in solitaria e per la prima volta assoluta il pilastro sud del Petit Dru, sempre nel massiccio del Monte Bianco. Fa parte delle guide di Courmayeur. Nell’inverno del 1965 scala in solitaria la parete nord del Cervino su una via fino ad allora inesplorata. È questa la sua ultima impresa di alpinismo estremo. Successivamente si dedicherà all’esplorazione e all’avventura come inviato del settimanale Epoca fino al 1979. A partire dagli anni ‘60 pubblica numerosi libri che narrano le sue imprese alpinistiche. Muore a Roma il 13 settembre 2011, all’età di 81 anni. Scheda tecnica mostra: Walter Bonatti. Fotografie dai grandi spazi Titolo: Alessandra Mauro e Angelo Ponta Archivio Bonatti A cura di In collaborazione con 13 novembre 2014 – 8 marzo 2015 Date Palazzo della Ragione Fotografia Milano, Piazza Mercanti, 1 Sede Comune di Milano – Cultura Palazzo della Ragione Civita – Contrasto - GAmm Giunti Una mostra Milano Cuore D’Europa Un’iniziativa di martedì, mercoledì, venerdì e domenica 9.30 – 20.30 Giovedì e sabato 9.30 – 22.30 Chiuso lunedì Ultimo ingresso un’ora prima della chiusura Orari Sabato 1° novembre: 9.30 – 22.30 Domenica 7 dicembre:9.30-19.30 Lunedì 8 dicembre:9.30 – 19.30 Mercoledì 24 dicembre:9.30 – 14.30 Giovedì 25 dicembre:14.30 – 18.30 Mercoledì 31 dicembre:9.30 – 14.30 Giovedì 1° gennaio 2015 : 14.30 – 22.30 Martedì 6 gennaio:9.30-19.30 Festività: T + 39 0243353535 www.palazzodellaragionefotografia.it Info mostra INTERO € 10,00 RIDOTTO € 8,50 per gruppi di almeno 15 persone, visitatori oltre i 65 anni, minori dai 15 ai 26 anni, disabili, soci Touring Club con tessera, possessori GIUNTI CARD, possessori CARTA CIVITA, possessori tessera AMICI DI FORMA, aderenti all’iniziativa “Lunedì Musei” (Museo Poldi Pezzoli e Museo Teatrale alla Scala), militari, forze dell’ordine non in servizio, insegnanti, soci FAI;possessori di Museocard Musei Civici di Milano (annuale) RIDOTTO SPECIALE € 5,00 per minori dai 6 ai 14 anni, scuole, gruppi organizzati direttamente dal Touring Club, volontari del Servizio Civile operanti presso il Comune di Milano (previa esibizione del tesserino di identificazione), dipendenti Comunali (previa esibizione del badge), gruppi organizzati direttamente dal FAI, giornalisti iscritti all’albo (previa esibizione del tesserino) BIGLIETTO FAMIGLIA uno o due adulti € 8,50 a testa con minore/i dai 6 ai 14 anni € 5,00 a testa GRATUITO per minori di 6 anni, un accompagnatore per gruppo, due insegnanti accompagnatori per classe, un accompagnatore per disabile, un accompagnatore e una guida per ogni gruppo Touring Club, dipendenti della Soprintendenza ai Beni Architettonici, tesserati ICOM, guide turistiche abilitate, impiegati presso il Servizio Mostre di Palazzo Reale, membri della Commissione di Vigilanza e Vigili del Fuoco, soci AMACI, giornalisti accreditati da ufficio stampa. Ingresso comprensivo di audioguida Gruppi € 80,00 Scuole € 60,00 Lingua € 100,00 Visite guidate: Singoli: prenotazione consigliata. Gruppi e scuole: prenotazione obbligatoria, min. 15 – max. 30 persone Diritto di prenotazione € 1,50 per i biglietti: intero, ridotto, gruppi, scuole. Diritto di prenotazione € 1,00 per i biglietti: famiglia, ridotto speciale Modalità di accesso: stampa@palazzodellaragionefotografia.it Laura Bianconi - Contrasto 335 7854609 Marta Paini - GAmm Giunti 02 36755700 Ombretta Roverselli - Civita 02 43353527 Uffici Stampa elenamaria.conenna@comune.milano.it 02 88453314 Ufficio Stampa Comune di Milano
Inizio: 13/11/2014
Fine: 08/03/2015
Indirizzo: Palazzo della Ragione Fotografia Milano, Piazza Mercanti, 1
Spazio: Palazzo della Ragione
Area geografica: Milano
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Titolo: “OGGETTI MISTERIOSI” DI GIO PONTI
Introduzione: Milano, 21 ottobre 2014 – Dal 29 ottobre 2014 al 31 marzo 2015, la Porta di Milano ospita la mostra Oggetti Misteriosi, curata da Salvatore Licitra, che presenta tre opere di Gio Ponti, l’installazione ‘Espressioni’ dello showroom Ideal Standard di Milano (1966), la “Cattedrale di Los Angeles” (1967), i Pavimenti per gli uffici della Salzburger Nachrichten di Salisburgo (1976).
Descrizione: “OGGETTI MISTERIOSI” DI GIO PONTI IN MOSTRA ALL’AEROPORTO DI MILANO MALPENSA DAL 29 OTTOBRE 2014 AL 31 MARZO 2015 Tre opere di Gio Ponti, grande architetto e designer milanese, frutto della grande stagione creativa del dopoguerra italiano, accoglieranno i passeggeri del terminal 1 di Malpensa Milano, 21 ottobre 2014 – Dal 29 ottobre 2014 al 31 marzo 2015, la Porta di Milano ospita la mostra Oggetti Misteriosi, curata da Salvatore Licitra, che presenta tre opere di Gio Ponti, l’installazione ‘Espressioni’ dello showroom Ideal Standard di Milano (1966), la “Cattedrale di Los Angeles” (1967), i Pavimenti per gli uffici della Salzburger Nachrichten di Salisburgo (1976). La Porta di Milano dell’aeroporto di Milano Malpensa rafforza la propria identità di unicum nel panorama delle aerostazioni mondiali, come struttura funzionale di accesso all’aeroporto e come spazio espositivo di grande suggestione. Dopo il successo delle iniziative legate a due maestri dell’arte del Novecento, quali Fausto Melotti e Marino Marini, ecco il terzo appuntamento che vedrà protagonista Gio Ponti, una delle personalità più importanti e influenti dell’architettura e del design internazionale. L’iniziativa, promossa da SEA - Aeroporti di Milano in collaborazione con il Gio Ponti Archives, consolida così il progetto studiato da SEA di proporre l’aeroporto, crocevia di emozioni legate all’esperienza del viaggio, come sede ideale per dare voce alle espressioni artistiche nelle loro infinite forme e arricchire la già importante offerta culturale di Milano, proponendo iniziative d’arte a cadenza periodica. “Sono lieto di questa collaborazione tra SEA e Gio Ponti Archives - afferma Salvatore Licitra - anche perché sono certo che a Gio Ponti sarebbe piaciuto misurarsi con un’esposizione in uno spazio come la “Porta di Milano”, e sperimentare l’impatto con lo sguardo di viaggiatori che attraversano luoghi e tempi sospesi tra arrivo e partenza. Per questi luoghi di passaggio e di metamorfosi ho pensato di raccogliere tre “espressioni” (come Ponti le chiamava) davvero inusuali, dei punti speciali, che sembrano raccogliere ed unire temi differenti prefigurando un percorso che si svolgerà successivamente. Le metamorfosi suggerite da Ponti con questi Oggetti mi-steriosi - un pavimento che possa essere una pittura, un angelo che possa essere una chiesa, e tanti obelischi bianchi che contraddicono la loro tradi-zionale, solitaria, severa monumentalità - raccontano molto della sua libertà creativa. Una qualità che ha animato il suo lavoro fin dai primi anni, ma che dalla metà degli anni ’60 prende campo con opere dove la committenza, se c’è, diviene sempre più l’occasione per dar corpo e vita a progetti non più serrati tra necessità funzionali. I lavori presentati a Malpensa sono da considerarsi come degli spunti che nel tempo hanno portato alla creazione di capolavori come la Cattedrale di Taranto, il Museo di Denver, o la “Sedia di poco sedile”. Le opere esposte Installazione “Espressioni” nello showroom Ideal Standard, Milano, 1966 Ponti inaugura lo show room della Ideal Standard a Milano, riempiendolo completamente di bianchi obelischi di diverse altezze. Scrive Ponti: “L’obelisco insegna Architettura, è forse il simbolo stesso, e puro, dell’espressione dell’architettura, dalla quale parte un “cantare” quando le sue linee non si posano, non stanno soltanto ma sono “staticamente in moto”. Lo spazio era stato da lui progettato perché ospitasse libere espressioni di architetti, artisti, designer. Espressioni temporanee e sperimentali, pensate per una breve durata e per un luogo preciso, aperto al pubblico ed affacciato con vetrine sulla strada, creando uno spettacolo per i passanti. Cattedrale di Los Angeles, 1967 Scultura in acciaio inossidabile alta 4,20 metri e larga 2, composta da tre sottili lamine sovrapposte in forma di angelo, tagliate in modo da giocare con la luce. Presentata alla Galleria De Nieubourg a Milano, è un omaggio a Los Angeles dedicato “ai poeti, i bambini, i giovani puri e Ray e Charles (Eames) abituati ai miracoli” Una visione simbolica, che già racconta il capolavoro della Cattadrale di Ta-ranto del ’70. La sagoma esagonale del diamante, codice della teoria della “forma finita” che ispirava il lavoro di Ponti negli anni ’50, diviene un traforo in un’architettura sempre più smaterializzata, fatta di giochi di luci e superfici. Pavimenti per gli uffici della “Salzburger Nachrichten”, Salisburgo, 1976 Con la lucida, colorata e amatissima ceramica, Ponti compone uno straordinario pavimento trasformando una superfice tradizionalmente anonima nel vero protagonista dello spazio. Pavimenti (e soffitti) nel lavoro di Ponti sono sempre stati occasione per dar carattere, vigore e unità alla composizione degli spazi, ma in questo caso, dove l’architettura era inespressiva e non sua, il pavimento “ruba il palcoscenico” e diventa il vero, primo e unico protagonista. GIO PONTI. OGGETTI MISTERIOSI Aeroporto di Milano Malpensa, Porta di Milano (Terminal 1) 29 ottobre 2014 - 31 marzo 2015 Orari: dalle 8.00 alle 22.00 Ingresso libero Informazioni: tel. 02 232323 Uffici stampa CLP Relazioni Pubbliche Anna Defrancesco, tel. 02 36 755 700; anna.defrancesco@clponline.it www.clponline.it Ufficio stampa SEA Ufficio.stampa@seamilano.eu Comunicato stampa e immagini su www.clponline.it GIO PONTI. Note biografiche (tratte dal sito www.gioponti.org) 1891 - Giovanni Ponti, detto Gio, nasce a Milano il 18 novembre 1891 da Enrico Ponti e Giovanna Rigone. 1913 - Dopo il liceo classico, nel 1913, si iscrive alla Facoltà di Architettura del Politecnico di Milano, ma potrà laurearsi solo alla fine della prima guerra mondiale cui partecipa, nonostante la salute inizialmente cagionevole, in prima linea, riportandone alcune decorazioni sul campo e numerosi ritratti ad acquerello dei compagni d'armi. Durante la guerra visita le architetture di Palladio. Rientrato a Milano, si avvicinerà al gruppo dei "neoclassici milanesi". 1921 - Si laurea al Politecnico di Milano e sposa Giulia Vimercati. Avranno quattro figli: Lisa, Giovanna, Giulio e Letizia, e poi otto nipoti. 1923 - Collabora con la manifattura ceramica Richard-Ginori (fino al 1938) dando il via a un rinnovamento della produzione. Porcellane e maioliche, d'ispirazione classica, verranno presentate alla Prima Mostra Internazionale di Arti Decorative di Monza, nel 1923. Lì Ponti incontra il critico Ugo Ojetti, figura di riferimento per la sua formazione. 1925 - La palazzina di via Randaccio a Milano, la prima casa progettata da Ponti, e da lui anche abitata. 1927 - Apre il suo primo studio a Milano con l'architetto Emilio Lancia (1927-1933). La "conformazione classica", come egli stesso diceva, la passione per la pittura (avrebbe voluto essere pittore) e per le arti decorative costituiscono la matrice da cui si sviluppa il primo linguaggio pontiano. Centrale è un inedito approccio al tema dell'abitazione. Di questi anni la villa Bouilhet a Garches presso Parigi, in cui architettura, interni e decorazione si fondono. 1928 - Fonda, con Gianni Mazzocchi, la rivista "Domus'', che rappresenterà il suo strumento di elaborazione e diffusione delle nuove idee progettuali, in architettura, nel disegno di arredo e nelle arti decorative. Il concetto di italianità, unito a un avvicinamento alle teorie razionaliste, lo condurrà a concepire le prime ''Case tipiche" emblematicamente denominate"Domus''. Gio Ponti ammira il critico Edoardo Persico. 1930 - Prende avvio il suo coinvolgimento nelle Triennali di Milano (1930, 1933 - la "sua" Triennale -, 1936, 1940, 1951) 1931 - Inizia la collaborazione con la "Luigi Fontana" (dall'anno successivo "Fontana Arte" di cui assumerà la direzione artistica). 1933 - Termina, con la casa-torre Rasini in corso Venezia a Milano l'associazione professionale con Emilio Lancia. Fiorisce l'amicizia con il pittore Massimo Campigli. Si associa con Antonio Fornaroli ed Eugenio Soncini (1933-1945). Da questo sodalizio nasceranno importanti progetti e realizzazioni: edifici scolastici (Scuola di Matematica alla Città Universitaria di Roma, Facoltà di Lettere e Rettorato dell'Università di Padova), edifici per uffici (Palazzo Montecatini) ed edifici residenziali (Casa Marmont in via Gustavo Modena a Milano, Casa Laporte in via Brin a Milano e Villa Donegani a Bordighera). Alle grandi opere si affianca una vasta e proficua produzione nel campo dell'arredo, in cui si fondono funzionalità ed eleganza formale. 1936 - Diviene docente del corso di interni, arredamento e decorazione presso il Politecnico di Milano (dal 1936 al 1961) 1938 - Ponti conosce Bernard Rudofsky. Prende avvio una nuova fase progettuale, caratterizzata dal riferimento a un'ideale architettura mediterranea. 1941 - Ponti, abbandonata temporaneamente la direzione di "Domus”, crea per l'editore Garzanti la rivista "Stile", che dirigerà fino al 1947, portando avanti il suo programma di diffusione della cultura artistica e architettonica, per la formazione di un'inedita "cultura dell'abitare". In questi anni si verifica un progressivo allontanamento di Ponti dalla committenza pubblica ufficiale e un rinnovato interesse per le arti decorative (collaborazioni con Venini e De Poli), per la pittura e per la scenografia teatrale. Nell'immediato dopoguerra assistiamo da un lato a un forte coinvolgimento, teorico e pratico, sul tema della ricostruzione, dall'altro a un netto rinnovamento formale: il volume lascia il posto alla superficie, alla ricerca di luminosità e fluidità spaziale. 1952 - Nasce lo Studio Ponti, Fornaroli, Rosselli. 1954 - Ponti inventa il premio Compasso d'Oro e, nello stesso anno, è partecipe della nascita, per conto di Alberto Rosselli, socio e genero, della rivista "Stile Industria". La teoria della ''forma finita", punto cardine dell'opera di Ponti, coinvolge tutti i livelli della progettazione: dagli oggetti più minuti alle grandi architetture. La forma "a diamante" ne è il codice. Nel campo dell'arredo l'ideazione tocca un vertice con le "pareti organizzate": mobile autoilluminante, pannello-cruscotto, finestra arredata. Queste invenzioni troveranno una esemplare applicazione nelle ville dei primi anni Cinquanta: a Caracas, Villa Planchart e Villa Arreaza; a Teheran, Villa Nemazee. 1956 - Il capolavoro da tutti riconosciuto: il Grattacielo Pirelli a Milano. 1957 - Ponti pubblica "Amate l'Architettura". Progetta la casa di Via Dezza, adiacente allo studio, dove abiterà da allora in poi, in un appartamento espressione della sua “cultura dell'abitare”, delle sue passioni e dei suoi temi. 1964 - Gli edifici religiosi a Milano (la chiesa di San Francesco, 1964, e la chiesa di San Carlo Borromeo, 1966) rappresentano un'evidente tendenza alla smaterializzazione, anticipando alcune delle opere del decennio successivo. Negli anni Sessanta i viaggi di Ponti si spostano dall'America Latina all'Oriente: realizzerà gli edifici ministeriali di lslamabad in Pakistan, una villa per Daniel Koo a Hong Kong e alcune importanti facciate per grandi magazzini (a Singapore, a Hong Kong, a Eindhoven in Olanda). 1970 - A ottant'anni Gio Ponti realizza ancora opere memorabili quali la Concattedrale di Taranto (1970) ed il Denver Art Museum . L'architettura è ormai un foglio traforato. Dipinge su perspex, piega con l'argentiere Sabattini sottili lastre metalliche, pensa tessuti, pavimenti, facciate. Il colore predomina. 1979 - Muore a Milano, nella casa di via Dezza, il 16 settembre 1979. La Porta di Milano è un’opera architettonica che rappresenta la “dodicesima porta” di accesso alla città, realizzata dagli architetti Pierluigi Nicolin, Sonia Calzoni - che hanno firmato anche l’allestimento della mostra - Giuseppe Marinoni, Giuliana Di Gregorio, vincitori del concorso internazionale, promosso da SEA Aeroporti di Milano nel giugno 2009, con un progetto selezionato tra gli oltre 90 provenienti da tutto il mondo.
Inizio: 29/10/2014
Fine: 31/03/2015
Indirizzo: AEROPORTO DI MILANO MALPENSA
Spazio: AEROPORTO DI MILANO MALPENSA
Area geografica: Lombardia
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Titolo: A OCCHI SPALANCATI. Capolavori dal Museo dello Impressionismo Russo di Mosca1#
Introduzione: Eccezionalmente a Venezia, i 50 capolavori assoluti del futuro Museo dell’Impressionismo Russo di Mosca. Unica “anteprima” internazionale del Museo che aprirà i battenti il prossimo autunno. “A occhi spalancati” è l’anticipazione, meglio l’anteprima di un nuovo grande museo di Mosca, quello dell'Impressionismo Russo che aprirà i battenti nella capitale russa nel prossimo autunno.
Descrizione: A OCCHI SPALANCATI. Capolavori dal Museo dell’Impressionismo Russo di Mosca Venezia, Palazzo Franchetti Dal 13 febbraio al 12 aprile 2015 Eccezionalmente a Venezia, i 50 capolavori assoluti del futuro Museo dell’Impressionismo Russo di Mosca. Unica “anteprima” internazionale del Museo che aprirà i battenti il prossimo autunno. “A occhi spalancati” è l’anticipazione, meglio l’anteprima di un nuovo grande museo di Mosca, quello dell'Impressionismo Russo che aprirà i battenti nella capitale russa nel prossimo autunno. Per annunciare e far conoscere quello che è destinato ad essere uno dei “musei imperdibili” per ogni turista che si recherà a Mosca, la direzione della futura istituzione ha deciso di anticipare l’apertura al pubblico con due importanti preview: la prima si è svolta in Russia, nel Museo di Ivanovo, all'inizio dell'autunno scorso e ora è la volta di Venezia, unica tappa estera. Qui, dal 13 febbraio al 12 aprile, in Palazzo Franchetti, il pubblico italiano e internazionale potrà ammirare 50 capolavori del futuro museo moscovita, il meglio del meglio della sua imponente collezione d’arte. Un “biglietto da visita” estremamente raffinato, per annunciare una collezione di sicuro interesse internazionale. La rassegna veneziana è curata da Yulia Petrova, direttore del Museo dell'Impressionismo Russo, e da Silvia Burini e Giuseppe Barbieri, responsabili del Centro Studi sulle Arti della Russia (CSAR) dell'Università Ca' Foscari e di una serie di prestigiose e apprezzate attività espositive che dal 2010 hanno diffuso in Italia alcuni essenziali aspetti dell'arte russa degli ultimi due secoli. È un’indicazione interessante dell'originale politica culturale e della speciale mission dell'istituzione moscovita: favorire, attraverso esposizioni temporanee, in Russia e all’estero, la conoscenza di una rilevante tendenza dell’arte russa, in particolare quella che caratterizza l'epoca tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo, una fase ancora poco conosciuta, a parte alcuni grandi nomi, della vicenda artistica e del ruolo internazionale della moderna arte russa. Le 50 opere sono esposte in un percorso che accosta tra loro soggetti tematicamente contigui (il paesaggio, la scena urbana, la figura in un interno), con una dovuta ma non sempre vincolante attenzione alla cronologia. Il momento di maggior fioritura dell’Impressionismo in Russia è di qualche lustro successivo alla svolta dell'arte francese intervenuta tra settimo e ottavo decennio dell'Ottocento, e comprende soprattutto l'ultimo decennio del secolo e l’inizio di quello successivo. Ma questo non significa che possa essere considerato la variante provinciale di quello francese e nemmeno la sporadica scelta di maniera di qualche pittore. L’Impressionismo era già divenuto infatti il tempestivo punto di riferimento per l’opera di paesaggisti come Fedor Vasil’ev, aveva influenzato la ricerca di Polenov e di Repin, dopo un loro soggiorno in Francia e, grazie a questi maestri, era presto diventato oggetto di studio per gli studenti della Scuola di Pittura, Architettura e Scultura di Mosca, alcuni dei quali destinati - come Konstantin Juon, Petr Petrovičev e Stanislav Žukovskij, tutti presenti in mostra – a un ruolo di primaria importanza prima, durante e dopo l'avvento delle Avanguardie. La tradizione di dipingere alla maniera impressionista continua poi per buona parte del Novecento, ed è documentata in mostra con opere di Končalovskij, Grabar', Kustodiev, Baranov-Rossiné, con altri pittori insospettabili, come Sergej Gerasimov o Georgij Savickij, e persino con artisti molto legati al realismo socialista, come Aleksandr Gerasimov e Dmitrij Nalbandjan. D'altra parte l'immagine guida della mostra – i Manifesti sotto la pioggia di Pimenov (1973) - dimostra con ogni evidenza come la matrice impressionistica caratterizzi con un certo rilievo anche il periodo del disgelo post staliniano. La mostra veneziana allinea insomma le prime esplicite rimeditazioni e rielaborazioni della rivoluzione artistica francese, evidenzia la tenace persistenza, per buona parte del Novecento, di questo approccio alla raffigurazione della vita individuale e dei suoi scenari e sottolinea la perdurante attualità di questa matrice. Per questo l'arco cronologico delle opere in mostra spazia da alcuni rari dipinti giovanili di Konstantin Korovin, il più famoso esponente dell’Impressionismo russo, e di Valentin Serov sino ad anni recentissimi, con pittori come Vladimir Rogozin e Valerij Košljakov, che non si possono certo considerare “impressionisti” in senso stretto ma per i quali sono risultate fondamentali le ricerche dei loro predecessori alla fine del XIX secolo e che raccolgono oggi, idealmente ed efficacemente, in una chiave contemporanea, la loro eredità. Il Museo dell’Impressionismo Russo di Mosca nasce dalla collezione privata di Boris Mints, avviata oltre dieci anni fa, anche mediante l'acquisto sul mercato occidentale di una serie di dipinti che sono tornati così in Russia e che tra poco saranno disponibili per i visitatori del Museo. Il Museo dell'Impressionismo non espone tuttavia solo una collezione privata. C’è la ferma volontà di creare, mediante l'impiego di nuove tecnologie (alcune delle quali saranno sperimentate per la prima volta proprio nella mostra di Venezia), uno spazio che coinvolga i visitatori di varie estrazioni e a diversi livelli. Il museo è pensato insomma come uno spazio dinamico, interattivo, dove l’esposizione permanente verrà accompagnata da strutture e attività educational e di ricerca sulle raccolte del museo stesso. Sono previsti una sala cinema e uno spazio per mostre temporanee. Come abbiamo accennato, quella di ”impressionismo russo” è una definizione che ha confini molto vasti. Il Museo raccoglie pertanto opere dei classici maestri del periodo più propriamente riferibile a questa tendenza storica, così come di pittori che hanno trovato nella matrice impressionista, anche solo per un tratto del loro percorso, una referenza insostituibile per la loro ricerca e la loro evoluzione. Gli storici dell'arte hanno l'abitudine di far risalire al 1863 (l'anno de Le déjeuner sur l'herbe e de l'Olympia di Manet) l'apparizione della nuova arte in Russia. In quell'anno un gruppo di giovani pittori si ribellò all'autorità dell'Accademia delle Arti di Pietroburgo, fino ad allora indiscussa. La principale conseguenza di tale gesto fu la nascita di un secondo polo di influenza artistica, Mosca, dove, nel 1870, con l'aiuto di un mercante appassionato d'arte, Pavel Tret'jakov, si costituì la Società dei Pittori Ambulanti (Peredvižniki). Lo scopo era quello di diffondere la conoscenza artistica al di fuori delle grandi città, con mostre itineranti. La Società rimase attiva fino al 1923, organizzò più di 50 rassegne ed ebbe un ruolo capitale nel dischiudersi di una nuova fase dell'arte russa. L'estetica degli Ambulanti segnò la generazione successiva, ma provocò anche un completo riorientamento dell'arte russa che fino a quel momento aveva seguito le grandi scuole europee senza mostrare una vera e propria originalità. Gli Ambulanti puntavano decisamente sul realismo e sull'impegno nella vita sociale. Il loro maggiore punto di riferimento culturale era Lev Tolstoj, di cui condivisero le opinioni ben prima che egli le esponesse chiaramente in Čto takoe iskusstvo (Che cos'è l'arte, 1898). A partire dal 1874 Savva e Elizaveta Mamontov cominciarono a riunire un gruppo più o meno permanente di artisti russi nella loro proprietà di Abramcevo. I fondatori di questo "gruppo" furono Repin, Polenov, e Valentina Serova, insieme al figlio Valentin, e più tardi si unirono a essi i fratelli Viktor e Apollinarij Vasnecov, Korovin e Vrubel'. Si discuteva, si lavorava e si parlava di arte medievale russa e popolare. Si praticavano pittura e scultura ma anche arti applicate (la chiesa di Abramcevo è opera collettiva dei Vasnecov, Polenov e Repin), c'era persino un teatro d'opera privato dove vennero allestiti molti spettacoli, come La fanciulla di neve di Rimskij-Korsakov. La Corista (1883) di Konstantin Korovin (1861-1939) è probabilmente la prima opera impressionista russa: precorreva i tempi e non fu capita dai contemporanei. E tuttavia vi si percepiscono i due elementi tipici del suo approccio impressionistico: il decorativismo e la tendenza allo studio-bozzetto, evidenti nei suoi paesaggi parigini eseguiti a partire dal 1900. Sono scene serali, la città è inondata di luce, Korovin infonde vita negli episodi che si svolgono per strada, grazie a pennellate ampie, impulsive, quasi rozze. Nei suoi paesaggi si respira un'atmosfera teatrale, e ciò non deve stupire, dato che l’artista era anche un bravo scenografo teatrale, particolarmente famoso per le sue realizzazioni per opere liriche. L'opera di Korovin occupa un posto centrale nella tradizione moscovita e costituisce un esempio efficace del desiderio dei pittori locali di raggiungere la spontaneità nella loro rappresentazione della vita e della bellezza. Con la fine del XIX secolo molti artisti avevano sviluppato a Mosca uno stile più o meno comune e tale evoluzione portò inevitabilmente alla formazione di un gruppo, l'"Unione dei Pittori russi" che per un breve periodo si unì al pietroburghese "Mir iskusstva" (Il mondo dell'arte), anche se tra i due gruppi esistevano differenze inconciliabili. I moscoviti, pur in grado diverso, erano dominati dall'Impressionismo, dall'esigenza della rappresentazione della vita individuale e sociale, mentre i membri di "Mir iskusstva" tendevano già al modern (la variante russa dello Jugendstil, del liberty o dell'art noveau, in una sorta di "plurilinguismo stilistico"). In Russia è molto complesso distinguere tra questi orientamenti, in primo luogo perché i due termini sono strettamente collegati tra loro e inoltre perché manca quella forte tradizione romantica alla quale invece si erano potuti rifare gli artisti contemporanei europei. Informazioni utili: Sede della mostra: Palazzo Franchetti Campo Santo Stefano, San Marco 2847, Venezia Date: dal 13 febbraio al 12 aprile 2015 Apertura al pubblico: da martedì a domenica con orario 10-18 Chiuso il lunedì Ingresso: libero Catalogo: Terra Ferma Ufficio Stampa Studio ESSECI, Sergio Campagnolo
Inizio: 13/02/2015
Fine: 12/04/2015
Indirizzo: Venezia, Palazzo Franchetti Campo Santo Stefano, San Marco 2847
Spazio: Venezia, Palazzo Franchetti
Area geografica: Nord
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Titolo: HAMISH FULTON - MICHAEL HOEPFNER. Canto di strada
Introduzione: Frutto di un dialogo ideale scaturito dalla condivisione di una concezione del cammino come motore di esperienze artistiche, la mostra, a cura di Lorenzo Giusti, presenta una serie di nuovi lavori - fotografie, wall drawings, disegni e installazioni – nati dalla comune esperienza di viaggio sulle montagne della Sardegna centrale. Hamish Fulton (Londra, 1946) è una delle figure più rappresentative dell’arte inglese degli ultimi decenni
Descrizione: HAMISH FULTON - MICHAEL HOEPFNER. Canto di strada MAN, Museo d’Arte Provincia di Nuoro Dal 6 febbraio al 5 aprile 2015 Canto di strada è il titolo della doppia personale di Hamish Fulton e Michael Hoepfner, in programma al Museo MAN di Nuoro a partire dal prossimo 6 febbraio. Frutto di un dialogo ideale scaturito dalla condivisione di una concezione del cammino come motore di esperienze artistiche, la mostra, a cura di Lorenzo Giusti, presenta una serie di nuovi lavori - fotografie, wall drawings, disegni e installazioni – nati dalla comune esperienza di viaggio sulle montagne della Sardegna centrale. Hamish Fulton (Londra, 1946) è una delle figure più rappresentative dell’arte inglese degli ultimi decenni. Insieme a Richard Long è considerato il padre fondatore di un movimento internazionale di “artisti camminatori”, di cui l’austriaco Michael Hoepfner (Krems, 1972) è oggi uno degli esponenti più significativi. La mostra al Man di Nuoro mette per la prima volta a confronto il lavoro dei due artisti, individuando nel viaggio sulle montagne del Supramonte e del Gennargentu un terreno comune di confronto. Un’esperienza di immersione totale nella natura aspra della Barbagia orientale che ha visto muovere i due artisti per due settimane nello stesso ambiente, senza mai incontrarsi. Uniti da una medesima passione per la montagna e da una comune visione della pratica artistica come espressione di esperienze personali (anche quando fatte in gruppo), Fulton e Hoepfner aprono, attraverso l’utilizzo di linguaggi diversi – più concettuale quello del primo, con testi o grafici di percorso, più visivo quello del secondo, con fotografie e installazioni – una significativa riflessione sul ruolo dell’arte, sui concetti di esperienza e di creazione, oltre che sul rapporto tra uomo e ambiente. Hamish Fulton inizia la sua carriera alla fine degli anni Sessanta, definendosi “Walking Artist”, un modo per distinguere il proprio lavoro dalle pratiche della Land Art a cui era stato inizialmente accomunato. La sua è un'arte esperienziale, che si nutre di lunghi percorsi a piedi in contesti naturali, in particolare di montagna, dall’Europa al Sudamerica, dal Tibet al Giappone. A partire dagli anni Novanta ha declinato parte del proprio lavoro in una dimensione partecipata, finalizzata alla condivisione dell’esperienza del cammino, che ha trovato applicazione e sviluppo anche in contesti urbani. LE sue opere sono conservate nelle collezioni dei più importanti musei del mondo, dal MOMA di New York, al Centre Pompidou di Parigi, alla Tate Modern di Londra. Michael Hoepfner vive tra Vienna e Berlino. Il suo lavoro si incentra sull’esperienza del viaggio a piedi, attraverso zone desertiche o scarsamente abitate dall’Ucraina alla Cina, dal Kirghizistan alla Corea del Sud. Un percorso iniziato come esplorazione fisica e mentale di spazi geografici e che è proseguito come riflessione sui concetti di realtà e di luogo. Tra le mostre più recenti si ricordano quelle al Kunstforum Bank di Vienna, alla Kunsthalle di San Gallo, al Kunstverein di Salisburgo, all’ar/ge Kunst di Bolzano e nelle gallerie Olaf Stüber di Berlino e Hubert Winter di Vienna. Completerà il progetto un catalogo, pubblicato da NERO, con testi di Lorenzo Giusti, Giovanni Carmine e Muriel Enjalran. La mostra sarà accompagnata da un programma di attività laboratoriali a cura della sezione didattica del museo e da esperienze di cammino per il pubblico, in collaborazione con artisti e guide ambientali del territorio. Museo MAN via S. Satta 27- 08100, Nuoro tel. +39 0784 25 21 10 orari: 10-13 | 15-19 lunedì chiuso www.museoman.it
Inizio: 06/02/2015
Fine: 05/04/2015
Indirizzo: MAN, Museo d’Arte Provincia di Nuoro
Spazio: MAN, Museo d’Arte Provincia di Nuoro
Area geografica: Centro
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Titolo: GRISHA BRUSKIN. ALEFBET: ALFABETO DELLA MEMORIA Venezia - Fond
Introduzione: Un misterioso alfabeto costituito da 160 personaggi: angeli, demoni con il volto di animali, figure trafitte da un fulmine, uomini che portano sulle spalle la loro ombra, o scrutano nei segreti del libro. Per la sua prima esposizione a Venezia Grisha Bruskin, uno dei più importanti artisti russi viventi, apprezzato e riconosciuto a livello internazionale almeno dalla metà degli anni ’80
Descrizione: GRISHA BRUSKIN. ALEFBET: ALFABETO DELLA MEMORIA Venezia - Fondazione Querini Stampalia Dal 12 febbraio al 13 settembre 2015 Un misterioso alfabeto costituito da 160 personaggi: angeli, demoni con il volto di animali, figure trafitte da un fulmine, uomini che portano sulle spalle la loro ombra, o scrutano nei segreti del libro. Per la sua prima esposizione a Venezia Grisha Bruskin, uno dei più importanti artisti russi viventi, apprezzato e riconosciuto a livello internazionale almeno dalla metà degli anni ’80, ha scelto il progetto “Alefbet”: cinque grandi arazzi (2,80m x 2,10) rappresentano il cuore della rassegna, cui si giunge tuttavia esaminando in precedenza i disegni preparatori dell’artista, i gouaches e 6 straordinari dipinti, ossia le diverse tappe in cui si è articolato questo complesso e affascinante “archivio del segno”. Una sintesi densissima, che fa memoria di una millenaria tradizione, quella ebraica del Talmud e della Kabbalah, nel momento stesso in cui la rivela come possibile e permanente chiave di lettura simbolica della nostra storia e del nostro presente. “Alefbet” è una rassegna di eccezionale impatto visivo, che non potrà lasciare indifferente il visitatore, accompagnato e coinvolto nel percorso da una serie di originali apparati multimediali, realizzati in collaborazione con CamerAnebbia-Milano di Marco Barsottini, che evidenzieranno la formidabile carica narrativa dell’opera di Bruskin. La mostra è promossa dal Centro Studi sulle Arti della Russia (CSAR) di Ca’ Foscari, ed è curata da Giuseppe Barbieri e da Silvia Burini in collaborazione con la Fondazione Querini Stampalia. Catalogo Terra Ferma, con saggi di Evgenij Barabanov, Giuseppe Barbieri, Grisha Bruskin, Silvia Burini, Boris Groys, Michail Jampolskij. Alla fine degli anni ‘50 Bruskin scopre nella tematica ebraica un soggetto del tutto nuovo per la realtà sociale e l’arte sovietica, dato che in URSS mancava in modo categorico una qualsiasi forma di vita ebraica quotidiana e religiosa. Bruskin vi giunge in maniera, per così dire, indiretta: proveniva infatti sì da una famiglia ebrea, di scienziati, lontana però da problematiche religiose. La sua comprensione di essere ebreo, la sua ebraicità, avviene perciò – è lui stesso a ribadirlo più volte - attraverso i libri e i racconti dei parenti. Un’esperienza che si configura quindi come una vera e propria “ricostruzione” archeologica, che lo conduce a uno stile particolare e originalissimo, in cui i frammenti di un passato perduto e riafferrato sembrano scaturire, almeno inizialmente, da una specie di carnevale pittorico un po’ fiabesco, ricco di motivi allegorici e simbolici ma anche surrealisti. Un forte cambiamento, anzi una vera rottura, si registra negli anni ‘80 quando Bruskin comincia a frequentare i maggiori esponenti della Soc Art, Prigov, Orlov, Lebedev. Da questo momento il suo stile cambia, e da un primitivismo un po’ ornamentale giunge a una maniera asciutta che assume il sembiante plastico dai poster sovietici (nello stesso stile in cui Kabakov fa la serie dedicata alla Kommunal’ka). L’interesse di Bruskin per la produzione ideologica sovietica nasce di sicuro in seguito alle frequentazioni con i soc-artisti, ma mentre Orlov guarda alla monumentalità del regime, Bruskin è più attratto dalle statue più modeste di pionieri, soldati e lavoratori che abbellivano facciate e parchi al tempo di Stalin. Ma il tema ebraico non viene dimenticato, anzi rimane in parallelo alla problematica sovietica: l’artista scrive che tra l’approccio talmudico e quello marxista c’è molto in comune. Nel suo Fundamental’nyj leksikon (1986), una specie di grammatica bruskiniana, origine e sintesi di tutta la sua lingua, l’artista compie un’opera di sistematizzazione del sistema segnico sovietico con la stessa accuratezza con cui nella Torah si elencano i peccati dell’umanità: in ogni celletta c’è una statua di gesso che tiene in mano un segno visivo, una medaglia, il modellino del mausoleo di Lenin, un segnale stradale o una carta geografica. Bruskin ricerca in sostanza una lingua meno esoterica rispetto ad altri suoi compagni, privilegia il racconto, la narrazione. È come se si presentasse a nome di un archeologo del futuro, che cerca di comprendere il senso degli artefatti di una civiltà passata. Questa apertura era dettata anche dalle mutate condizioni politiche. Non c’era più il pubblico ristretto degli anni ‘70, che spesso coincideva con gli artisti stessi, per mostre che avevano sede nei loro appartamenti. Ai tempi della perestrojka invece si afferma finalmente la possibilità di fare mostre in sale espositive e quindi di esporre lavori anche di grandi dimensioni. Fundamental’nyj leksikon fu esposto a Mosca nel 1987, in una sala della Kashirka, la sede degli episodi artistici più importanti della fine degli anni ‘80, alla mostra “L’artista e la contemporaneità”. In quella circostanza Bruskin - con il suo linguaggio nitido e i suoi quadri finemente dipinti – si affermò come l’artista più importante della perestrojka. Fu un momento molto importante perché, nonostante il potere ufficiale cercasse di costruire un caso intorno alla mostra, una parte dell’opera fu acquistata dal famoso regista Milos Forman che era stato invitato ufficialmente da Gorbacev e in questo modo cadde il divieto di esporre arte non ufficiale in URSS. Non solo. Dopo un anno Fundamental’nyj leksikon ebbe un ruolo fondamentale per il mercato dell’arte russa. A un’asta diventata famosa di Sotheby’s venne venduto infatti per 200.000 sterline, mentre poco prima Otvety di Kabakov era stato venduto per appena 38.000 dollari. Comincia il “boom” russo: Bruskin si trasferisce a New York e inizia ad aumentare il formato delle figure di Fundamental’nyj leksikon, che divengono sculture monumentali ma in seguito anche statuette di porcellana e poi arazzi. Il progetto “Alefbet” è appunto una parte essenziale di questo lungo e complesso macrotesto bruskiniano. Un alfabeto “cucito”, materico. Un archivio che si fa testo. Scrive l’artista che il giudaismo, per ragioni storiche, non ha creato un corrispettivo artistico equivalente alle sue iniziative spirituali. «Io ho sempre sentito un vuoto culturale e ho voluto riempirlo con un livello artistico individuale. Gli ebrei sono il popolo del Libro, il libro è il loro simbolo fondamentale: il libro è il mondo e il mondo è il libro, il libro è il proto modello della mia arte e di Alefbet in particolare». «Mi rapporto ad Alefbet come a una concezione artistica e nient’altro, come a una sorta di gioco di biglie. Era importante per me creare qualcosa in forma di pagine, di palinsesto, di scrittura, di notizia, di commento…. Alefbet è anche scritture misteriose, rebus, un dizionario mitologico, sviluppa la lingua in un sistema di simboli e mitologemi, allegorie che bisogna essere capaci di decifrare, indovinare. Dove occorre trovare la propria personale spiegazione. Lo sfondo è rappresentato da scritture e sopra vi sono posizionati i personaggi, che sono 160. Tra di essi non succede nulla, sono solamente rappresentati e sono collegati dal contesto. Ogni eroe è dotato di un accessorio e diviene una figura simbolo, una figura mitologema, una di quelle figure che creano una sorta di dizionario, collezione, alfabeto che in ebraico si dice appunto alefbet. “Alefbet” è il mio personale commentario al Libro». L’arazzo è accompagnato da un commentario ai commentari, che è scritto dall’artista. Lo spettatore, seguendo la tradizione del Talmud, deve aggiungere i propri commentari ai commentari dell’artista e in questo modo potrà avvicinarsi alla verità. “Alefbet” è una sfinge che pone degli enigmi allo spettatore. Usando una metafora della Kabbalah si può dire che ogni elemento dell’opera, fino al personaggio più accessorio, è una piccolissima particella del mistero complessivo della storia, una scintilla di luce. Lo spettatore, muovendosi da un mitologema a un altro, percependone il senso e le relazioni, mette insieme le schegge ricostruendo il significato del quadro. Grisha Bruskin (Grigory Davidovich Bruskin) nasce a Mosca nel 1945. Nel 1968 termina gli studi presso l'Istituto tessile di Mosca e l'anno successivo entra nell'Unione degli artisti dell'URSS. La sua prima mostra personale, allestita nel 1983 a Vilnius, viene chiusa pochi giorni dopo l’inaugurazione per ordine del Partito comunista lituano. L'anno successivo un'altra sua mostra, ospitata alla Casa centrale dei lavoratori dell'arte di Mosca, viene chiusa a un giorno dall'apertura per ordine della Sezione moscovita del Partito comunista. La sua prima mostra non censurata, L'artista e la contemporaneità, apre al pubblico nel 1987 presso la sala espositiva Kashirka di Mosca. Il 7 luglio 1988, in occasione della prima asta organizzata da Sotheby's a Mosca, sei opere di Bruskin vengono battute a un prezzo record per l’arte contemporanea russa. Nello stesso anno l’artista prende la residenza a New York, dove avvia la collaborazione con la Marlborough Gallery. Nel 1999 realizza su commissione del Governo tedesco il trittico monumentale La vita sopra tutto per il Reichstag di Berlino. Nel 2005 partecipa all'imponente mostra collettiva Russia! allestita al Guggenheim di New York. Nel 2012 vince il premio Kandinsky per l'arte russa contemporanea per il progetto H-Hour. Oggi l'artista vive e lavora a Mosca e New York. Informazioni utili: Sede della mostra: Fondazione Querini Stampalia, Venezia, Campo Santa Maria Formosa, Castello 5252 Date: dal 12 febbraio al 13 settembre 2015 Apertura al pubblico: da martedì a domenica con orario 10-18. Chiuso il lunedì. Ingresso: libero. Catalogo: Terra Ferma. Ufficio Stampa Fondazione Querini Stampalia Sara Bossi tel. 339 8046499/041 2711441, e-mail: s.bossi@querinistampalia.org Studio ESSECI, Sergio Campagnolo tel. 049 663499, e-mail: gestione3@studioesseci.net; www.studioesseci.net
Inizio: 12/02/2015
Fine: 13/09/2015
Indirizzo: Venezia - Fondazione Querini Stampalia, Campo Santa Maria Formosa, Castello 5252
Spazio: Venezia - Fondazione Querini Stampalia
Area geografica: Nord
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tipo: Grandi mostre
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Numerazione: 1
Titolo: Voglio vedere le mie montagne.
Introduzione: Curata da Noah Stolz, l’esposizionesi prefigge, attraverso le opere di 15 artisti italiani e svizzeri - Gilles Aubry, Cuomo e Iorio, Oppy De Bernardo, Marco Fedele di Catrano, Aurelian Gamboni, Luc Mattenberger, Yves Mettler, Gianni Motti, Aldo Mozzini, Marco Poloni, Relax, Pascal Shwaighofer, Una Szeeman & Bohdan Stehlik, Miki Tallone, di rappresentare il paesaggio transalpino contemporaneo
Descrizione: Dal 7 febbraio al 15 marzo 2015 il Museo MA*GA di Gallarate, ospita la mostra Voglio vedere le mie montagne. La rassegna è promossa dalla Fondazione svizzera per la cultura Pro Helvetia che ha scelto proprio il MA*GA come suo partner privilegiato in Italia, premiandolo con la realizzazione delle opere esposte. Curata da Noah Stolz, l’esposizionesi prefigge, attraverso le opere di 15 artisti italiani e svizzeri - Gilles Aubry, Cuomo e Iorio, Oppy De Bernardo, Marco Fedele di Catrano, Aurelian Gamboni, Luc Mattenberger, Yves Mettler, Gianni Motti, Aldo Mozzini, Marco Poloni, Relax, Pascal Shwaighofer, Una Szeeman & Bohdan Stehlik, Miki Tallone, di rappresentare il paesaggio transalpino contemporaneo che, da molti secoli, corrisponde a un area di “confine espanso”, in continuo processo di ridefinizione, di ritrattazione e continuamente alla ricerca di una propria precisa identità. Voglio vedere le mie montagne - il cui titolo prende spunto dalla celebre frase pronunciata da Giovanni Segantini su letto di morte - si presenta quindi come una collettiva, la cui forma altro non è se non il risultato di una forma di contrattazione con il reale, un tentativo di dar luce agli aspetti latenti di una contemporaneità che ci appare divisa e fatica a trovare l’immagine di se stessa. Nicolas Bourriaud ci insegna che “essere radicanti significa mettere in moto le proprie radici, in contesti e formati eterogenei, negando loro il potere di definire completamente la propria identità, traducendo idee, transcodificando immagini, trapiantando comportamenti, scambiando invece di imporre”. Gli artisti invitati a intervenire hanno cercato di innestare il proprio pensiero in un paesaggio da loro vissuto allo stesso tempo come familiare ed estraneo. Molti di questi sono infatti di origine italo-svizzera e il loro lavoro è permeato da questioni identitarie e antropologiche. Voglio vedere le mie montagneè il frutto di mesi di lavoro e di ricerca, del dialogo tra curatore, artisti e istituzioni coinvolte, di progettazione e attuazione di laboratori collettivi e individuali, di scambi di aneddoti e documenti, che hanno dato luogo a una mappatura di “oggetti“ tutti portatori di complessità. I frammenti di questa esperienza condivisa andranno a ricomporre l’immagine corale del paesaggio transalpino di oggi, che trascende confini e che si prende gioco dello stesso concetto della spazio-temporalità. Voglio vedere le mie montagne è un progetto realizzato nell’ambito di “Viavai - Contrabbando culturale Svizzera-Lombardia”, un programma di scambi binazionali promosso dalla Fondazione svizzera per la cultura Pro Helvetia e realizzato in partenariato coni cantoni Ticino e Vallese, la città di Zurigo, la Fondazione Ernst Göhner e con il patrocinio degli Assessorati alla Cultura della Regione Lombardia e del Comune di Milano. Il programma, strutturato in tre tappe, ha già vissuto un primo appuntamento con la personale dell’artista italiano e svizzero Marco Poloni all’Istituto Svizzero di Milano e proseguirà, in contemporanea con l’iniziativa al MA*GA di Gallarate, al Museo Cantonale di Lugano, dal 14 febbraio al 15 marzo 2015 con la mostra di Cuomo e Iori, vincitori del Premio Furla 2015. Milano, gennaio 2015 VOGLIO VEDERE LE MIE MONTAGNE A cura di Noah Stolz Gallarate, Museo MA*GA (via De Magri 1) 7 febbraio - 15 marzo 2015 Orari: dal martedì al venerdì, 9.30-12.30; 14.30-18.00; sabato e domenica, 11.00-18.30 Ingresso libero
Inizio: 07/02/2015
Fine: 15/03/2015
Indirizzo: Maga Gallarate
Spazio: Maga Gallarate
Area geografica: Nord
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Titolo: Viaggio in Italia. Gli anni ‘60
Introduzione: Attraverso 20 opere di autori quali Lucio Fontana, Piero Manzoni, Enrico Castellani, Alberto Burri, Mario Schifano, Alighiero Boetti, Mario Merz e altri, l’esposizione condurrà i visitatori a Milano, Roma, Torino, capitali della creatività italiana in un decennio di grande vivacità artistica.
Descrizione: ST. MORITZ (SVIZZERA) ALLA CHIESA PROTESTANTE DAL 13 FEBBRAIO ALL’8 MARZO 2015 LA MOSTRA Viaggio in Italia. Gli anni ‘60 Attraverso 20 opere di autori quali Lucio Fontana, Piero Manzoni, Enrico Castellani, Alberto Burri, Mario Schifano, Alighiero Boetti, Mario Merz e altri, l’esposizione condurrà i visitatori a Milano, Roma, Torino, capitali della creatività italiana in un decennio di grande vivacità artistica. La rassegna è il preludio invernale alla ottava edizione di St. Moritz Art Masters che, dal 21 al 30 agosto 2015, vedrà protagonista proprio l’Italia come paese ospite d’onore. www.stmoritzartmasters.com Dal 13 febbraio all’8 marzo 2015, la Chiesa protestante di St. Moritz ospita un evento che analizza uno dei periodi artistici più fecondi e vivaci del Novecento italiano. Gli anni Sessanta saranno infatti al centro dell’indagine condotta dalla mostra Viaggio in Italia, curata da Francesca Pola, organizzata da St.Moritz Art Masters in collaborazione con Robilant+Voena. Sarà un ideale viaggio all’interno di questo decennio di grande creatività che si è sviluppata nei tre maggiori poli culturali di Milano, Roma e Torino, grazie a personalità quali Lucio Fontana, Piero Manzoni, Enrico Castellani, Agostino Bonalumi, Alberto Burri, Mario Schifano, Mimmo Rotella, Franco Angeli, Alighiero Boetti, Mario Merz, Michelangelo Pistoletto, Giuseppe Penone e altri. La rassegna è il preludio invernale alla ottava edizione di St.Moritz Art Masters, in programma dal 21 al 30 agosto 2015 che vedrà protagonista l’Italia come paese ospite d’onore. Dopo la Cina, il Brasile e l’India, l’attenzione del festival engadinese si rivolgerà proprio all’arte e agli artisti del Belpaese. Attraverso 20 opere, il percorso espositivo analizzerà le caratteristiche di questa ‘età dell’oro’ italiana, che si esprime non solo nell’arte visiva ma, in relazione e in parallelo con essa, in molti altri campi, dall’industria all’architettura, dal design alla moda, dalla letteratura al teatro e al cinema, dalla fotografia alla musica. A Milano, attorno alla figura di Lucio Fontana, si sviluppa una generazione di artisti quali Piero Manzoni, Enrico Castellani, Agostino Bonalumi, Gianni Colombo, Paolo Scheggi, fautori di una nuova idea di spazio, ottenuta attraverso la ridefinizione della pittura. I loro lavori si posizionano entro l’azzeramento della superficie e le inaspettate relazioni tra colore e forma. A Roma, parallelamente alla dialettica tra la ricerca di Alberto Burri sulla materia e quella di Piero Dorazio sulla superficie, il contesto artistico è ancora più direttamente legato alla comunicazione massmediologica e cinematografica. Autori quali Marco Schifano, Mimmo Rotella, Franco Angeli, Tano Festa, Pino Pascali reinterpretano le icone della nuova era consumistica e quelle che traggono origine dalle radici storiche dell’identità italiana, da Michelangelo al Futurismo. A Torino, le ricerche di Giuseppe Pinot Gallizio guidano la sperimentazione su materiali naturali e tecniche non ortodosse. Tutto questo portò alla nascita dell’articolato contesto dell’Arte Povera, caratterizzato da pratiche concettuali, performance, installazioni che videro primeggiare personalità quali Alighiero Boetti, Michelangelo Pistoletto, Giuseppe Penone, Giovanni Anselmo, Mario Merz, senza dimenticare la pittura di Giorgio Griffa. Dopo questo momento invernale, tutta l’attenzione si concentrerà sull’appuntamento estivo, dal 21 al 30 agosto 2015, del St. Moritz Art Masters, il festival dedicato all’arte contemporanea ideato da Monty Shadow e curato da Reiner Opoku che trasformerà per l’ottava volta St. Moritz e l’Engadina in un centro artistico e culturale, con mostre personali e collettive – tutte gratuite – di grandi artisti del nostro tempo, oltre a conferenze, simposi e altre attività, inserite in uno scenario unico. St.Moritz (CH), gennaio 2015 VIAGGIO IN ITALIA. GLI ANNI ‘60 St. Moritz (Svizzera), Chiesa Protestante (via Maistra 18 - zona pedonale) 13 febbraio - 8 marzo 2015 Orari: dal lunedì alla domenica, dalle 13 alle 19 Ingresso libero Informazioni Office St. Moritz Mailbox 82 CH-7500 St. Moritz Tel +41 81 833 10 28 Fax +41 86 081 833 10 28 info@stmoritzartmasters.com www.stmoritzartmasters.com
Inizio: 13/02/2015
Fine: 08/03/2015
Indirizzo: CH-7500 St. Moritz
Spazio: ST. MORITZ (SVIZZERA) ALLA CHIESA PROTESTANTE
Area geografica: Estero
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Numerazione: 1
Titolo: Giorgione e Savoldo, Fra Bartolomeo, Raffaello
Introduzione: A Brescia rivive il Rinascimento grazie ad un progetto che vuole stupire, conquistare e coinvolgere i visitatori, il tutto partendo da quattro grandi ambasciatori: Giorgione e Savoldo, Fra Bartolomeo, Raffaello, per scoprire il patrimonio straordinario della Pinacoteca Tosio Martinengo a confronto con opere illustri da musei nazionali e internazionali.
Descrizione: Museo di Santa Giulia 12 settembre 2014 I 6 aprile 2015 A Brescia opere da grandi musei. RINASCIMENTO. Un unico progetto in tre episodi, 6 mesi per poter rivivere il Rinascimento dentro e fuori al Museo di Santa Giulia, un biglietto unico per permettere un accesso semplice e conveniente al pubblico, un corso di storia dell’arte, visite guidate inedite alla scoperta della città, eventi, concerti, laboratori didattici e attività educative. Da settembre 2014 alla primavera 2015 a Brescia rivive il Rinascimento grazie ad un progetto che vuole stupire, conquistare e coinvolgere i visitatori, il tutto partendo da quattro grandi ambasciatori: Giorgione e Savoldo, Fra Bartolomeo, Raffaello, per scoprire il patrimonio straordinario della Pinacoteca Tosio Martinengo a confronto con opere illustri da musei nazionali e internazionali. Tre piccole e preziose mostre-studio che propongono novità e scoperte dal punto di vista critico, iconografico, attributivo e di storia del collezionismo, raccontate al pubblico anche grazie a un percorso interattivo allo scopo di rendere i contenuti storico-scientifici in modo coinvolgente e dinamico. Giorgione e Savoldo. Note di un ritratto amoroso è la prima delle tre mostre, che verrà inaugurata venerdì 12 settembre e sarà aperta sino al prossimo 9 novembre. La prima tappa permetterà di ammirare il Doppio ritratto di Giorgione, in prestito da Palazzo Venezia di Roma, in un dialogo d’eccezione con due opere di Savoldo: il Ritratto di giovane con flauto da Unicredit Art Collection in deposito presso la Pinacoteca Tosio Martinengo e la Figura di giovane della Galleria Borghese di Roma. In concomitanza con RINASCIMENTO inaugura Svelare l’arte. Scoperte e restauri per la nuova Pinacoteca Tosio Martinengo (12 settembre 2014 – 11 gennaio 2015). In mostra 29 dipinti della Pinacoteca Tosio Martinengo, alcuni mai esposti al pubblico, recentemente oggetto di un’importante campagna di studio e restauro. Il percorso espositivo si avvale di pannelli interattivi che permettono di indagare a fondo le opere, confrontando le immagini pre e post restauro, analizzando le nuove proposte attributive e ricostruendo le vicende storiche dei lavori provenienti dalla città e dal territorio. I visitatori che acquisteranno il Biglietto Unico avranno l'opportunità di tornare a visitare il museo altre due volte, in concomitanza con gli episodi di Rinascimento. Un'opportunità da non perdere per vivere sempre più il Museo di Santa Giulia! Per maggiori informazioni visita il sito dedicato www.rinascimento.bresciamusei.com Rinascimento è un'iniziativa di Comune di Brescia e Fondazione Brescia Musei Partner istituzionali: Fondazione CAB, Fondazione ASM, Camera di Commercio, Industria, Artigianato e Agricoltura di Brescia. Con il Patrocinio di Padiglione Italia - Expo Milano 2015 RINASCIMENTO 12 settembre 2014 | 6 aprile 2015 Museo di Santa Giulia Via Musei 81/b, Brescia #rinascimentobrescia inaugurazione: venerdì 12 settembre 2014 ore 18.30 Informazioni orari di apertura fino al 30 settembre: tutti i giorni ore 10.30-19.00 dal 1 ottobre al 6 aprile: tutti i giorni ore 9.30-17.30 lunedì chiuso biglietto unico: € 10 info: +39 030 2977833-834 santagiulia@bresciamusei.com www.rinascimento.bresciamusei.com
Inizio: 12/09/2014
Fine: 06/04/2015
Indirizzo: Museo di Santa Giulia Via Musei 81/b, Brescia
Spazio: Museo di Santa Giulia
Area geografica: Nord
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Titolo: Le chiavi di Roma. La città di Augusto
Introduzione: L'età augustea è il tema centrale della mostra che si tiene ai Mercati di Traiano Museo dei Fori Imperiali. La mostra, a Roma, prende il nome di "Le Chiavi di Roma. La città di Augusto" all’interno del piano comunicativo di Roma Capitale in occasione del Bimillenario della morte del princeps e del più ampio progetto internazionale “Keys To Rome”.
Descrizione: Le chiavi di Roma. La città di Augusto 24/09/2014 - 10/05/2015 Le chiavi di Roma. La città di Augusto Roma, Sarajevo, Amsterdam, Alessandria d’Egitto: tutto l’Impero festeggia Augusto, esposizione in occasione del Bimillenario della sua morte. Il 23 settembre 2014, per il Bimillenario della morte del princeps, il mondo festeggia Augusto. 4 mostre sono state aperte in contemporanea per la prima volta in 4 musei diversi: una rete culturale e tecnologica che prende il nome di Keys To Rome. Roma ne sarà il cuore. Qui, in modo originale, due itinerari si snodano nelle sale del Museo dei Fori Imperiali nei Mercati di Traiano, ambedue ispirati da Augusto e dall’Impero Romano, ma con diverse implicazioni: permettere ai visitatori di “camminare” sulla città augustea e “riconoscerne” i luoghi mitici e storici; collegare quattro città, quattro musei, quattro modi diversi di essere cittadini romani, per un viaggio interattivo mai tentato alla scoperta del mondo romano, attraversando le porte del tempo con le chiavi di Roma. L'età augustea è il tema centrale della mostra che si tiene ai Mercati di Traiano Museo dei Fori Imperiali. La mostra, a Roma, prende il nome di "Le Chiavi di Roma. La città di Augusto" all’interno del piano comunicativo di Roma Capitale in occasione del Bimillenario della morte del princeps e del più ampio progetto internazionale “Keys To Rome”. Infatti l’esposizione mira ad illustrare due percorsi tematici complementari e intrecciati: uno narrativo – Keys To Rome.Le Chiavi di Roma - e l'altro di approfondimento tematico, che condurrà i visitatori attraverso i luoghi di Augusto - La città di Augusto. "Keys To Rome” si presenta come un esperimento espositivo unico nel suo genere perché, per la prima volta in assoluto, è stata inaugurata il 23 settembre in contemporanea in quattro luoghi di grande fascino e perché, grazie all'integrazione di diverse applicazioni tecnologiche, apre lo sguardo sul museo del futuro. "Keys To Rome” è un evento organizzato dalla più grande rete di eccellenza europea sui Musei Virtuali, V-MUST, coordinata dal Consiglio Nazionale delle Ricerche. Quattro città forniscono quattro prospettive diverse sulla cultura romana: il cuore di Roma, con il Museo dei Fori Imperiali; Alessandria d’Egitto, nelle splendide sale della Biblioteca Alessandrina; Amsterdam presso l’innovativo Museo Allard Pierson e, infine, Sarajevo all’interno della storica biblioteca, sede del municipio, da poco restaurata. Le quattro locations, che simboleggiano i “quattro angoli” del mondo romano, sono alla base dell’idea della mostra europea e saranno un’occasione senza precedenti per guardare all’Impero da punti di osservazione storici, geografici, culturali e umani molto diversi. Al centro dell'esperienza museale, un percorso fatto di filmati, di sistemi di interazione naturale e applicazioni mobili, guida il visitatore a ripercorrere la storia romana, grazie a due protagonisti – un vecchio mercante e suo nipote – che dovranno ritrovare gli oggetti appartenuti alla famiglia e svelarne i segreti, usando le chiavi di Roma, nell’unico giorno in cui il dio Giano consentirà di aprire le porte del tempo. Nella Grande Aula del Museo, una mappa della cittàdà al visitatore la sensazione di“camminare” nella Roma di duemila anni fa. Il Foro di Augusto, il suo Mausoleo, l’Ara Pacis e gli altri monumenti, “emergono” dalla mappa e raccontano la propria storia. Due busti di Augusto e Agrippa – il suo “braccio destro”- si animano e parlano delle strategie e degli avvenimenti storici che hanno permesso l’irresistibile ascesa del princeps e la trasformazione della città. Infine, pannelli interattivi con tecnologia touch dislocati lungo il percorso espositivo illustrano le novità scientifiche sugli ultimi scavi, testimoniando la continua ricerca e la presenza sul territorio degli archeologi della Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali. Nell’ambito delle attività collaterali che arricchiscono ulteriormente l'evento, è stata anche organizzata la “Digital Museum Expo”, esposizione e workshop rivolti a professionisti e operatori del settore, che presentano le soluzioni tecnologiche più recenti, create per i musei del futuro. L'Expo è visitabile a Roma, sempre all'interno del Museo dei Fori Imperiali, dal 24 al 28 settembre 2014. E', poi, destinata ad essere spostata a turno nelle altre tre sedi di “Keys to Rome” tra ottobre e dicembre. All’interno dei Mercati di Traiano – contemporaneamente a questa grande esposizione – ha inaugurato il 24 settembre un’importante mostra curata da Gabriele Simongini e dedicata allo scultore coreano Park Eun Sun, in occasione del 130° Anniversario delle relazioni bilaterali tra Italia e Corea del Sud. Park Eun Sun (classe 1965), uno degli scultori più noti in Corea del Sud, vive e lavora in Italia da quindici anni. Nella mostra ai Mercati di Traiano, promossa dall’Ambasciata della Repubblica di Corea in Italia ed organizzata in collaborazione con lo Studio Copernico di Milano, l’artista espone 25 sculture di medie e grandi dimensioni, alcune delle quali realizzate per l’occasione.
Inizio: 24/09/2014
Fine: 10/05/2015
Indirizzo: Mercati di Traiano , Roma
Spazio: Mercati di Traiano , Roma
Area geografica: Roma
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Titolo: MISSONI, L’ARTE, IL COLORE
Introduzione: Il dialogo con l’arte europea del Novecento. La creatività e l’imprenditorialità di una grande Maison italiana. La straordinaria cultura e la genialità dei due fondatori. Ruota attorno a questi temi l’evento che il MA*GA di Gallarate (VA) dedica, dal 19 aprile all’8 novembre 2015, a Ottavio e Rosita Missoni, proprio nella città che scelsero nel 1953 come sede della loro casa e del loro primo laboratorio artigianale.
Descrizione: MISSONI, L’ARTE, IL COLORE Gallarate (VA) | Museo MA*GA 19 aprile - 8 novembre 2015 Il dialogo con l’arte europea del Novecento. La creatività e l’imprenditorialità di una grande Maison italiana. La straordinaria cultura e la genialità dei due fondatori. Ruota attorno a questi temi l’evento che il MA*GA di Gallarate (VA) dedica, dal 19 aprile all’8 novembre 2015, a Ottavio e Rosita Missoni, proprio nella città che scelsero nel 1953 come sede della loro casa e del loro primo laboratorio artigianale. Nell’anno di EXPO, i successi e i riconoscimenti internazionali dei Missoni, nella produzione tessile e nella moda, divengono portavoce tra i più accreditati del Made in Italy, rappresentando il valore di un territorio e testimoniando la capacità di generare linguaggi e confronti con i maggiori maestri dell’arte moderna e contemporanea. Il percorso espositivo, caratterizzato dagli allestimenti che diventano essi stessi opere ambientali, è articolato secondo diversi registri narrativi che delineano le principali caratteristiche della genialità dei Missoni, fatta di colore, materia e forma. Al contempo emerge quanto la loro creatività sia legata a doppio filo con l’arte, rappresentando un caso pressoché unico nel panorama della moda internazionale. La mostra MISSONI, L’ARTE, IL COLORE, curata da Luciano Caramel ed Emma Zanella, è un progetto realizzato dalla Città di Gallarate, Museo MA*GA e Archivio Missoni, con il contributo e il patrocinio di Regione Lombardia - Assessorato alle Culture, Identità e Autonomie, Provincia di Varese, Camera di Commercio di Varese, e con la partecipazione di Gallerie d’Italia - Piazza Scala (Milano). La mostra fa inoltre parte del progetto Grand Tour EXPO. L’esposizione si apre con Casa di moda, video-installazione di Ali Kazma che rilegge l’operato di “casa Missoni”. Entrando nel loro mondo, l’artista turco mette a fuoco l’approccio dei Missoni con tutto il ciclo produttivo aziendale, evidenziando un felice connubio tra sapienza artigianale e ricerca del design più avanzato. Si passa quindi ad analizzare le radici culturali che hanno influenzato le scelte di disegno, colore, segno e forma dei Missoni, caratteristiche intrinseche della loro cifra stilistica. L’attenzione si rivolge qui alle ricerche astratte e aniconiche europee della prima metà del Novecento con lavori di Giacomo Balla, Sonia e Robert Delaunay, Fortunato Depero, Osvaldo Licini, Mauro Reggiani, Nicolay Diulgheroff, Lucio Fontana, Otto Freundlich, Jean Hèlion, Auguste Herbin, Johannes Itten, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Alberto Magnelli, Piet Mondrian, Enrico Prampolini, Gino Severini, Sophie Tauber Arp, Manlio Rho, Mario Radice, Atanasio Soldati, Luigi Veronesi, Bruno Munari. Colore, materia e forma sono anche i fulcri attorno ai quali ruota la costante ricerca dei Missoni. A testimoniarlo è una grande installazione di abiti, progettata e allestita appositamente per la mostra e per il MA*GA dagli stessi Missoni, interamente dedicata al fascino e al glamour dei capi che hanno fatto la storia della Maison. La sezione conclusiva esplora invece le relazioni tra il pensiero creativo di Ottavio Missoni e l’arte contemporanea italiana: studi sul colore, opere pittoriche e arazzi dialogano con opere di Mario Ballocco, Gianni Bertini, Giuseppe Capogrossi, Roberto Crippa, Nino Di Salvatore, Piero Dorazio, Achille Perilli, Tancredi, Emilio Vedova, Luigi Veronesi, Carla Accardi, Giovanni Anceschi, Alberto Biasi, Davide Boriani, Dadamaino, Giulio Turcato e Grazia Varisco. Accompagna la mostra un catalogo edito da Rizzoli, a cura di Luciano Caramel e Emma Zanella. A corollario dell’evento, un vasto programma di attività collaterali e proposte didattiche. Gallarate (VA), gennaio 2015 MISSONI, L’ARTE, IL COLORE Gallarate, Museo MA*GA (via De Magri 1) 19 aprile - 8 novembre 2015 Inaugurazione: 18 aprile 2015, 18.30 Orari: dal martedì al venerdì, 10.00 – 19.00 sabato e domenica, 10.00 – 20.00 Lunedì chiuso Ingresso: € 10 intero. € 8 per gruppi a partire da 15 persone e categorie convenzionate; tesserati FAI – Fondo Ambiente Italiano € 5 studenti fino ai 26 anni. Gratuito minori di 14 anni, over 65, disabili che necessitano di accompagnatore, accompagnatore del disabile; dipendenti MiBACT; accompagnatori e guide turistiche Regione Lombardia, 1 insegnante ogni 10 studenti, membri ICOM, soci AMACI, giornalisti accreditati, possessori della membership card dei giornalisti iscritti all’albo con tessera di riconoscimento valida; Soci Fondatori e Patrocinatori del Museo MA*GA: MiBACT, Regione Lombardia, Città di Gallarate Informazioni generali Tel. +39 0331 706011 info@museomaga.it www.museomaga.it Informazioni evento Tel. +39 0331 706091 / 81 missoniartecolore@museomaga.it
Inizio: 19/04/2015
Fine: 08/11/2015
Indirizzo: Gallarate (VA) | Museo MA*GA
Spazio: Gallarate (VA) | Museo MA*GA
Area geografica: Nord
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Titolo: Bruno Liberatore. Sculture in dialogo ambientale con i Mercati di Traiano
Introduzione: runo Liberatore. Sculture in dialogo ambientale con i Mercati di Traiano
Descrizione: Bruno Liberatore. Sculture in dialogo ambientale con i Mercati di Traiano La mostra dedicata al maestro Bruno Liberatore segna l’ultima tappa della carriera espositiva dell’artista nella Capitale, dopo le rassegne a Castel Sant'Angelo (1993 - 94) e al Vittoriano (2001). Sono venticinque le sculture del Maestro, anche di grandi dimensioni e alcune recentemente realizzate, che dialogheranno fino al 12 aprile con le antiche murature della via Biberatica e nelle tabernae dei Mercati di Traiano, in una collocazione ideale e di grande suggestione. “Bruno Liberatore. Sculture in dialogo ambientale con i Mercati di Traiano”, a cura di Enrico Crispolti, sottolinea il lungo percorso dell'artista, abruzzese di nascita ma di formazione e residenza romano, una delle personalità più originali sulla scena della scultura italiana contemporanea. Le opere del Maestro, che è stato allievo prediletto e collaboratore di Pericle Fazzini, realizzate in bronzo, ferro o terracotta, testimoniano tutte una originaria vocazione plastica, sebbene i rapporti conflittuali tra uomo e ambiente siano rappresentati attraverso forme e volumi innovativi, lontani dalla tradizionale plastica figurativa. Le sue composizioni astratte evocano associazioni con la natura viva e in mostra particolare suggestione offrono le sculture di dimensioni maggiori, che propongono una profonda interazione con il paesaggio urbano. È Bruno Liberatore stesso che esprime in modo chiaro l’essenza della sua poetica: ‘La terra è la materia più interessante con cui abbiamo a che fare. Essa ci appare ora sofferente, ora infuriata, ora rinascente. Io cerco di esprimere questi stati della natura’. La mostra è promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Cultura, Creatività e Promozione Artistica - Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali, con i servizi museali di Zètema Progetto Cultura. Info mostra: Dove: Mercati di Traiano - Museo dei Fori Imperiali Via Quattro Novembre, 94 Tel. 060608 (tutti i giorni ore 9.00 – 21.00)
Inizio: 14/12/2014
Fine: 12/04/2015
Indirizzo: Museo dei Fori Imperiali Via Quattro Novembre, 94, Roma
Spazio:
Area geografica: Roma
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Titolo: Beverly Pepper all'Ara Pacis
Introduzione: All’interno del Museo dell’Ara Pacis saranno esposte 5 sculture in ferro, parte della serie Curvae in Curvae esposta alla Galleria Marlborough sia a New York sia a Londra. L’arte di Beverly Pepper è oggi parte permanente del paesaggio di realtà ambientali diverse, come l’Amphisculpture nel quartier generale dell’AT&T in New Jersey o Palingenesis, presso la sede del Credit Suisse a Zurigo.
Descrizione: Beverly Pepper all'Ara Pacis A cura di Roberta Semeraro Roma, Museo dell’Ara Pacis 3 dicembre 2014 - 15 marzo 2015 #PepperRoma Conferenza stampa mercoledì 3 dicembre ore 12 Auditorium Museo dell’Ara Pacis 3 dicembre 2014 Saranno esposte a Roma, presso il Museo dell’Ara Pacis, dal 3 dicembre 2014 al 15 marzo 2015 le sculture della grande artista americana Beverly Pepper, nell’ambito della mostra Beverly Pepper all'Ara Pacis promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Cultura, Creatività e Promozione Artistica – Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali; Ambasciata degli Stati Uniti d’America con il contributo essenziale della Fondazione Roma – Arte – Musei, nota per la sensibilità per l’arte nelle sue diverse manifestazioni. L’idea dell'installazione delle sculture all’Ara Pacis è nata dall’architetto Paolo Luccioni ed è curata dalla critica d’arte Roberta Semeraro. Un progetto straordinario reso possibile, negli aspetti organizzativi, grazie all’Associazione RO.SA.M. con Zètema Progetto Cultura e, per gli aspetti tecnici, grazie all’architetto Isabella Ciracì Altamura e all’ingegner Eugenio Francesco Mancinelli della SEIPRO servizi di ingegneria e progettazione. Con Beverly Pepper (1922) per la prima volta l’area perimetrale del Museo dell’Ara Pacis si offre come palcoscenico di un’importante esposizione di sculture. L’artista da anni si dedica alla scultura pubblica e all’arte ambientale e, dopo grandi spazi urbani quali Forte Belvedere a Firenze, il Palais Royale di Parigi e Central Park e Park Avenue a New York, torna a Roma, sua città del cuore. Le quattro opere monumentali, fra i 4 e i 5 metri di altezza e realizzate in acciaio corten, rappresenteranno momenti di riflessione per i visitatori che avranno l’opportunità di cogliere prospettive, volumi, profondità e, non ultima, la luce, in un magnifico connubio tra un glorioso passato fatto di stili architettonici diversi e il presente della scultura contemporanea. All’interno del Museo dell’Ara Pacis saranno esposte 5 sculture in ferro, parte della serie Curvae in Curvae esposta alla Galleria Marlborough sia a New York sia a Londra. L’arte di Beverly Pepper è oggi parte permanente del paesaggio di realtà ambientali diverse, come l’Amphisculpture nel quartier generale dell’AT&T in New Jersey o Palingenesis, presso la sede del Credit Suisse a Zurigo. Suoi anche altri importanti esempi di land art come Sol y Ombra Park di Barcellona, il Manhattan Sentinels nella Federal Plaza di New York e Departure, For My Grandmother, all’interno dell’Europos Parkas a Vilnius, Lituania. Le sue opere sono in tutto il mondo ma l’Italia continua ad essere, per l’artista, uno dei luoghi più amati per le sue installazioni, come il Teatro Celle commissionato dal collezionista Giuliano Gori per la Fattoria Celle presso Pistoia e l’Amphisculpture di Parco del Sole a L’Aquila donato alla città all’interno del progetto “Nove artisti per la ricostruzione”. Il ritorno di Beverly Pepper a Roma vuole essere un tributo alla Città Eterna che l’ha accolta fin dai primi anni Cinquanta. “Il talento di Beverly Pepper non ha confini e noi non potevamo che scegliere di ospitarlo in uno dei musei più rappresentativi della città - dichiara l'Assessore alla Cultura, Creatività e Promozione Artistica di Roma Capitale Giovanna Marinelli. Questa mostra dimostra soprattutto come le arti possano contaminarsi e parlare tra loro. La scultura che trionfa nel luogo simbolo dell'archeologia. Sono convinta che i visitatori ne saranno attratti e rapiti”. “Siamo lieti di presentare a Roma le opere di questa grande artista che, con le sue sculture ed i suoi progetti ambientalistici, è riuscita a tradurre l’arte in natura – dichiara il Presidente della Fondazione Roma Prof. Avv. Emmanuele Francesco Maria Emanuele. Parimenti, con questa mostra, vogliamo testimoniare l’apprezzamento per il lavoro da lei svolto in favore della valorizzazione del nostro Paese amandolo e onorandolo attraverso la sua arte, per tutta la sua vita”. Inoltre, come afferma l’Ambasciatore degli Stati Uniti d’America in Italia John R. Phillips, l’artista rappresenta: “Due Paesi e un'inestinguibile voglia di trovare punti di contatto fra le due culture, di integrarle rendendole permeabili l'una all'altra. Trovare e costruire ponti non solo nell'ambito artistico: questa è un'altra grande passione del nostro vulcanico scultore”. Durante tutto l’arco espositivo il pubblico avrà l’opportunità, previa prenotazione, di partecipare ad una visita guidata della mostra con la curatrice e i suoi collaboratori. Dalla metà di dicembre, presso il bookshop del Museo, saranno disponibili il documentario della mostra prodotto da MAAP e il catalogo “Beverly Pepper all’Ara Pacis” edito da Gli Ori Editori Contemporanei a cura di Paola Gribaudo con le fotografie di Gianfranco Gorgoni e i contributi critici di Anna Imponente, Soprintendente ai Beni Storici e Artistici del Lazio, e Gianluca Marziani, Direttore di Palazzo Collicola - Museo di Arti Visive di Spoleto. SCHEDA INFO Mostra Beverly Pepper all’Ara Pacis Luogo Area perimetrale del Museo dell’Ara Pacis Lungotevere in Augusta, Roma Apertura al pubblico dal 3 dicembre 2014 al 15 marzo 2015 Sezione interna della mostra: martedì - domenica ore 9 – 19 Info Mostra 060608 (tutti i giorni ore 9.00 – 21.00) www.arapacis.it, www.museiincomuneroma.it www.rosam.it, www.beverlypepper.net Twitter @museiincomune Facebook MuseoAraPacis – Beverly Pepper Instagram @museiincomuneroma #PepperRoma Promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Cultura, Creatività e Promozione Artistica – Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali; Ambasciata degli Stati Uniti d’America Con il contributo di Organizzazione Fondazione Roma – Arte – Musei Associazione RO.SA.M. con Zètema Progetto Cultura A cura di Roberta Semeraro Catalogo Courtesy of Gli Ori Marlborough Gallery, Luccioni Archstudio srl SPONSOR SISTEMA MUSEI CIVICI In collaborazione con Con il contributo tecnico di Banche tesoriere di Roma Capitale: BNL Gruppo BNP Paribas, UniCredit, Banca Monte dei Paschi di Siena; MasterCard Priceless Rome; Vodafone La Repubblica SPONSOR MOSTRA Con il contributo tecnico di Ares Italia, Iron, J.K.Place Roma, SEIPRO servizi di ingegneria e progettazione, TCI Professional led application, World Cargo Servizi di vigilanza Travis Biglietti Ingresso al Museo dell’Ara Pacis Biglietto ordinario: intero € 10,50; ridotto € 8,50 Per i cittadini di Roma Capitale (mediante esibizione di valido documento che attesti la residenza): intero € 8,50; ridotto € 6,50 Biglietto integrato Museo dell’Ara Pacis + Mostra Henri Cartier-Bresson € 18 intero; € 14 ridotto Ufficio Stampa Assessorato alla Cultura, Creatività e Promozione Artistica Lucia Ritrovato lucia.ritrovato@comune.roma.it 339 7864187 Ufficio Comunicazione e Relazioni esterne Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali 06 67106730 – 06 67109489 – 06 67104803 Ufficio stampa mostra Chiara Di Fonzo 3495520827 pepperarapacis@gmail.com Ufficio stampa Zètema Progetto Cultura Giusi Alessio g.alessio@zetema.itwww.zetema.it @ZetemaCultura
Inizio: 03/12/2014
Fine: 15/03/2015
Indirizzo: Roma, Museo dell’Ara Pacis
Spazio: Museo dell’Ara Pacis
Area geografica: Roma
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Titolo: Augusto in Campania
Introduzione: Con Augusto cambia il destino della Campania, dell’Italia e del Mediterraneo. Per celebrarne la figura a 2000 anni della sua morte, avvenuta a Nola, e raccontare i luoghi della regione che lo videro protagonista nell’ascesa al potere, la Soprintendenza per i Beni archeologici di Napoli presenta giovedì 18 dicembre alle ore 12,30 nella Sala conferenze della Sezione didattica del Museo Archeologico di Napoli, la mostra “Augusto in Campania. Da Ottaviano a Divo Augusto. 14-2014 d.C.”, finanziata dalla Regione Campania, fondi P.O.R. Campania F.E.S.R. 2007/2013 e realizzata in collaborazione con la Soprintendenza Speciale di Pompei, Ercolano e Stabia.
Descrizione: Con Augusto cambia il destino della Campania, dell’Italia e del Mediterraneo. Per celebrarne la figura a 2000 anni della sua morte, avvenuta a Nola, e raccontare i luoghi della regione che lo videro protagonista nell’ascesa al potere, la Soprintendenza per i Beni archeologici di Napoli presenta giovedì 18 dicembre alle ore 12,30 nella Sala conferenze della Sezione didattica del Museo Archeologico di Napoli, la mostra “Augusto in Campania. Da Ottaviano a Divo Augusto. 14-2014 d.C.”, finanziata dalla Regione Campania, fondi P.O.R. Campania F.E.S.R. 2007/2013 e realizzata in collaborazione con la Soprintendenza Speciale di Pompei, Ercolano e Stabia. La mostra sarà aperta al pubblico dal 19 dicembre 2014 al 4 maggio 2015. In conferenza saranno presentati anche gli ‘itinerari augustei’ che, nelle prossime settimane, coinvolgeranno il Museo storico-archeologico di Nola, il Museo archeologico dei Campi Flegrei a Baia, il Parco archeologico di Cuma, Pozzuoli, il Pausilypon, gli scavi di Ercolano e di Pompei, l’Antiquarium di Boscoreale. Alla conferenza partecipano: Teresa Elena Cinquantaquattro, Soprintendente per i Beni archeologici di Napoli; Pasquale Sommese, assessore regionale al Turismo e ai Beni culturali; Gregorio Angelini, Direttore Beni Culturali e Paesaggistici della Campania del MIBACT; Valeria Sampaolo, direttrice del Museo archeologico di Napoli; Sara Masseroli della Soprintendenza Speciale di Pompei; Carlo Gasparri e Carmela Capaldi, Dipartimento Studi umanistici - Università degli studi di Napoli Federico II, curatori scientifici della mostra. In occasione della conferenza stampa, la Soprintendente sarà a disposizione dei giornalisti per interviste. Ai giornalisti sarà fornita scheda tecnica della mostra e le immagini più rappresentative. Ufficio stampa Mostra “Augusto in Campania” Cristian Fuschetto mob. 338.5488710 Chiara Di Martino mob. 338.4794358 Ornella Falco tel. 081.4422275 mail sba-na.ufficiostampa@beniculturali.it sba-na.museoarcheologiconapoli@beniculturali.it
Inizio: 19/12/2014
Fine: 04/05/2015
Indirizzo: Museo Archeologico Nazionale, Napoli
Spazio: Museo Archeologico Nazionale
Area geografica: Sud
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Titolo: I lavori più recenti di Steve McCurry e
Introduzione:
Descrizione: La mostra si sviluppa a partire dai lavori più recenti di Steve McCurry e da una serie di scatti che sono legati a questa sorprendente ricerca messi a confronto con alcune delle sue immagini più conosciute, a partire dal Ritratto di Sharbat Gula, che è diventata una delle icone assolute della fotografia mondiale. Oltre a presentare una inedita selezione della produzione fotografica di Steve McCurry, la rassegna intende raccontare l'avventura della sua vita e della sua professione, anche grazie ad una ricca documentazione e ad una serie di video costruiti intorno alle sue "massime". Lo scopo è quello di seguire il filo rosso delle sue passioni, per conoscere la sua tecnica ma anche la sua voglia di condividere la vicinanza con la sofferenza e talvolta con la guerra , con la gioia e con la sorpresa. Il desiderio è quello di capire il suo modo di conquistare la fiducia delle persone che fotografa perché, come dice lo stesso fotografo: "Ho imparato a essere paziente. Se aspetti abbastanza, le persone dimenticano la macchina fotografica e la loro anima comincia a librarsi verso di te". Ad una nuova mostra non poteva che corrispondere un allestimento del tutto nuovo ed originale, progettato appositamente da Peter Bottazzi per accompagnare il visitatore nel mondo di McCurry e stabilire un dialogo con gli ambienti monumentali della Villa Reale appena restaurata e la decorazione neoclassica che li caratterizza.
Inizio: 30/10/2014
Fine: 06/04/2014
Indirizzo: Villa Reale Monza
Spazio: Villa Reale Monza
Area geografica: Nord
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Titolo: Conversation Piece Part 1
Introduzione: la prima di una serie di mostre dedicate agli artisti italiani e stranieri che hanno deciso di svolgere una residenza a Roma, in maniera autonoma o ospiti delle fondazioni, degli istituti di cultura o borsisti presso le Accademie straniere.
Descrizione: Inaugura il 10 febbraio alle 18.00, presso le Scuderie di Palazzo Ruspoli, Conversation Piece Part 1 - a cura di Marcello Smarrelli - la prima di una serie di mostre dedicate agli artisti italiani e stranieri che hanno deciso di svolgere una residenza a Roma, in maniera autonoma o ospiti delle fondazioni, degli istituti di cultura o borsisti presso le Accademie straniere. Partecipano: Francesca Grilli, Josephine Halvorson, Rowena Harris, Isabell Heimerdinger, Thomas Hutton, Corin Hewitt,Tobias Kaspar, Jonathan Monk, Anna-Bella Papp, Eddie Peake, Calixto Ramírez, Su-Mei Tse.
Inizio: 10/02/2015
Fine: 12/04/2015
Indirizzo: Scuderie di Palazzo Ruspoli, Roma
Spazio: Scuderie di Palazzo Ruspoli
Area geografica: Roma
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Titolo: Giorgio Morandi 1890-1964
Introduzione: la mostra documenta la vicenda artistica del pittore bolognese attraverso un numero cospicuo di opere di grande rilevanza che provengono da importanti istituzioni pubbliche e da prestigiose collezioni private, inclusi alcuni capolavori meno noti al grande pubblico concessi eccezionalmente in prestito
Descrizione: Giorgio Morandi 1890-1964 la mostra documenta la vicenda artistica del pittore bolognese attraverso un numero cospicuo di opere di grande rilevanza che provengono da importanti istituzioni pubbliche e da prestigiose collezioni private, inclusi alcuni capolavori meno noti al grande pubblico concessi eccezionalmente in prestito COMPLESSO DEL VITTORIANO ROMA - dal 27 febbraio al 23 giugno 2015
Inizio: 27/02/2015
Fine: 23/06/2015
Indirizzo: COMPLESSO DEL VITTORIANO ROMA -
Spazio: COMPLESSO DEL VITTORIANO
Area geografica: Roma
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Titolo: La guerra che verrà non è La prima.
Introduzione: Questo progetto ha richiesto e richiede non solo oggettività e distanza ma partecipazione e chiarezza. Non basta non volere la guerra e desiderare la pace. Muovendo dalla celebre poesia di Bertolt Brecht , “La guerra che verrà non è la prima. Prima ci sono state altre guerre. Alla fine dell’ultima c’erano vincitori e vinti. Fra i vinti la povera gente faceva la fame. Fra i vincitori faceva la fame la povera gente egualmente”
Descrizione: Mart, Rovereto 04/10.14—20/09.15 venerdì 3 ottobre ore 12.00 inaugurazione venerdì 3 ottobre ore 18.00 La mostra La guerra che verrà non è La prima. g rande guerra 1914-2014 realizzata con il Patrocinio della Presidenza del Consiglio dei Ministri - Struttura di missione per gli anniversari di interesse nazionale , in collaborazione con importanti istituzioni culturali nazionali , costituisce la colonna portante del grande progetto Mart/Grande guerra 1914-2014 che si sviluppa nelle tre sedi del Museo e si completa con un programma collaterale di eventi, incontri, convegni, appuntamenti. La mostra è un progetto diretto da Cristiana Collu, a cura di Nicoletta Boschie - ro, Saretto Cincinelli, Gustavo Corni, Gabi Scardi, Camillo Zadra, in collaborazione con esperti di storia e arte contemporanea. Attraverso lo sviluppo di contributi complementari fra loro, l’esposizione si allontana dalla semplice riflessione sulla storia e offre uno sguardo più complesso sull’attualità del conflitto, ancora oggi al centro del dibattito contemporaneo. La Prima guerra mondiale, di cui ricorre il Centenario, tra gli eventi più drammatici e signi ficativi della storia, rappresenta dunque il punto di partenza di un’indagine più ampia che attraversa il XX secolo e arriva ai conflitti dei nostri giorni. Il Mart si misura con il più difficile, travagliato e scabroso dei temi, facendosi carico non solo del racconto della storia, ma anche dell’esposizione articolata di alcune delle verità che lo contraddistinguono. Questo progetto ha richiesto e richiede non solo oggettività e distanza ma partecipazione e chiarezza. Non basta non volere la guerra e desiderare la pace. Muovendo dalla celebre poesia di Bertolt Brecht , “La guerra che verrà non è la prima. Prima ci sono state altre guerre. Alla fine dell’ultima c’erano vincitori e vinti. Fra i vinti la povera gente faceva la fame. Fra i vincitori faceva la fame la povera gente egualmente”, il Museo costruisce una narrazione dalla quale scaturisce un intenso viaggio che affonda le sue radici nelle guerre di un secolo, ritrovandosi nella più tragica storia recente. La mostra sviluppa il tema adottando molteplici punti di vista e toccandone anche gli aspetti più sensibili, delicati e talvolta controversi. Il percorso espositivo lascia emer - gere l’evento come risultato di una composizione in cui l’arte si confronta con la storia, la politica e l’antropologia. Ricorrendo a una sorta di complesso montaggio tematico e tempo - rale, l’esposizione evita di seguire un preciso filo cronologico, dimostrando – tramite inediti accostamenti e cortocircuiti semantici – come tutte le guerre siano uguali e, allo stesso tem - po, come ogni guerra sia diversa. L’intento non è quello di inventariare i conflitti di ieri e di oggi, né quello di mi - sconoscere le irriducibili differenze storiche, ma la volontà di mantenere aperta la ricerca e la riflessione in un luogo in cui ricordare non significhi ridurre un evento a qualcosa di pietrifi - cato, archiviato e definitivamente sigillato in se stesso ma, all’opposto, riveli interpretazioni e riletture capaci di esprimerne tutta la complessità. L’arte entra in contatto con la quotidianità, i capolavori delle avanguardie dialo - gano con la propaganda, la grammatica espositiva completa e rinnova il valore di documenti, reportage, testimonianze. Installazioni, disegni, incisioni, fotografie, dipinti, manifesti, cartoline, corrispondenze, diari condividono gli oltre tremila metri quadrati del piano su - periore del Mart e si misurano con sperimentazioni artistiche più recenti, installazioni so - nore, narrazioni cinematografiche: documentari originali, video e film. Esposti anche nu - merosi reperti bellici impiegati nella Prima guerra mondiale, il cui ritrovamento è il capitolo più recente di una vicenda ancora attuale, nella quale ogni oggetto racconta la propria storia. Il progetto allestitivo, realizzato dal designer catalano Martí Guixé , traduce le due anime della mostra, storica e contemporanea, costruendo un palinsesto che tiene insie - me follia, disordine ritmo, luce e speranza. Alle espressioni della contemporaneità è affidato il compito di amalgamare e scandire il percorso e i tempi della visita. Ne scaturisce una visione trasversale che tiene conto dei punti di vista della storia, dell’arte e del pensiero contempora - neo che contestualizza il passato. Un racconto sulla guerra e della guerra . L’allestimento è realizzato senza soluzione di continuità, affinché il visitatore scelga autonomamente da quale ingresso cominciare il proprio percorso e come costruirlo, affrontando la mostra e il suo tema in totale libertà. Ciò risulta indispensabile in un’esposi - zione tanto complessa, che emoziona, turba, disturba ma allo stesso tempo concilia e mette l’essere umano in contatto con una delle sue componenti più viscerali e oscure. La guerra che verrà non è L a prima è una mostra vertiginosa nella quale si sviluppano sottotesti tematici, focus narrativi e affondi mirati, una trama di linguaggi tra i quali spicca a più riprese, filo rosso tra i fili che la mostra intreccia, il Futurismo . L’esposizione presenta alcuni capolavori storici provenienti dalle collezioni del Mart fra i quali opere di Giacomo Balla, Anselmo Bucci, Fortunato Depero e Gino Severini . Una lunga serie di prestigiosi prestiti nazionali e internazionali provenienti da collezioni pubbliche e private e gallerie completa il progetto. Numerose, inoltre, le opere di artisti che hanno vissuto il dramma della Grande guerra, la lista comprende, oltre ai già citati ma - estri dell’avanguardia italiana, Max Beckmann, Marc Chagall, Albin Egger-Lienz, Adolf Helmberger, Osvaldo Licini, Arturo Martini, Pietro Morando, Mario Sironi ed è integra - ta dai lavori di registi dell’epoca come Filippo Butera, Segundo de Chomón, Abel Gance . L a guerra che verrà NON è L a P r IM a Tra gli artisti impegnati direttamente nel conflitto, un approfondimento è dedicato al foto - grafo cecoslovacco Josef Sudek . La guerra è raccontata non solo come esperienza vissuta in prima persona, ma anche come pensiero ricorrente nella ricerca di molti artisti tra cui Lida Abdul, Enrico Baj, Yael Bartana, Alberto Burri, Alighiero Boetti, Pascal Convert, Gohar Dashti, Berlinde De Bruyckere, Paola De Pietri, Harun Farocki, Yervant Gianikian e Angela Ricci Lucchi, Alfredo Jaar, William Kentridge, Mateo Maté, Adi Nes, ORLAN, Sophie Ristelhueber, Thomas Ruff, Anri Sala, Artur Zmijewski . Vengono inoltre presentate le migliori produzioni di alcuni artisti inediti al pub - blico italiano come la serie completa delle 15 xilografie di Sandow Birk che misurano oltre due metri e mezzo l’una. Birk narra la guerra in Iraq rifacendosi alle 18 xilografie del ciclo Les g randes m isères de L a guerre di Jacques Callot (1633) alle quali si ispirò anche Francisco Goya per la realizzazione dei famosi d esastres de L a guerra (1810-1815) sulla Guerra d’indipendenza spagnola. La celebre installazione i n F L anders Fie L ds di Berlinde De Bruyckere viene presentata per la prima volta accanto alle fotografie storiche che l’hanno ispirata, provenienti dell’archivio fotografico del In Flanders Fields Museum di Ypres (Belgio), nel quale l’artista ha trascorso un periodo di residenza. Saranno inoltre esposti l’intera serie h ouse beauti F u L : bringing the war home di Martha Rosler , una tra le più note riflessioni sul rapporto fra guerra e media; a t L an - tic w a LL di Magdalena Jetelová , installazione fotografica sui bunker della Seconda guerra mondiale, ispirata ai testi del filosofo francese Paul Virilio e l’installazione p icnic o i L buon so L dato di Fabio Mauri con la quale l’artista aveva creato una sorta di natura morta utiliz - zando reperti originali e di uso comune del periodo bellico. Paolo Ventura , artista in residenza al Mart già ospite della Casa d’Arte Futurista Depero nel 2013, ha realizzato un progetto con - text specific dal titolo u n reggimento che va sottoterra . Infine, è straordinariamente esposto, per la prima volta dopo il recente restauro, g uerra- F esta di Fortunato Depero , proveniente dalla Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma. In occasione della mostra al Mart sono stati restaurati preziosi documenti d’ar - chivio, opere, manifesti e reperti della Prima guerra mondiale provenienti dal Museo dell’a - eronautica Gianni Caproni di Trento, dal Museo Civico del Risorgimento di Bologna, dalla Soprintendenza per i beni architettonici e archeologici della Provincia Autonoma di Trento e dalla Soprintendenza per i beni storici, artistici e etnoantropologici per le province di Venezia, Belluno, Padova e Treviso – Collezione Salce. Il volume che accompagna il progetto interpreta il racconto espositivo attraver - so i preziosi contributi di Massimo Recalcati, Rocco Ronchi, Marina Valcarenghi, Jean-Luc Nancy, Marcello Fois, Gustavo Corni, Diego Leoni, Fabrizio Rasera, Camillo Zadra, Sa - retto Cincinelli, Gabi Scardi, Marco Mondini, Paolo Pombeni, Franco Nicolis e gli ap - profondimenti di Serena Aldi, Nicoletta Boschiero, Veronica Caciolli, Selena Daly, Duccio Dogheria, Daniela Ferrari, Francesca Franco, Luca Gabrielli, Denis Isaia, Mariarosa Mariech, Marta Mazza, Luciana Senna, Alessandra Tiddia, Federico Zanoner. L a guerra che verrà NON è L a P r IM a La guerra che verrà non è la prima. Grande guerra 1914-2014 è un progetto del Mart in collaborazione con Ufficio Beni archeologici della Soprintendenza per i beni cul - turali della Provincia autonoma di Trento; Museo Storico Italiano della Guerra, Rovereto; Laboratorio di storia, Rovereto; Soprintendenza per i beni storici, artistici ed etnoantropolo - gici per le province di Venezia, Belluno, Padova e Treviso; Dipartimento di Lettere e Filosofia dell’Università degli Studi di Trento; Servizio Emigrazione e Solidarietà internazionale della Provincia autonoma di Trento
Inizio: 04/10/2014
Fine: 20/09/2015
Indirizzo: Mart, Rovereto
Spazio: Mart, Rovereto
Area geografica: Nord
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Titolo: Too Early, Too Late
Introduzione: Dopo il successo riscosso lo scorso anno dalla mostra Il Piedistallo Vuoto, dedicata all’ex-blocco sovietico, ArteFiera Collezionismi presenta, all’interno del proprio programma espositivo 2015, la più ampia rassegna mai realizzata in Italia sulla scena artistica medio-orientale: Too early, too late. Middle East and Modernity a cura di Marco Scotini, con la presenza di quasi sessanta artisti, oltre cento opere - provenienti dalle più prestigiose collezioni private italiane - e documenti storici, volti a indagare il rapporto dell’Oriente con la modernità occidentale e raccontare la complessa struttura sociale di un’“area culturale” in transizione.
Descrizione: Too Early, Too Late Pinacoteca Nazionale di Bologna a cura di Marco Scotini 22 gennaio - 12 aprile 2015 Ghadirian-Shadi, Qajar#18-(radio),1998, Fotografia-in-b_n,.90x60 cm, Collezione Giuseppe Iannaccone, Courtesy: Ghadirian-Shadi Con ARTE FIERA 2015 ci si potrà trovare immersi in un viaggio alla scoperta di terre, stili e nuove forme di pensiero creativo con la tanto attesa mostra Too early, too late. La scommessa è questa: un viaggio virtuale in cui sia possibile conoscere e capire a fondo anche culture distanti, una conoscenza che faccia da cura contro ogni estremismo e pregiudizio soprattutto in un'epoca, la nostra, in cui l'onda globalizzante, quella buona, è e deve essere vista solo come un'ottima opportunità di crescita. Dopo il successo riscosso lo scorso anno dalla mostra Il Piedistallo Vuoto, dedicata all’ex-blocco sovietico, ArteFiera Collezionismi presenta, all’interno del proprio programma espositivo 2015, la più ampia rassegna mai realizzata in Italia sulla scena artistica medio-orientale: Too early, too late. Middle East and Modernity a cura di Marco Scotini, con la presenza di quasi sessanta artisti, oltre cento opere - provenienti dalle più prestigiose collezioni private italiane - e documenti storici, volti a indagare il rapporto dell’Oriente con la modernità occidentale e raccontare la complessa struttura sociale di un’“area culturale” in transizione. Too early, too late occuperà gli spazi delle esposizioni temporanee della Pinacoteca Nazionale di Bologna ma si estenderà anche all’interno delle prestigiose collezioni del Trecento (da Vitale da Bologna alle scuole tardogotiche). Questo per sottolineare il fatto che Bologna “la dotta” era tra le cinque città (con Parigi, Oxford, Avignone e Salamanca) in cui il Concilio di Vienna del 1312 decise l’istituzione delle cattedre di arabo, ebraico e siriaco, ovvero le basi dell’orientalismo nell’Occidente cristiano. Ma la data che segna l’irruzione della modernità nel campo discorsivo del pensiero musulmano coincide con l’impresa Napoleonica in Egitto (1798), quando Bonaparte sbarcò col suo esercito per esplorare il Paese. Ricostruzioni documentarie e materiali originali d’archivio si alternano a opere d’arte di natura installativa, fotografica e filmica, in modo tale da poter marcare alcuni passaggi fondamentali delle vicende culturali e politico-sociali di questa progressiva occidentalizzazione dell’Oriente - dall’introduzione dello ‘stato-nazione’ all’importazione delle spettacolari istituzioni museali negli Emirati Arabi – attraverso alcune testimonianze storiche per interrogare la produzione artistica e culturale più recente, proiettando la macchina espositiva in una pluralità di tempi, spazi e narrazioni. Nell’urgenza della situazione geopolitica in atto, la mostra Too early, too late cerca di analizzare, attraverso l’arte, i luoghi comuni che hanno accompagnato nel tempo lo scontro e il confronto tra l’idea di una tradizione orientale rispetto alla modernità di matrice occidentale. . Medio Oriente è un termine geopolitico europeo coniato da un giornale inglese alla svolta del secolo scorso. Da allora ha continuato a esistere più come oggetto teorico che come regione geografica. Così viene assunto in Too early, too late per rappresentare un’area che si estende anche al Nord Africa, Caucaso e Asia Centrale, tanto più che il centro di gravità tende a spostarsi dal mondo arabo a quello turco-iranico: dall’Egitto all’Iraq e all’Arabia Saudita, così come dall’Azerbaijan ai margini del Kazakistan e dell’Afghanistan. Proprio a causa della loro particolare posizione, Istanbul e la Turchia rivestono nella mostra un ruolo cruciale quale porta d’Oriente, sia in senso geografico che politico, con la Repubblica di Ataturk del 1924. L’esposizione, nella visione curatoriale, non tenta di registrare o riscrivere una storia, pur confrontandosi con un ampio spettro di accadimenti epocali, né di affrontare in una prospettiva post-orientalista i codici visivi e linguistici delle rappresentazioni dell’Oriente da parte dell’Occidente. Too Early, Too late cerca di ricostruire l’incontro dell’Occidente con il mondo musulmano e, concentrandosi sulla scena artistica contemporanea, si posiziona intorno a un preciso “punto topografico”, da cui osservare quest’area aprendo a una costellazione tematica che articola lo spazio espositivo e discorsivo della mostra attraverso una serie di concatenamenti, a partire dal ritrovamento dell’unica copia rimasta dei filmati di Tel al Zaatar (1977) e attraverso il quadro tracciato dal “Taccuino Persiano” di Michel Foucault per il Corriere della Sera sull’insurrezione pro-Komeini a Teheran (1979). Fino al titolo della mostra Too early, too late, tratto dal film sull’Egitto di Jean-Marie Straub e Danièle Huillet Trop tôt/Trop tard del 1981 che ridefinisce i confini negoziabili del tempo storico. Vero e proprio capolavoro della storia del cinema, il film si concentra sulle lotte contadine della Francia del 1789 e dell’Egitto del 1952. Diviso tra la campagna bretone e quella egiziana, nella prima parte una voce fuori campo legge il testo di una lettera di Engels a Karl Kautsky del 1897 a proposito di ciò che rimane della rivoluzione francese. Nella seconda parte viene recitato un frammento dalla postfazione del libro La lutte des classes in Égypt de 1945 à 1968 di due autori arabi che scrivono sotto lo pseudonimo di Mahmoud Hussein (Maspero, 1969). Per tutto il film la nota coppia di cineasti cerca di inquadrare l’orizzonte della campagna deserta trovando un punto di vista ideale tra il cielo e la terra, lì dove Engels avrebbe precisato “se la Comune del 1793 con le sue aspirazioni di fraternità è venuta troppo presto, Babeuf a sua volta è giunto troppo tardi”. Uno dei pochi film in cui si è tentato di filmare il vento (Serge Daney), così la metafora di questo secondo capitolo espositivo, che ne Il Piedistallo Vuoto era lo spettro, è ancora una forza invisibile, qualcosa che c’è ma non si vede: dal vento che scuote gli alberi della campagna prima francese poi egiziana, nelle sequenze di Straub-Huillet, al vento dei processi rivoluzionari che rovescia l’ordine della storia. Una revisione dello sguardo su ll’Oriente, invenzione dell’immaginario coloniale occidentale, offre, in un segmento spazio-temporale differente, quello della mostra, una diversa narrazione, tra percorsi di dominio e di emancipazione. La mostra sarà accompagnata da una pubblicazione edita da Mousse Publishing in cui oltre a un’intervista con Jean-Marie Straub sul film che dà il titolo al progetto compaiono numerosi contributi degli artisti sulla loro visione del rapporto con l’Occidente, insieme a un saggio di Hamadi Redissi e un testo critico del curatore Marco Scotini. L’esposizione è stata resa possibile grazie alla consulenza curatoriale di Lorenzo Paini e ai prestiti delle maggiori collezioni private italiane, tra cui la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, la Collezione Enea Righi, Collezione La Gaia di Torino, Fondazione Giuliani, Fondazione Fotografia Modena, Collezione Agiverona, Collezione Palmigiano, Fondazione Nomas, Fondazione Videoinsight. Artisti: Lida Abdul, Mustafa Abu Ali, Bisan Abu Eisheh, Etel Adnan, Vyacheslav Akhunov, Can Altay, Omar Amiralay, Ayreen Anastas, Said Atabekov, Kutlug Ataman, Fikret Atay, Kader Attia, Vahap Avsar, Mahmoud Bakhshi, Gabriele Basilico, Neil Beloufa, CANAN, Céline Condorelli, Dina Danish, Cem Dinlenmi, Peter Friedl, Rene Gabri, Sadhi Ghadirian, Yervan Gianikian - Angela Ricci Lucchi, Barbad Golshiri, Mona Hatoum, Malak Helmy, Emily Jacir, Khaled Jarrar, Lamia Joreige, Alimjan Jorobaev, Hiwa K., Hassan Khan, Abbas Kiarostami, Taus Makhacheva, Mona Marzouk, Ahmed Mater, Sabah Naim, Moataz Nasr, Navid Nuur, Walid Raad, Koka Ramishvili, Hany Rashed, Mario Rizzi, Ahmed Sabry, Roy Samaha, Hrair Sarkissian, Ariel Schlesinger, Hassan Sharif, Wael Shawky, Ahlam Shibli, Eyal Sivan, Jean Marie Straub-Danièle Huillet, Jinoos Taghizadeh, Lawrence Weiner, Mohanad Yaqubi, Amir Yatziv, Akram Zaatari. ...
Inizio: 22/01/2015
Fine: 12/04/2015
Indirizzo: Pinacoteca Nazionale di Bologna
Spazio: Pinacoteca Nazionale di Bologna
Area geografica: Nord
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Titolo: Ada Duker. Imprevedibili nature morte
Introduzione: Casa Morandi ospita l'omaggio al maestro bolognese da parte di Ada Duker, artista olandese che pone alla base della propria indagine estetica la ricerca di composizioni ritmate da linee e piani sovrapposti, nonché da geometrie costruite sull'alternarsi di luce e ombra. Soggiornando a Bologna, Ada Duker ha esplorato i portici e le strade che Giorgio Morandi abitualmente percorreva, avventurandosi con la sua macchina fotografica in un percorso creativo che rende visibile l'invisibile di una realtà architettonica, le cui soluzioni interpretative possono essere molteplici.
Descrizione: Ada Duker. Imprevedibili nature morte Casa Morandi (Via Fondazza 36) 21 gennaio – 22 marzo 2015 Inaugurazione aperta al pubblico: martedì 20 gennaio h 17.00 – 20.00 Mostra a cura di: Alessia Masi Promossa da: Istituzione Bologna Musei | Museo Morandi Con il sostegno di: Ambasciata del Regno dei Paesi Bassi a Roma Casa Morandi ospita l'omaggio al maestro bolognese da parte di Ada Duker, artista olandese che pone alla base della propria indagine estetica la ricerca di composizioni ritmate da linee e piani sovrapposti, nonché da geometrie costruite sull'alternarsi di luce e ombra. Soggiornando a Bologna, Ada Duker ha esplorato i portici e le strade che Giorgio Morandi abitualmente percorreva, avventurandosi con la sua macchina fotografica in un percorso creativo che rende visibile l'invisibile di una realtà architettonica, le cui soluzioni interpretative possono essere molteplici. Da via Fondazza, dove Morandi visse dal 1910 al 1964, e lungo quella strada che dalla sua abitazione lo conduceva all'Accademia di Belle Arti, l'artista olandese è andata in cerca delle probabili sensazioni e intuizioni che Morandi traeva da quel paesaggio urbano. Muovendosi lungo i muri “della Fondazza”, sfruttando il potere mimetico della fotografia, superando un approccio puramente estetizzante, Duker riesce in modo acuto e raffinato a prelevare dettagli e particolari architettonici di Bologna e a restituirli distillati e amplificati, dopo averli setacciati attraverso i filtri del proprio sentire. Ogni scatto è accuratamente costruito in modo da svelare alcuni particolari del paesaggio che assumono il significato metafisico di imprevedibili nature morte: inquadrature selettive isolano e valorizzano la qualità estetica e semantica di colonne, capitelli e volte, rendendo visibile all'osservatore disattento ciò che la sua capacità percettiva distrattamente ignora, ma che pure forma l'abito del luogo che vive. Il ritmico alternarsi dei piani, le sfumature dei colori, la composizione ortogonale che il pilastro crea quando incontra l'architrave rimandano immediatamente e in modo inequivocabile ad alcuni tratti distintivi dell'opera di Morandi, al suo rigore geometrico e alla sua costante ricerca di equilibrio e armonia compositiva. Duker, con la sua indagine fotografica, rintraccia le forme protagoniste delle opere di Morandi, compreso il vuoto che diventa soggetto in sé, parte integrante e persino strutturale del suo essere. In questa continua dialettica tra luce e ombra, pieno e vuoto, chiaro e scuro si distende il suo personale e originale racconto per immagini, capace di creare una relazione strettissima tra i soggetti delle rappresentazioni di Morandi e Bologna. Ada Duker è nata a Hoogeveen, Olanda nel 1955. Dal 1979 al 1985 ha frequentato l'Accademia di Belle Arti di Groningen, dove vive e lavora. Da allora è attiva come pittrice. Imprevedibili nature morte è la sua prima mostra fotografica. 1 Casa Morandi (via Fondazza 36, Bologna) . Ingresso libero Orari di apertura ART CITY Bologna 2015: venerdì 23 gennaio h 12.00 – 20.00 sabato 24 gennaio h 12.00 – 24.00 domenica 25 gennaio h 12.00 – 20.00 Orari di apertura ordinari del Museo (durante la mostra): 20 gennaio (inaugurazione) h 17.00 – 20.00; 21 e 22 gennaio h 14.00 – 18.00 dal 29 gennaio al 22 marzo: martedì – venerdì su prenotazione (tel. 051 6496611) sabato e domenica h 14.00 – 18.00 Maggiori informazioni: www.mambo-bologna.org Ufficio stampa MAMbo Elisa Maria Cerra - tel. +39 051 6496653 - elisamaria.cerra@comune.bologna.it promosso da
Inizio: 21/01/2015
Fine: 22/03/2015
Indirizzo: Casa Morandi (Via Fondazza 36), Bologna
Spazio: Casa Morandi
Area geografica: Nord
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Numerazione: 1
Titolo: L'immaginario negato della villa dei Vettii a Pompei
Introduzione: L'istituto Italiano di Cultura a Marsiglia (6, rue Fernand Pauriol) presenta una serie di iniziative, curate dalla Direttrice, Roberta Alberotanza, dedicate al sito archeologico di Pompei. Un percorso per far conoscere la fiorente città dell'Impero romano, fondata nel VI° secolo a.C., che una terribile eruzione del Vesuvio, nel 79 d.C., distrusse completamente.
Descrizione: L'immaginario negato della villa dei Vettii a Pompei conferenza e mostra martedi' 10 febbraio 2015, ore 18,00 L'istituto Italiano di Cultura a Marsiglia (6, rue Fernand Pauriol) presenta una serie di iniziative, curate dalla Direttrice, Roberta Alberotanza, dedicate al sito archeologico di Pompei. Un percorso per far conoscere la fiorente città dell'Impero romano, fondata nel VI° secolo a.C., che una terribile eruzione del Vesuvio, nel 79 d.C., distrusse completamente. Il primo incontro, alle ore 18 di martedi' 10 febbraio 2015, sarà con Maria Teresa Caracciolo, storica dell'arte, ricercatrice al CNRS, specialista della pittura europea del XVIII e XIX secolo e delle relazioni franco-italiane all'epoca della Rivoluzione e dell'Impero. La storica parlerà su POMPEI E L'EUROPA (1748-1943 ) anticipando il contenuto della mostra, che la stessa Caracciolo curerà, per il Museo Archeologico di Napoli alla fine del prossimo maggio. Sarà un affascinante racconto delle vicissitudini vissute da Pompei, dopo la scoperta del sito nel 1738. Avvenimenti strettamente legati anche ai mutamenti politici che visse l'Italia, ma Pompei è stata, come l'Araba Fenice, capace di rinascere non solo dalle ceneri, ma anche dall'oblio. Sarà l'occasione per conoscere Pompei: la grande città che gli archeologi piano piano hanno riportato alla luce, ma anche la città dell'immaginario, quella idealizzata e sognata da pittori, scrittori e musicisti. Alle 19,30 seguirà l'inaugurazione della mostra, L'immaginario negato della Villa Vettii a Pompei, curata dall'archeologa Laura Del Verme, ispettore onorario per i Beni Archeologici, che sarà presente all'inaugurazione, e dall'archeologa Marcella Cozzolino. La rassegna, prodotta da Encloplus edizioni, presenta su cinque grandi pannelli, quasi in dimensione reale, accompagnati da nove ingrandimenti di particolari, alcune riproduzioni degli affreschi di eccezionale suggestione che decorano la Villa Vettii, oggi chiusa al pubblico. Queste opere, realizzate con una tecnica straordinaria, grazie alla loro dimensione, daranno al visitatore l'illusione di passeggiare lungo le strade pompeiane e tra le meravigliose stanze delle ville che hanno ispirato per secoli viaggiatori, poeti ed artisti del mondo intero. Con l'occasione il pubblico potrà apprendere le tecniche di realizzazione, le tematiche scelte dai committenti e quali fossero gli artigiani scelti per realizzare gli affresci e i mosaici che decoravano e impreziosivano le ricche dimore dei Romani. In collaborazione con AEPHAE, association euro-méditerranéenne pour l'histoire de l'art et l'esthétique. L'esposizione resterà aperta al pubblico fino al 16 aprile 2015; da lunedì a giovedì 9.30-12.30 e 14.30-17.30 - Venerdì 9.30-12.30
Inizio: 10/02/2015
Fine: 16/04/2015
Indirizzo: 6, rue Fernand Pauriol – 13005 Marsiglia
Spazio:
Area geografica: Estero
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Titolo: L'immaginario negato della Villa Vettii a Pompei,
Introduzione: L'immaginario negato della villa dei Vettii a Pompei conferenza e mostra martedi' 10 febbraio 2015, ore 18,00 L'istituto Italiano di Cultura a Marsiglia (6, rue Fernand Pauriol) presenta una serie di iniziative, curate dalla Direttrice, Roberta Alberotanza, dedicate al sito archeologico di Pompei.
Descrizione: L'immaginario negato della villa dei Vettii a Pompei conferenza e mostra martedi' 10 febbraio 2015, ore 18,00 L'istituto Italiano di Cultura a Marsiglia (6, rue Fernand Pauriol) presenta una serie di iniziative, curate dalla Direttrice, Roberta Alberotanza, dedicate al sito archeologico di Pompei. Un percorso per far conoscere la fiorente città dell'Impero romano, fondata nel VI° secolo a.C., che una terribile eruzione del Vesuvio, nel 79 d.C., distrusse completamente. Il primo incontro, alle ore 18 di martedi' 10 febbraio 2015, sarà con Maria Teresa Caracciolo, storica dell'arte, ricercatrice al CNRS, specialista della pittura europea del XVIII e XIX secolo e delle relazioni franco-italiane all'epoca della Rivoluzione e dell'Impero. La storica parlerà su POMPEI E L'EUROPA (1748-1943 ) anticipando il contenuto della mostra, che la stessa Caracciolo curerà, per il Museo Archeologico di Napoli alla fine del prossimo maggio. Sarà un affascinante racconto delle vicissitudini vissute da Pompei, dopo la scoperta del sito nel 1738. Avvenimenti strettamente legati anche ai mutamenti politici che visse l'Italia, ma Pompei è stata, come l'Araba Fenice, capace di rinascere non solo dalle ceneri, ma anche dall'oblio. Sarà l'occasione per conoscere Pompei: la grande città che gli archeologi piano piano hanno riportato alla luce, ma anche la città dell'immaginario, quella idealizzata e sognata da pittori, scrittori e musicisti. Alle 19,30 seguirà l'inaugurazione della mostra, L'immaginario negato della Villa Vettii a Pompei, curata dall'archeologa Laura Del Verme, ispettore onorario per i Beni Archeologici, che sarà presente all'inaugurazione, e dall'archeologa Marcella Cozzolino. La rassegna, prodotta da Encloplus edizioni, presenta su cinque grandi pannelli, quasi in dimensione reale, accompagnati da nove ingrandimenti di particolari, alcune riproduzioni degli affreschi di eccezionale suggestione che decorano la Villa Vettii, oggi chiusa al pubblico. Queste opere, realizzate con una tecnica straordinaria, grazie alla loro dimensione, daranno al visitatore l'illusione di passeggiare lungo le strade pompeiane e tra le meravigliose stanze delle ville che hanno ispirato per secoli viaggiatori, poeti ed artisti del mondo intero. Con l'occasione il pubblico potrà apprendere le tecniche di realizzazione, le tematiche scelte dai committenti e quali fossero gli artigiani scelti per realizzare gli affresci e i mosaici che decoravano e impreziosivano le ricche dimore dei Romani. ___________________________________________________________________ In collaborazione con AEPHAE, association euro-méditerranéenne pour l'histoire de l'art et l'esthétique. __________________________________________________________________ L'esposizione resterà aperta al pubblico fino al 16 aprile 2015; da lunedì a giovedì 9.30-12.30 e 14.30-17.30 - Venerdì 9.30-12.30 ___________________________________________________________________ con preghiera di Pubblicazione/diffusione grazie per la cortese collaborazione __________________________________________________________________________ Per informazioni e materiali: Camilla Trombi 6, rue Fernand Pauriol – 13005 Marsiglia Tél : 04 91921286 mediateca2.iicmarsiglia@esteri.it Contacts presse: Roberta Lombardo Hurstel + 33 6 10564251//+ 33 9 65036606 hurstel.roberta@orange.fr
Inizio: 10/02/2015
Fine: 16/04/2015
Indirizzo: 6,rue fernand Pauriol Marsiglia
Spazio: Istituto Italiano di Cultura
Area geografica: Estero
Email: iicmarsiglia@esteri.it
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Titolo: Comic Strips Auction in Paris - 7 March 2015
Introduzione: Strip sale in Paris, on 7 March 2015, will feature selected works by leading comic strip artists from around the world. The sale, with its 300 lots comprising illustrations, paintings and original plates blending historical and contemporary European and American authors, is sure to appeal to international connoisseurs and collectors. Agrément N° 2001 – 002 du 25 octobre 2001 Vente dirigée par Cyrille Cohen
Descrizione: Paris | 33 (0)1 53 05 53 66 | Sophie Dufresne | sophie.dufresne@sothebys.com Paris | 33 (0)1 53 05 52 32 | Chloé Brézet | chloe.brezet@sothebys.com Comic Strips Auction in Paris - 7 March 2015 Enki Bilal - Milton Caniff - Yves Chaland - Robert Crumb - Philippe Druillet - Will Eisner - André Franquin - Gir-Moebius - Hergé - Victor Hubinon - Edgar P. Jacobs - André Juillard - Milo Manara - Jacques Martin - Winsor McCay - Frank Miller - Peyo - Hugo Pratt - François Schuiten - Albert Uderzo - Chris Paris, December 2014 – Sotheby’s is delighted to announce that their next Comic Strip sale in Paris, on 7 March 2015, will feature selected works by leading comic strip artists from around the world. The sale, with its 300 lots comprising illustrations, paintings and original plates blending historical and contemporary European and American authors, is sure to appeal to international connoisseurs and collectors. Agrément N° 2001 – 002 du 25 octobre 2001 Vente dirigée par Cyrille Cohen Artists represented include such established names as Hergé, Hugo Pratt, Peyo, Gir-Moebius, Enki Bilal and François Schuiten alongside American artists like Winsor McCay – one of the founders of transatlantic comic strips – and Milton Caniff, with the first two Sunday Pages of Steve Canyon. Highlights will be on view at Sotheby’s New York during the Comic Con fair this October. Sotheby’s is teaming up with experts Bernard Mahé and Eric Verhoest to stage this exceptional auction devoted to comic strips from around the world. Bernard Mahé, of Galerie 9e international specialist in American comic strips who has played a pioneering role in promoting comic strip art in general. Eric Verhoest, of Brussels’ Galerie Champaka, has overseen a series of exhibitions combining classic Belgian artists and contemporary authors. Bernard Mahé and Eric Verhoest have been staging museum exhibitions of Comic Strip Art for fifteen years, including Tarzan (Musée du Quai Branly in Paris) and Regards Croisés de la Bande Dessinée Belge (Musées Royaux des Beaux-Arts in Brussels), reflecting their commitment to ensuring top-quality Comic Strips enjoy the role and status they deserve. Art in Paris, is an images available on request all catalogues can be consulted online at www.sothebys.com or via Sotheby’s Catalogue i- Pad app
Inizio: 07/03/2015
Fine: 07/02/2015
Indirizzo: Parigi
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Titolo: Walter Bonatti a Milano
Introduzione: Dopo la mostra di Salgado il Palazzo della Ragione di Milano ospita il grande esploratore nonché fotoreporter Walter Bonatti. La natura è nuovamente la protagonista incontrastata, con i suoi vasti spazi e i luoghi ancora incontaminati dalla presenza disgregante dell'uomo, di questa esposizione curata da Alessandra Mauro e Angelo Ponta
Descrizione: Dopo la mostra di Salgado il Palazzo della Ragione di Milano ospita il grande esploratore nonché fotoreporter Walter Bonatti. La natura è nuovamente la protagonista incontrastata, con i suoi vasti spazi e i luoghi ancora incontaminati dalla presenza disgregante dell'uomo, di questa esposizione curata da Alessandra Mauro e Angelo Ponta. Bonatti (1930-2011), alpinista estremo e solitario nelle memorabili imprese sul Monte Bianco, in Antartide, in Indonesia o in Patagonia, ha sempre cercato di raggiungere la vera essenza della bellezza. L'esperienza di cinquant'anni di vita è stata offuscata da avvenimenti poco chiari che si sono susseguiti dopo la conquista del K2 nel 1954. Durante questa spedizione, Bonatti pensò di essere stato tradito dai suoi compagni di avventura che lo abbandonarono sulla neve sopra gli ottomila metri. Accusato ingiustamente di aver rubato l'ossigeno dalle bombole per raggiungere il traguardo, non si perse d'animo nemmeno di fronte alle accuse in tribunale enfatizzate dai mass media. La sua versatilità lo portò ad affrontare sempre nuove sfide: imparò a fotografare e a scrivere le sue imprese con la stessa caparbietà imposta per raggiungere i nuovi traguardi della montagna. Molte tra le immagini in mostra sono degli immensi autoritratti dove l'autore si pone davanti e dietro l'obiettivo. Ogni avventura è documentata in maniera indelebile dal suo personaggio, unico e incontrastato dominatore delle zone più impervie del Pianeta. La sequenza delle fotografie non è cronologica ma racchiude un significato ben preciso in un diario dove riaffiorano le visoni e ricordi.Bonatti La retrospettiva dal titolo: “Walter Bonatti. Fotografie dai grandi spazi”, partecipa a Milano Cuore d'Europa, il palinsesto multidisciplinare dedicato alle figure e i movimenti che, con la propria vita e con le opere, hanno contribuito a costruire l'identità europea. L'esposizione è promossa e prodotta dal Comune di Milano - Cultura, Palazzo della Ragione, Civita, Contrasto e GAmm Giunti. Le fotografie sono curate nei minimi dettagli e lasciano trasparire la ricerca per un certo gusto estetico. Inoltre sono accompagnate da brevi note tratte dai suoi testi tra i quali ricordiamo quelli pubblicati su Epoca tra il 1965 e il 1978. Questa sua citazione ci fa capire il suo spirito universale. “I miei maestri sono stati Jack London, Ernest Hemingway, Joseph Conrad, ai quali devo dire grazie se non ho paura di invecchiare. La loro avventura è stata la mia”. Francesca Bellola 13 novembre 2014 – 8 marzo 2015 Palazzo della Ragione Fotografia Piazza Mercanti,1 Milano galleria fotografica www.palazzodellaragionefotografia.it
Inizio: 13/11/2014
Fine: 08/03/2015
Indirizzo: Piazza Mercanti,1 Milano
Spazio:
Area geografica: Nord
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tipo: Grandi mostre
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Numerazione: 1
Titolo: “Manzù. Le donne e il fascino della figura”
Introduzione: Giovedì 12 marzo 2015 si apre al pubblico la mostra “Manzù. Le donne e il fascino della figura” a cura di Lea Mattarella. L’Area archeologica di Ostia Antica, museo e scavi, diventa luogo di profondo dialogo tra storia antica e bellezza, ospitando trenta opere del maestro bergamasco. Un fil-rouge si snoda tra le statue di divinità esposte nel museo e il fascino della donna di Manzù, tra i suoi lavori e le antiche teste auliche e stilizzate. L’evento è promosso dalla Soprintendenza Speciale per il Colosseo, il Museo Nazionale Romano e l’Area Archeologica di Roma, in collaborazione con Il Cigno GG Edizioni. Il percorso espositivo si conclude nell’ultima sala del Museo, dove è allocata la grande tela intitolata Pittore e modella, del 1958, e si snoda attraverso una serie di sculture e disegni in cui la figura, prevalentemente femminile, viene investigata con passione meticolosa, attraverso le tecniche espressive che furono tre le preferite del Maestro bergamasco: carboncino, acrilico, olio su tela, sculture in bronzo. La donna, di cui è visibile il capolavoro che Manzù tenne nella sua camera da letto per tutta la vita e che ritrae la moglie Inge, ricondotta all’essenza e alla forza del suo essere, denudata di ogni vanità terrena, è fonte inesauribile d’ispirazione per l’artista che la ritrasse fin dal 1935, in opere agli antipodi dall’approccio accademico. All’esterno le sculture dialogano sia con la storia millenaria del luogo, animando di figure l’antica città, sia con i visitatori che potranno apprezzare da vicino il lavoro del Maestro bergamasco. Come ha scritto Maurizio Calvesi, “Da amante […] egli non si è posto mai dei "modelli", né antichi né contemporanei; ma ha risposto in modo diretto al proprio sentimento dell’eros, della bellezza...”. E’ emblematico in tal senso il ritratto di Inge, futura moglie di Manzù, rappresentata nuda su uno scenario spoglio. La nudità della donna e dello spazio che la circonda, dove le suppellettili giacciono inerti su una sedia, simboleggiano l’essenza dell’amore, anche sensuale, che basta a se stesso. All’ingresso dell’area un cardinale monumentale accoglie i visitatori di Ostia Antica, per ricordare che oltre alle donne Manzù fu scultore e interprete straordinario ed anche innovativo dell’arte sacra, di cui appunto la serie dei cardinali e la Porta della Morte in San Pietro sono capolavori dell’arte plastica del Novecento. La mostra sarà corredata da un percorso creato ad hoc con forex esplicativi, totem e pannelli, che illustreranno al visitatore la vita e le opere dell’artista. Una piantina, infine, permetterà allo spettatore di rintracciare agilmente le sculture nell’area dello scavo. Il Cigno GG Edizioni Piazza San Salvatore in Lauro, 15
Descrizione: “Manzù. Le donne e il fascino della figura” Giovedì 12 marzo 2015 si apre al pubblico la mostra “Manzù. Le donne e il fascino della figura” a cura di Lea Mattarella. L’Area archeologica di Ostia Antica, museo e scavi, diventa luogo di profondo dialogo tra storia antica e bellezza, ospitando trenta opere del maestro bergamasco. Un fil-rouge si snoda tra le statue di divinità esposte nel museo e il fascino della donna di Manzù, tra i suoi lavori e le antiche teste auliche e stilizzate. L’evento è promosso dalla Soprintendenza Speciale per il Colosseo, il Museo Nazionale Romano e l’Area Archeologica di Roma, in collaborazione con Il Cigno GG Edizioni. Il percorso espositivo si conclude nell’ultima sala del Museo, dove è allocata la grande tela intitolata Pittore e modella, del 1958, e si snoda attraverso una serie di sculture e disegni in cui la figura, prevalentemente femminile, viene investigata con passione meticolosa, attraverso le tecniche espressive che furono tre le preferite del Maestro bergamasco: carboncino, acrilico, olio su tela, sculture in bronzo. La donna, di cui è visibile il capolavoro che Manzù tenne nella sua camera da letto per tutta la vita e che ritrae la moglie Inge, ricondotta all’essenza e alla forza del suo essere, denudata di ogni vanità terrena, è fonte inesauribile d’ispirazione per l’artista che la ritrasse fin dal 1935, in opere agli antipodi dall’approccio accademico. All’esterno le sculture dialogano sia con la storia millenaria del luogo, animando di figure l’antica città, sia con i visitatori che potranno apprezzare da vicino il lavoro del Maestro bergamasco. Come ha scritto Maurizio Calvesi, “Da amante […] egli non si è posto mai dei "modelli", né antichi né contemporanei; ma ha risposto in modo diretto al proprio sentimento dell’eros, della bellezza...”. E’ emblematico in tal senso il ritratto di Inge, futura moglie di Manzù, rappresentata nuda su uno scenario spoglio. La nudità della donna e dello spazio che la circonda, dove le suppellettili giacciono inerti su una sedia, simboleggiano l’essenza dell’amore, anche sensuale, che basta a se stesso. All’ingresso dell’area un cardinale monumentale accoglie i visitatori di Ostia Antica, per ricordare che oltre alle donne Manzù fu scultore e interprete straordinario ed anche innovativo dell’arte sacra, di cui appunto la serie dei cardinali e la Porta della Morte in San Pietro sono capolavori dell’arte plastica del Novecento. La mostra sarà corredata da un percorso creato ad hoc con forex esplicativi, totem e pannelli, che illustreranno al visitatore la vita e le opere dell’artista. Una piantina, infine, permetterà allo spettatore di rintracciare agilmente le sculture nell’area dello scavo. Il Cigno GG Edizioni Piazza San Salvatore in Lauro, 15
Inizio: 12/03/2015
Fine: 15/04/2015
Indirizzo: Ostia antica Roma
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Titolo: Open Source, un progetto site-specific allo Studio Museo Francesco Messina di Milano
Introduzione: Apre i battenti allo Studio Museo Francesco Messina “OPEN SOURCE, mobilità, moltiplicazione, inserimenti” il progetto dello scultore Alberto Gianfreda che ha inaugurato il 17 marzo il ciclo di quattro site-specific “I giovani maestri” che il museo ospiterà fino alla fine di giugno. “OPEN SOURCE” resterà aperto al pubblico fino al 5 aprile.
Descrizione: Open Source, un progetto site-specific allo Studio Museo Francesco Messina di Milano Apre i battenti allo Studio Museo Francesco Messina “OPEN SOURCE, mobilità, moltiplicazione, inserimenti” il progetto dello scultore Alberto Gianfreda che ha inaugurato il 17 marzo il ciclo di quattro site-specific “I giovani maestri” che il museo ospiterà fino alla fine di giugno. “OPEN SOURCE” resterà aperto al pubblico fino al 5 aprile. “Queste opere mettono in mostra una relazione tra l’arte e la città che viene trasformata e immaginata come uno spazio sperimentale dove rileggere le dinamiche con cui la abitiamo - ha dichiarato Filippo Del Corno, assessore alla Cultura -. Le sculture rappresentano anche un nuovo modo di abitare lo spazio e, anche grazie ai momenti laboratoriali, stimolano la nascita di nuovi linguaggi in una ricerca interdisciplinare su Milano che prende vita attraverso le interazioni fra l’artista, esperti di varie discipline e il pubblico”. Il progetto OPEN SOURCE, mobilità, moltiplicazione, inserimento di Gianfreda si articola in due fasi: un progetto espositivo e un laboratorio. Nel progetto espositivo lo scultore prova a leggere il museo come fosse la città. Individua in esso spazi di transito (il deambulatorio attorno allo sfondamento centrale del pavimento che connette i due piani), scarti di scala tra piccole e grandi costruzioni (le differenze di misura tra gli accessi rispetto all’altezza dello spazio) e preesistenze (le sculture del maestro Francesco Messina) tra le quali inserirsi cercando il dialogo con le funzioni differenti che la storia ha fatto coabitare in questo luogo. Gianfreda si inserisce nello spazio del Museo proponendo il tema della moltiplicazione e della mobilità delle sculture per riflettere sulla complessità e sull’articolazione dello spazio museale. Vengono esposte soluzioni scultoree di grande e media dimensione, caratterizzate dall’uso di materiali diversi, sviluppate negli ultimi anni di lavoro e alcune appositamente realizzate e inedite. Il piano inferiore del Museo, invece, diventa un vero e proprio laboratorio, luogo dedicato a una ricerca interdisciplinare sulla città di Milano che prenderà vita attraverso le interazioni fra l’artista, esperti di varie discipline e il pubblico. In questo caso l’artista chiede all’architettura di predisporre ed elaborare un modello della città di Milano quale strumento di lavoro. Il plastico sarà oggetto di condivisione e di dialogo tra la scultura e altre aree di ricerca, come l’economia, la sociologia, la storia, con le quali sviluppare molteplici letture e azioni incrociate al fine di far emergere nuove soluzioni e suggerire i percorsi possibili dell’intervento scultoreo nella città contemporanea. La realizzazione del modello sarà supportata tecnologicamente da The Fablab – Make in Milano. Nell’ultimo anno, infine, lo Studio Museo Francesco Messina ha ridisegnato la propria mission proponendosi quale luogo di confronto della sua collezione con le sperimentazioni, le ricerche e gli esiti della scultura contemporanea, riflettendo in modo attivo sul ruolo della scultura nel panorama urbano. Il laboratorio OPEN SOURCE si pone per Alberto Gianfreda come ulteriore tappa di un percorso di ricerca sulle “metodologie incrociate” avviato con l’architetto Stefano Larotonda, con il quale collaborerà anche in questa occasione. L’ingresso è gratuito, dal martedì alla domenica, dalle 9 alle 17.30. www.comune.milano.it/studiomessina.it www.facebook.com/museomessina
Inizio: 17/03/2015
Fine: 05/04/2015
Indirizzo: via S.Sisto Milano
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Titolo: miart 2015
Introduzione: la galleria a arte invernizzi sarà presente alla prossima edizione di miart 2015. padiglione 3 - stand B19.
Descrizione: A arte Invernizzi MiArt 2015 Padiglione 3 Stand B19 In occasione di MiArt 2015 la galleria A arte Invernizzi presenterà nel proprio stand opere di Rodolfo Aricò, Francesco Candeloro, Nicola Carrino, Alan Charlton, Carlo Ciussi, Dadamaino, Riccardo De Marchi, François Morellet, Mario Nigro, Bruno Querci, Nelio Sonego, Günter Umberg. Vernissage (solo su invito): giovedì 9 aprile 2015 ore 18-21 Apertura al pubblico: 10-11 aprile 2015 ore 12-19 12 aprile 2015 ore 11-19 FieraMilanoCity Viale Scarampo Gate 5 20149 Milano
Inizio: 09/04/2015
Fine: 12/04/2015
Indirizzo: fieramilanocity, viale scarampo,milano
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Titolo: Palma il Vecchio Lo sguardo della bellezza
Introduzione: Tra i più attivi partecipanti al rinnovamento della pittura veneta di primo Cinquecento, Jacopo Negretti, detto Palma il Vecchio, viene celebrato per la prima volta con una mostra antologica che raccoglie quasi quaranta opere provenienti dai più importanti musei del mondo. E' un itinerario interessante quello tracciato dal curatore Giovanni C.F. Villa alla GAMeC di Bergamo, atteso da oltre mezzo secolo, che fa luce sul pittore originario di Serina.
Descrizione: Palma il Vecchio Lo sguardo della bellezza Tra i più attivi partecipanti al rinnovamento della pittura veneta di primo Cinquecento, Jacopo Negretti, detto Palma il Vecchio, viene celebrato per la prima volta con una mostra antologica che raccoglie quasi quaranta opere provenienti dai più importanti musei del mondo. E' un itinerario interessante quello tracciato dal curatore Giovanni C.F. Villa alla GAMeC di Bergamo, atteso da oltre mezzo secolo, che fa luce sul pittore originario di Serina. Nato attorno al 1480, presto si trasferisce a Venezia, in anni in cui la città lagunare è attraversata da tensioni belliche per la lotta contro la lega di Cambrai, ma è anche interessata da un vivace rinnovamento pittorico di alcuni grandissimi artisti. Qui infatti Palma entra in contatto con il linguaggio pittorico di Giovanni Bellini, di Giorgione e poi decisamente di Tiziano, a cui si ispira soprattutto per la composizione monumentale, per il ritmo largo e solenne, ma non per la tensione drammatica, che è quasi del tutto assente nelle sue opere. Palma riesce a cogliere il gusto della committenza lagunare, costituendo un ideale di bellezza femminile, tanto nei ritratti di donne reali e “fittizie”, quanto nelle sante, che soddisfano non solo un'esigenza di devozione, ma anche e soprattutto il piacere della contemplazione artistica. La morte prematura, avvenuta nel 1528 a Venezia, coglie l'artista nel vivo della sua produzione. Una prima sezione è dedicata agli esordi nell'ambito di Giorgione e Bellini, con paesaggi arcadici, suggestionati anche dall'opera di Jacopo Sannazaro, ove già emerge un'attenzione agli abiti e alle stoffe preziose. “Il ritratto di giovane uomo” e “Il ritratto di giovane donna” (entrambi 1510) hanno richiami classicisti, “Due ninfe in un paesaggio” (1513/14) rivela la bellezza ideale del corpo femminile, mentre “Cristo e l'adultera” (1512) mostra una cura particolare per la calda luce dei personaggi, che emergono da uno sfondo nero, e per l'elegante abito alla moda dell'adultera. Segue la sezione dedicata alle pale d'altare, alcune ancora sotto forma di polittico, altre a pala unificata. Il polittico della “Presentazione della Vergine” (1515/17), proveniente dalla Chiesa dell'Annunciata di Serina e recentemente restaurato per la mostra, ha un pannello centrale dalla vivacità narrativa con una Vergine dai luminosi capelli biondi, e altri pannelli coi singoli Santi, tra i quali spicca una Santa Apollonia dai vaporosi capelli raccolti e un po' ricadenti sulle spalle ed uno sguardo molto femminile rivolto allo spettatore. Dettaglio, si direbbe, più consono ad una donna di mondo che non ad una santa. Ancora in questa sezione l'”Assunzione della Vergine” (1514), detta anche Madonna della cintura, dai delicati panneggi svolazzanti colta nel momento in cui porge la sua cintura all'incredulo San Tommaso. Interessantissima la sala che raccoglie i ritratti sia di personaggi reali che ideali; a detta dei contemporanei Palma era maestro di “personaggi all'antica” ed egli si specializza appunto in ritratti di donne dalla bellezza composta, dall'incarnato perfetto, le forme morbide, e dalla delicata femminilità. “La suonatrice di liuto” (1515) indossa un abito ampio e pomposo ed ha uno sguardo poetico e trasognato; la stessa preziosità di stoffe si ritrova nel “Ritratto di donna in abito blu con ventaglio” (1514), dallo sguardo sfuggente e lievemente inquieto. Un altro notevole ritratto femminile è quello della cosiddetta “Bella” (1518), esposto nella sala dedicata allo studio del corpo: ancora una volta la protagonista è una donna formosa dalle spalle scoperte e rivestita di stoffe eleganti, abbondanti e vaporose, rese ancor più vive dai colpi di luce. Negli anni in cui a Venezia era vivo il dibattito sul primato tra pittura e scultura nelle arti, Palma pare dare una grande attenzione all'anatomia del corpo, rendodolo plastico e quasi tangibile. Ne è un esempio “Ninfe al bagno” (1519/20), dove molte donne sono ritratte in varie pose e movimenti, colte da diversi punti di vista. La sezione dedicata alle Sacre Conversazioni presenta, tra le altre, due tele simili dal formato oblungo, provenienti da Bergamo e da Genova; disposti in primo piano la Vergine, figura dalla solida impostazione plastica col Bambino in braccio, il Battista e la Maddalena. Sono opere sacre destinate ad una committenza laica, che apprezza la mestizia dei volti dei personaggi e i dolci paesaggi alle spalle delle figure. E proprio al paesaggio è dedicata una sala che mostra come Palma, sulla scia di Giorgione e Tiziano, sappia restituire la grandiosità degli spazi, spesso con monti lontani azzurrini, dando un senso di calma alla scena ed alle figure che la animano. L'”Incontro di Giacobbe e Rachele” (1524) restituisce allo spettatore un mondo pastorale dalla luce crepuscolare e dolce, con un'attenzione particolare agli animali: quasi una dichiarazione d'amore ai luoghi d'origine dell'artista e ai suoi monti. A concludere l'itinerario il polittico di Santa Barbara, proveniente dalla Chiesa di Santa Maria Formosa a Venezia ed esposto per la prima volta fuori dalla sua sede: considerato uno dei capolavori dell'artista, l'opera s'impone per la maestosa figura della Santa, protettrice della Scuola dei Bombardieri, il cui volto è una sintesi dei tanti ritratti femminili dipinti negli anni. Di rilievo anche un misurato San Sebastiano e una drammatica Pietà, che raffigura una Madonna dal volto segnato dal dolore mentre regge il corpo del Figlio illuminato da una calda luce. La mostra ha un percorso “agile” ed esauriente; ogni sezione è introdotta da essenziali pannelli esplicativi, da integrare tuttavia con un'audioguida, che può maggiormente approfondire lo sviluppo dell'arte di Palma e la collocazione delle opere nelle varie sale, non sempre esposte secondo la scansione tematica proposta. Stefano Pariani Palma il Vecchio – Lo sguardo della bellezza 13 marzo – 21 giugno 2015 Accademia Carrara / GAMeC, Via s. Tomaso, 53 - Bergamo
Inizio: 13/03/2015
Fine: 21/06/2015
Indirizzo: Via s. Tomaso, 53 - Bergamo
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Titolo: Caravaggio e Francesco
Introduzione: Caravaggio a Monza per la prima volta. Al Serrone della Reggia è infatti in arrivo il “San Francesco in Meditazione”, appartenente al patrimonio del Fondo degli Edifici di Culto e conservato a Roma, in deposito presso la Galleria Nazionale d’Arte Antica di Palazzo Barberini.
Descrizione: Caravaggio a Monza per la prima volta. Al Serrone della Reggia è infatti in arrivo il “San Francesco in Meditazione”, appartenente al patrimonio del Fondo degli Edifici di Culto e conservato a Roma, in deposito presso la Galleria Nazionale d’Arte Antica di Palazzo Barberini. La tela negli ultimi anni è stata oggetto di approfonditi studi scientifici che ne hanno confermato l'attribuzione al Caravaggio, avanzata sin dal suo ritrovamento a Carpineto Romano. La mostra, a ingresso gratuito, è promossa dal Consorzio Villa Reale e Parco di Monza e Il Cittadino di Monza e Brianza, mentre l'organizzazione dell'evento espositivo è curata da Culture. L'iniziativa anticipa di poche settimane l'apertura delle manifestazioni che vedranno la Villa Reale come sede di rappresentanza in occasione di Expo 2015. Apre a Monza il primo aprile la mostra “Caravaggio e Francesco: davanti al dipinto”, incentrata su “San Francesco in Meditazione” del Caravaggio, appartenente al F.E.C. - Fondo Edifici di Culto del Ministero dell’Interno. L’iniziativa si avvale del sostegno di MiBACT, Regione Lombardia, Provincia di Monza e Brianza, Comune di Monza, ed è stata realizzata con il contributo di Camera di Commercio di Monza e Brianza, Confindustria Monza e Brianza e Rottapharm Biotech. La composizione del “San Francesco in Meditazione”, come accade per molti soggetti sacri del Caravaggio, è di straordinaria essenzialità. Il santo di Assisi è rappresentato con il teschio tra le mani e una croce lignea accanto, secondo un'iconografia che si rifà alle meditazioni cappuccine. «Il dipinto, in deposito presso la Galleria Nazionale d’Arte Antica di Palazzo Barberini di Roma, fu ritrovato nel 1968 presso la chiesa di San Pietro di Carpineto Romano», dichiara il curatore dell’esposizione Andrea Dusio. «Una volta pulito e confrontato con l’opera a medesimo soggetto sita in Santa Maria della Concezione in Roma, riconosciuta all'inizio del Novecento come autografa, nel 2009 è stato definitivamente attribuito al Merisi grazie agli studi compiuti da Rossella Vodret, Carlo Giantomassi e Donatella Zari. Lo studio ha contestualmente portato a ritenere la versione di Santa Maria della Concezione, plausibilmente, una seconda versione, non necessariamente autografa, e comunque elaborata nella prima cerchia degli imitatori del Caravaggio». dal 1/4/2015 al 19/4/2015 Serrone della Villa Reale viale Brianza, 2 Monza tutti i giorni 10-19; gio 10-22, sab 4 e dom 5 aprile fino a mezzanotte ingresso libero info: tel. 039322086
Inizio: 01/04/2015
Fine: 19/04/2015
Indirizzo: viale Brianza, 2 Monza
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Area geografica: Lombardia
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Titolo: MATER. PERCORSI SIMBOLICI SULLA MATERNITÀ
Introduzione: A Pasqua e al Lunedì dell’Angelo, l’esposizione rimarrà aperta dalle 10.00 alle 20.00 Il percorso espositivo della mostra MATER. Percorsi simbolici sulla maternità, in programma fino al 28 giugno 2015, al Palazzo del Governatore di Parma, si arricchisce di un nuovo capolavoro.
Descrizione: Un capolavoro di Hayez alla mostra MATER al Palazzo del Governatore di Parma PARMA - PALAZZO DEL GOVERNATORE LA MOSTRA MATER. PERCORSI SIMBOLICI SULLA MATERNITÀ SI ARRICCHISCE DI UN NUOVO CAPOLAVORO Si tratta del Ritratto della contessa Teresa Zumali Marsili con il figlio Giuseppe, dipinto nel 1833 da Francesco Hayez A Pasqua e al Lunedì dell’Angelo, l’esposizione rimarrà aperta dalle 10.00 alle 20.00 Il percorso espositivo della mostra MATER. Percorsi simbolici sulla maternità, in programma fino al 28 giugno 2015, al Palazzo del Governatore di Parma, si arricchisce di un nuovo capolavoro. Si tratta del Ritratto della contessa Teresa Zumali Marsili con il figlio Giuseppe, dipinto nel 1833 da Francesco Hayez (1791-1882), proveniente dal Museo Civico di Lodi. Questo superbo ritratto, uno dei vertici raggiunti da Francesco Hayez in questo genere, appartiene a un periodo particolarmente significativo della carriera dell’artista che, tra gli anni venti e trenta dell’Ottocento, consolidava il suo indiscusso primato, come capofila del Romanticismo storico, nella pittura cosiddetta “civile”, relativa cioè alla rappresentazione in una chiave attuale degli eventi della storia dell’Italia moderna. La rassegna - aperta a Pasqua e al Lunedì dell’Angelo, dalle 10.00 alle 20.00 - esplora l’aspetto sacrale e archetipico della maternità e il suo ruolo fondamentale nella cultura mediterranea, attraverso 170 capolavori archeologici e artistici (da Rosso Fiorentino, Pinturicchio, Veronese, Moretto, ad Hayez, Casorati, Ernst, Giacometti, fino a Michelangelo Pistoletto e Bill Viola), provenienti da oltre 70 importanti musei e collezioni italiane. Il racconto, creato da opere di ogni epoca sul tema del grande mistero della maternità, s’interroga su quanto il valore della procreazione e la responsabilità della crescita abbiano rappresentato e continuino a rappresentare nella vita di ogni essere umano. Il percorso espositivo, suddiviso in quattro macro sezioni, accompagna il visitatore attraverso i simboli della maternità, in quel territorio dove il pensiero incontra la tecnica, i colori, il disegno e in cui nulla deve avere limiti creando uno spazio in cui il visitatore possa ritrovare la propria profonda ed esclusiva interpretazione. MATER, posta sotto l’Alto Patronato del Presidente della Repubblica, promossa dal Comune di Parma, è ideata da Elena Fontanella, curata da Annamaria Andreoli, Elena Fontanella e Cosimo Damiano Fonseca, e si fregia dei Patrocini del Ministero per i Beni e le Attività Culturali e del Turismo, della Regione Emilia Romagna e della Diocesi di Parma, con il sostegno di Barilla, Chiesi Farmaceutici, Iren, Opem, Conad Centro Nord, Fondazione Monte di Parma e Cantine Ceci e il contributo tecnico di Reale Mutua, Fidenza Village, Ikea e Tep. Parma, aprile 2015 MATER. PERCORSI SIMBOLICI SULLA MATERNITÀ PARMA, PALAZZO DEL GOVERNATORE (Piazza Giuseppe Garibaldi 2) 8 MARZO – 28 GIUGNO 2015 Orari: martedì, mercoledì, giovedì, venerdì, domenica: 10:00-20:00; sabato: 10:00-23:00; chiuso lunedì Aperta a Pasqua e Lunedì dell’Angelo, 10.00-20.00. Ingresso: intero 10,00 € ridotto 8,00 € per le seguenti tipologie: over 65, portatori handicap, insegnanti, altre categorie convenzionate con la Parte. Biglietto famiglia (due genitori con fino a due bambini), per ciascun utente di gruppi prenotati superiori alle 15 persone (max 25) con prenotazione. ridotto speciale 5,00 € per le seguenti tipologie: under 26, studenti e scolaresche con prenotazione. ingresso gratuito per le seguenti tipologie: under 6 intesa come età scolare, accompagnatori gruppi scolastici, accompagnatore disabile che presenti necessità, accompagnatore o guida per i gruppi prenotati, iscritti all’albo giornalisti, tesserati ICOM. Informazioni: www.mostramaterparma.it
Inizio: 08/03/2015
Fine: 28/06/2015
Indirizzo: Piazza Giuseppe Garibaldi 2, Parma
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Titolo: Ad exhibition - quando l'arte incontra il design
Introduzione: Gli uffici di CARTAEMATITA comunicazione visiva ospitano la mostra AD exhibition curata dall'Associazione ArtGallery Milano. L'evento presenta in maniera inedita i legami esistenti tra moda, arte e design esplorando i processi creativi di quattro protagonisti. La ricerca estetica costituisce il fil rouge che lega l'arte all'oggetto di design. Giovedì 16 aprile 2015 dalle ore 18.30 alle ore 21.00 avrà luogo l'evento serale. In questa occasione sarà possibile portare con sè non solo il ricordo di un'esperienza speciale, ma anche dei gadgets originali, realizzati appositamente per l'evento dagli artisti.
Descrizione: CARTAEMATITA comunicazione visiva e l’Associazione no profit ArtGallery Milano sono lieti di presentare la nuova mostra collettiva AD exhibition, che verrà inaugurata giovedì 16 aprile 2015 alle ore 18:30. In occasione del Fuorisalone 2015 gli uffici di CARTAEMATITA ospitano la mostra curata dall'Associazione ArtGallery Milano. L'evento presenta in maniera inedita i legami esistenti tra moda, arte e design esplorando i processi creativi di quattro protagonisti. La ricerca estetica costituisce il fil rouge che lega l'arte all'oggetto di design. Durante la mostra AD exhibition sarà possibile ammirare gli urban landscapes della pittrice Sanja Milenkovic, le illustrazioni della stilista Maja Milenkovic e l'inedito progetto "Vela" dei designer Maurizio Prina e Massimo Minchio. La mostra intende quindi sottolineare il legame tra moda, arte e design attraverso il lavoro di quattro creativi. Sanja Milenkovic nasce a Nis, in Serbia, nel 1983. All'età di diciotto anni si trasferisce a Milano dove completa gli studi in Arti visive presso l'Accademia di Brera. In questi anni ha esposto in numerose mostre collettive e personali in Italia e all'estero. Attualmente vive e lavora a Milano. Maja Milenkovic nasce a Nis, in Serbia, nel 1989. Si trasferisce a Milano e nel 2011 si laurea presso la NABA in fashion and textile design. Dopo aver partecipato alla Belgrade fashion week, rappresenta la NABA ad un concorso indetto Triumph. Attualmente lavora a Milano come Visual Merchandiser per Max Mara. Maurizio Prina nasce a Biella nel 1985. Dopo il Liceo Artistico a Novara ed il corso di Industrial Design allo IED di Milano inizia a collaborare con diversi designer di richiamo come Alessandro Ciffo, Matteo Ragni e Giulio Iacchetti. Dal 2012 affianca l’attività presso Matteo Ragni studio a quella di designer freelance. Massimo Minchio nasce a Vicenza nel 1988. Dopo un’esperienza professionale come mechanical designer inizia a coltivare la passione per il Disegno Industriale. Nel 2012 collabora con Matteo Ragni Studio e nel 2014 si laurea in Disegno Industriale allo I.U.A.V. di Venezia. Attualmente lavora come designer a Milano. In occasione dell'evento serale sarà possibile portare con sé non solo il ricordo di un'esperienza speciale ma anche dei gadgets originali, realizzati appositamente per l'evento dagli artisti. L’Associazione ArtGallery Milano da dieci anni ha a cuore la promozione di artisti emergenti, aiutandoli ad affermarsi nel difficile mercato dell’arte contemporanea.
Inizio: 16/04/2015
Fine: 19/04/2015
Indirizzo: Via Pietro Orseolo 3, Milano
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Area geografica: Milano
Email: info@associazioneartgallery.org
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Titolo: PICCIO Oltre il suo tempo
Introduzione: La mostra, curata da Francesco Luigi Maspes, è accompagnata da un catalogo che attraverso un saggio introduttivo di Francesco Rossi, già direttore per oltre trent’anni della Pinacoteca dell’Accademia Carrara di Bergamo, e alle schede critiche di ogni opera di Pierluigi De Vecchi e Maria Piatto
Descrizione: PICCIO Oltre il suo tempo Milano, Gallerie Maspes (via Manzoni 45) 29 maggio – 28 giugno 2015 La mostra, curata da Francesco Luigi Maspes, è accompagnata da un catalogo che attraverso un saggio introduttivo di Francesco Rossi, già direttore per oltre trent’anni della Pinacoteca dell’Accademia Carrara di Bergamo, e alle schede critiche di ogni opera di Pierluigi De Vecchi e Maria Piatto, autori del Catalogo ragionato dell’artista, pone l'accento su un autore che ha segnato la pittura europea dell'Ottocento. Dal 29 maggio al 28 giugno 2015, le Gallerie Maspes di Milano (via Manzoni 45) ospitano una mostra dedicata a Giovanni Carnovali detto il Piccio (Montegrino Valtravaglia, 1804 – Coltaro di Sissa, 1873), tra i maggiori maestri della pittura europea dell’Ottocento. L’evento è promosso in collaborazione con la Società per le Belle Arti ed Esposizione Permanente, la cui responsabile dell’Archivio storico Elisabetta Staudacher presenterà, attraverso un accurato saggio, documenti inediti sulla mostra postuma dedicata al Carnovali nel 1909. L’esposizione si sofferma sulla maturità del Piccio, attraverso una selezione di dodici capolavori, disposti secondo un percorso cronologico e tutti provenienti da prestigiose collezioni private, alcuni inediti o assenti dal panorama espositivo da decenni. Il percorso, in grado d’indagare le sue tematiche più riconoscibili, come l’autoritratto, il ritratto, il paesaggio, la rappresentazione mitologica e la scena religiosa, si apre con Paesaggio con bagnanti (1846), opera un tempo annoverata tra i capolavori della collezione Finazzi di Bergamo nonché tra i dipinti scelti per rappresentare il pittore alla mostra internazionale sul Romanticismo tenutasi nel 1959 alla Tate Gallery di Londra, e continua con la scena religiosa di Rebecca e il servo d’Abramo (1855 circa), esposta nel 1909 alla storica rassegna della Società per le Belle Arti ed Esposizione Permanente e mai più presentata al pubblico da oltre sessant’anni. I soggetti religiosi cedono il passo a quelli mitologici, come Selene ed Endimione (1850-55), prima di tre versioni che il Piccio dedica a questa storia di origine classica ma interpretata sulla sua tela con estremo romanticismo. Segue una versione di Agar nel deserto (1860-62), di cui si conoscono tre disegni preparatori, variante della pala d'altare d'Alzano, nota come uno dei suoi dipinti più importanti. Capolavoro indiscusso è Ritratto di Gina Caccia (La collana verde) (1862), appartenuto alla collezione della famiglia Jucker e opera tra le più note e rivoluzionarie del Carnovali per l'istantaneità della rappresentazione: Gina Caccia ospite nella villa dei Tasca viene colta nell'attimo in cui, sportasi dalla soglia della casa, vede l’arrivo del pittore. La tela appare, per molti versi, precorrere certi aspetti dell'Impressionismo e si pone come modello per i futuri Scapigliati, grazie al fondersi nella sua pittura di una nuova percezione del movimento e della forma. Fanciulla dormiente (1863): opera-documento che attesta uno dei viaggi a Parigi dell’artista. In questa città, verosimilmente proprio nell’estate del 1863, visitò la prestigiosa collezione La Caze ed ebbe la possibilità di copiare e reinterpretare un dipinto, allora attribuito a Fragonard, il cui soggetto, per impostazione iconografica e natura pittorica, appare particolarmente affine alla sua poetica Inoltre, sono proposti anche i due pendant Il giudizio di Paride e Arianna consolata da Bacco (1866-88) squisiti esempi di una resa semplice e monumentale seppur in formato ridotto e un tempo facenti parte dalla collezione Finazzi di Bergamo. Il percorso si chiude idealmente con la Madonna con il Bambino (1868-69), già nella celebre collezione Rossello, che riappare in pubblico dopo più di un secolo e con la Flora della raccolta Stramezzi di Crema eseguita nel 1871, tre anni prima della tragica scomparsa dell'artista, avvenuta per annegamento nel Po. Accompagna l’esposizione un catalogo Gallerie Maspes Edizioni, curato da Francesco Luigi Maspes, con un saggio di Francesco Rossi già Direttore per più di trent’anni della Pinacoteca dell’Accademia Carrara di Bergamo, sede nel 1974 dell’antologica dedicata al Carnovali, e le schede critiche di Pierluigi De Vecchi e Maria Piatto. Il volume ha l’obiettivo di mettere l’accento su un autore che a pieno titolo si colloca, grazie alla sua personalità e alle sue idee, all'avanguardia nel panorama della pittura italiana ed europea dell'800. Tutte le opere sono state sottoposte a un complesso ciclo di esami diagnostici da parte di Thierry Radelet, autore in passato delle indagini sul Quarto stato di Pellizza da Volpedo, che tramite operazioni non invasive di riflettografia, infrarosso, radiografia e falso colore ne svelerà i segreti e permetterà, grazie ad un saggio in catalogo, di "guardare oltre la tela” portando alla luce importanti scoperte e rispondendo a diversi interrogativi. Tra le iniziative collaterali, si segnala la conferenza “Il Piccio tra arte e scienza” di Elisabetta Staudacher e Thierry Radelet che introdurranno il pittore e presenteranno il risultato delle loro ricerche. L’intero ricavato della vendita del catalogo verrà devoluto per il restauro conservativo, curato dal Laboratorio Enrica Boschetti di Milano, del Ritratto di Gina Caccia (La collana verde), a testimonianza dell’impegno pubblico per il quale ancora una volta le Gallerie Maspes si distinguono, affiancando alla propria attività professionale una costante e approfondita ricerca sulla storia della pittura italiana dell’Ottocento. Milano, aprile 2015 PICCIO. Oltre il suo tempo Milano, Gallerie Maspes (via A. Manzoni, 45 - 20121 Milano) 29 maggio – 28 giugno 2015 Aperture straordinarie: 2 giugno Orari: da martedì a sabato e domenica 28 giugno 10-13 / 15-19 Ingresso: gratuito Catalogo: Gallerie Maspes Edizioni Info: Tel. e Fax 02.863885; info@galleriemaspes.com; www.galleriemaspes.com
Inizio: 29/05/2015
Fine: 28/06/2015
Indirizzo: (via Manzoni 45, Milano
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Area geografica: Nord
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Numerazione: 1
Titolo: La Guerra Civile Americana nelle immagini dei National Archives e della Library of Congress degli Stati Uniti”
Introduzione: L’EVENTO E LA MOSTRA - In anteprima per l’Italia presso La Casa di Vetro di via Luisa Sanfelice 3, prodotta da Eff&Ci – Facciamo Cose e curata da Alessandro Luigi Perna, inaugura il 9 maggio 2015 dalle 15.00 alle 19.30 (ingresso libero) la mostra fotografica “Nordisti contro Sudisti. La Guerra Civile Americana nelle immagini dei National Archives e della Library of Congress degli Stati Uniti”.
Descrizione: INAUGURAZIONE APERTA AL PUBBLICO SABATO 9 MAGGIO 2015 DALLE 15.00 ALLE 19.30 C/O LA CASA DI VETRO DI VIA LUISA SANFELICE 3 A MILANO HISTORY & PHOTOGRAPHY 2015 LA STORIA RACCONTATA DALLA FOTOGRAFIA IN ANTEPRIMA A 150 ANNI DALLA FINE DELLA GUERRA DI SECESSIONE NORDISTI CONTRO SUDISTI LA GUERRA CIVILE AMERICANA NELLE IMMAGINI DEI NATIONAL ARCHIVES E DELLA LIBRARY OF CONGRESS DEGLI STATI UNITI IN ESPOSIZIONE DAL 9 MAGGIO AL 28 GIUGNO 2015 Soldati unionisti trincerati lungo la riva occidentale del fiume Rappahannock a Fredericksburg, Virginia, tra il 29 aprile e il 2 maggio del 1863, foto di Andrew J. Russell - Courtesy Library of Congress L’EVENTO E LA MOSTRA - In anteprima per l’Italia presso La Casa di Vetro di via Luisa Sanfelice 3, prodotta da Eff&Ci – Facciamo Cose e curata da Alessandro Luigi Perna, inaugura il 9 maggio 2015 dalle 15.00 alle 19.30 (ingresso libero) la mostra fotografica “Nordisti contro Sudisti. La Guerra Civile Americana nelle immagini dei National Archives e della Library of Congress degli Stati Uniti”. Composta di 54 riproduzioni digitali di negativi e stampe dell’epoca, l’esposizione racconta, attraverso le immagini dei campi di battaglia e dei protagonisti politici e militari, il sanguinoso conflitto che contrappose 150 anni fa il nord e il sud degli Stati Uniti in nome della fine della schiavitù e di due visioni inconciliabili del futuro dell’America e del mondo. Le foto, provenienti dagli archivi dei National Archives and Records Administration (NARA) e dalla Library of Congress degli Stati Uniti, appartengono in gran parte alla Matthew B. Brady Collection. Autori delle immagini della collezione alcuni dei fotografi più importanti della storia della fotografia di reportage americana – lo stesso Mathew B. Brady, Alexander Gardner, Timothy O'Sullivan, etc. A questo gruppo principale di immagini si aggiungono quelle realizzate da autori minori o sconosciuti, da alcuni fotografi arruolati tra le file dei diversi corpi di ingegneri dell’esercito e quelle arrivate al Dipartimento della Guerra sottoforma di donazioni di privati cittadini. Unica eccezione è uno splendido dagherrotipo dipinto a mano dell'abolizionista John Brown realizzato dall'afro-americano (figlio di un ex-schiavo liberato) Augustus Washington (1820/21 - 1875) e conservato invece alla National Portrait Gallery di Washington. Aperta fino al 28 giugno 2015, la mostra è inserita all’interno di History & Photography, un progetto articolato in esposizioni e iniziative editoriali che ha per obiettivi principali raccontare la storia del mondo contemporaneo attraverso la fotografia e rendere fruibili al grande pubblico collezioni e archivi fotografici pubblici e privati spesso sconosciuti perfino agli addetti ai lavori. La mostra ha come partner La Casa di Vetro (www.lacasadivetro.com) che è nello stesso tempo un luogo, un concept e un’associazione culturale. Sponsor tecnico è la scuola Sistema Eduzione (www.eduzione.it) che affianca ai propri corsi di formazione professionale incontri culturali, mostre, seminari, etc. all’interno degli spazi de La Casa di Vetro. HISTORY & PHOTOGRAPHY - La fotografia ritrae e racconta la realtà ormai da quasi due secoli. È partendo da questo presupposto che nasce History & Photography, un progetto che si pone 3 obiettivi principali. Il primo è quello di realizzare e promuovere esposizioni e iniziative editoriali che raccontino con la fotografia e con testi giornalistici le storie delle società contemporanee, esaltando non solo la funzione narrativa e documentale delle immagini ma anche il loro valore estetico. Il secondo è quello di valorizzare e rendere fruibili al grande pubblico i tantissimi archivi fotografici storici spesso sconosciuti o frequentati solo dagli addetti ai lavori. Il terzo obiettivo è quello, quando archivi e autori lo consentono, di offrire agli appassionati la possibilità di acquistare come gadget le immagini che vedono in mostra (e non solo come di consueto i poster) con l’idea che la fotografia debba e possa essere una forma d’arte accessibile a tutti e non solo ai collezionisti. ALESSANDRO LUIGI PERNA - Alessandro Luigi Perna (www.alessandroluigiperna.com) è un giornalista pubblicista e un ideatore/curatore di eventi, festival, iniziative culturali ed editoriali che dedica molta della sua attività professionale alla fotografia storica e contemporanea. È specializzato nella valorizzazione e promozione di archivi di fotografi, agenzie, case editrici, musei, aziende. In curriculum ha numerose iniziative per comuni, province e regioni (Milano, Bologna, ecc.). È co-ideatore di Memorandum – Festival della Fotografia Storica di Torino, Biella e Roma e ideatore di All you need is photography! Unlimited Edition Photo Festival di Milano. Con il progetto History & Photography approfondisce le sue ricerche sulla storia della fotografia (in particolare di fotoreportage) e delle società contemporanee. EFF&CI – FACCIAMO COSE – “Siamo un gruppo di persone che pensa al lavoro come ad un momento di condivisione di idee e di energie. Abbiamo creato Eff&Ci per realizzare uno spazio dove sia possibile a tanti crescere e sperimentare. La nostra attività ha una forte connotazione etica che ci guida nella ricerca delle collaborazioni: in un mondo dove forse le speranze si sono attenuate, vogliamo far partire nuove scintille”. Così Federica Candela presenta la sua EFF&CI – Facciamo Cose, società che fornisce servizi a chi opera nella cultura e nel sociale come enti pubblici e associazioni e propone agli artisti emergenti, che cercano luoghi per farsi conoscere, dal semplice supporto alle loro esigenze espositive fino alla progettazione, cura, allestimento, esposizione e promozione delle loro mostre. LA CASA DI VETRO - La Casa di Vetro (www.lacasadivetro.com ) è nello stesso tempo un luogo, un concept e un’associazione culturale che ha come obiettivo fare cultura e conoscenza nella trasparenza. Contribuiscono o hanno contribuito alla ricchezza d'esperienze della Casa di Vetro società, associazioni e istituzioni: La Casa della Carità, Risfor, Assoetica e l'AIF - Associazione Italiana Formatori, S.I.Co. Lombardia, Donnesenzaguscio, il Piccolo Teatro, CNA, Fondazione A. Petrov, Affaritaliani.it, etc. A La Casa di Vetro sono stati presentati libri, è stato dimostrato perché “Per le donne il lavoro è un'arte”, sono state vissute storie d'adozione e realizzati incontri sul tema della qabbalah, sono stati fatti reading e seminari, è stata incontrata la figlia più giovane di Gregory Bateson, è stata raccontata l'epopea del Bosone di Higgs e la storia dell'Albero della Vita, si è parlato di Giorgio Gaber, è stato intervistato Gherardo Colombo, etc. SISTEMA EDUZIONE – Sistema Eduzione, sponsor tecnico della mostra per la cui realizzazione concede i propri spazi, non è solo una scuola di formazione ma un vero e proprio insieme di opportunità di aggiornamento. Le lezioni della scuola sono infatti affiancate dalle proposte de La Casa di Vetro: incontri culturali di vario genere, mostre, seminari, presentazioni di modelli e esperienze innovative. Collabora nella stessa sede con EFF&Ci – Facciamo Cose, Assoetica, AIF, e molte altre associazioni culturali e sociali. Proprietaria della scuola è Maria Cristina Koch, epistemologa, psicoterapeuta, saggista che opera a Milano nell'ambito della relazione umana da più di quarant'anni con un'attenzione particolare ai diversi registri della comunicazione e al loro intrecciarsi. CREDITI Una produzione di: Eff&Ci - Facciamo Cose A cura di: Alessandro Luigi Perna – History & Photography Immagini di: National Archives and Records Administration Crediti obbligatori: Courtesy National Archives Courtesy Library of Congress (Richiedere le didascalie della mostra all’ufficio stampa per il dettaglio delle singole foto) Partner della mostra: La Casa di Vetro (www.lacasadivetro.com) Sponsor tecnico: Sistema Eduzione (www.eduzione.it) INFORMAZIONI Inaugurazione aperta al pubblico Sabato 9 maggio 2015 dalle ore 15.00 alle 19.30 Periodo di esposizione Dal 9 maggio al 28 giugno 2015 Orari di apertura al pubblico Tutti i giorni escluso il giovedì dalle 15.00 alle 19.30 Giorno di di chiusura settimanale Giovedì Ingresso: Gratuito
Inizio: 09/05/2015
Fine: 28/06/2015
Indirizzo: via Luisa Sanfelice 3 Milano
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Area geografica: Nord
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Titolo: GIOIELLO-ARTE E NUTRIMENTO DELL'ANIMA
Introduzione: Gioiello - arte e nutrimento dell'anima" è il titolo della mostra realizzata da Club degli Orafi Italia aperta da giovedì 25 giugno a lunedì 27 luglio al Museo Poldi Pezzoli di Milano: un percorso di ricerca sulla tradizione italiana del gioiello: dall'alto artigianato dalle botteghe rinascimentali - bene rappresentate dalla collezione permanente del Museo - alla contemporaneità dell'imprenditorialità manifatturiera.
Descrizione: GIOIELLO-ARTE E NUTRIMENTO DELL'ANIMA, Poldi Pezzoli 25/06-27/07 CLUB DEGLI ORAFI PRESENTA LA MOSTRA GIOIELLO - ARTE E NUTRIMENTO DELL'ANIMA Al Museo Poldi Pezzoli, dal 25/06 al 27/07/2015 "Gioiello - arte e nutrimento dell'anima" è il titolo della mostra realizzata da Club degli Orafi Italia aperta da giovedì 25 giugno a lunedì 27 luglio al Museo Poldi Pezzoli di Milano: un percorso di ricerca sulla tradizione italiana del gioiello: dall'alto artigianato dalle botteghe rinascimentali - bene rappresentate dalla collezione permanente del Museo - alla contemporaneità dell'imprenditorialità manifatturiera. Per la prima volta Broggian, Cesari e Rinaldi, Chantecler, Fope, Forevemark, Enzo Liverino, Vendorafa Lombardi e Vhernier espongono, tutti insieme e in un museo, pezzi delle proprie collezioni: imprese che incarnano appieno i valori del nuovo artigianato e che, innovando costantemente i materiali, i prodotti e le tecniche, non perdono mai il legame con la tradizione, la storia, il patrimonio artistico, il territorio e la qualità. La mostra, attraverso le creazioni esposte delle grandi firme dell'alta gioielleria italiana, racconta l'eccellenza, l'abilità, la raffinatezza del Made in Italy e il patrimonio di saperi unico di questo settore: l'Italia è infatti tra i maggiori produttori ed esportatori di gioielli, e i gioiellieri italiani nella storia sono stati tra i più grandi innovatori, sia dal punto di vista estetico che tecnico. Museo Poldi Pezzoli 25 giugno - 27 luglio 2015 Il Museo è aperto dalle ore 10 alle 18 (ultimo ingresso alle 17.30), chiuso tutti i martedì, biglietto (mostra + collezione permanente) 10 euro intero/7 euro ridotto
Inizio: 25/06/2015
Fine: 27/07/2015
Indirizzo: Museo Poldi Pezzoli, milano
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Area geografica: Milano
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Titolo: "Noli me tangere" Mauro Maugliani / "Ama" Carlo Alberto Palumbo
Introduzione: La Pinacoteca di Gaeta inaugura una mostra che ribadisce l’essenza della pittura e, attraverso un codice antico, racconta il tempo attuale. Gli artisti Mauro Maugliani e Carlo Alberto Palumbo interpretano, in modo indipendente, il corpo e il suo essere umano, in tutte le sue pieghe, dettagli e perfezioni, nella sua realtà e trascendenza, nell’intoccabile dicotomia vita/morte, sacro/profano.
Descrizione: PINACOTECA COMUNALE D’ARTE CONTEMPORANEA GIOVANNI DA GAETA NOLI ME TANGERE / Mauro Maugliani / a cura di Alessia Carlino AMA / Carlo Alberto Palumbo / testo critico di Marcello Carlino OPENING / sabato 30 Maggio 2015 / ore 19:00 / Via de Lieto 2/4, Gaeta Sabato 30 Maggio 2015, la Pinacoteca d’arte contemporanea di Gaeta inaugura una mostra che ribadisce l’essenza della pittura e, attraverso un codice antico, racconta il tempo attuale. Gli artisti Mauro Maugliani e Carlo Alberto Palumbo interpretano, in modo assolutamente autentico e indipendente, il corpo e il suo essere umano, in tutte le sue pieghe, dettagli e perfezioni, in tutta la sua realtà e trascendenza. La potenza espressiva di questa pittura, intrappola la visione estatica nella sospensione dell’irraggiungibile, in quella intoccabile dicotomia vita/morte, sacro/profano. L’inafferrabile diventa il punto di contatto delle due distinte cifre stilistiche di Maugliani e Palumbo, che partono entrambi dal realismo per arrivare alla metafisica pittorica; in un processo che, se per Palumbo affonda le radici nelle figurazioni di certa pittura simbolista dell’Europa di secondo Ottocento, per Maugliani giunge al cuore della metafora del sublime, delineando un enigma impossibile da descrivere. MAURO MAUGLIANI Noli me tangere narra l’evocazione di un divieto, il gesto del toccare, la seduzione tattile della materia, il corpo che diviene reliquia dello sguardo. La pittura di Mauro Maugliani incarna un simile intreccio attraverso la perfezione tecnica di ogni minuzioso dettaglio fisionomico rappresentato, esegesi di una profonda lettura dell’uomo, come essere trascendente che detta le regole di un contatto che è esente da qualsiasi forma riconducibile al reale. dal testo critico di Alessia Carlino CARLO ALBERTO PALUMBO Ama è un ciclo pittorico dove le tele si inscrivono, l’una in rapporto all’altra, l’una all’altra sommandosi, in un racconto unitario; una scoperta di sé e un’agnizione che avvengono pelle a pelle, che abbisognano della concretezza dei corpi. Simulacri (…) i corpi, recuperati e ri-posseduti come valori residuali ancora umani in un deserto disumano stipato di disvalori; la fisicità dell’eros per raccontare l’umanità dell’amore, riflessa nello specchio nella morte. dal testo critico di Marcello Carlino Maugliani e Palumbo hanno già esposto nella Pinacoteca di Gaeta, durante diverse collettive e, con la mostra oggi dedicata ai due artisti, si chiude così un ciclo di collaborazioni e un progetto di ricerca condotto dall’associazione 900 che, con coerenza e sensibilità, cura la programmazione della Pinacoteca. Durante l’inaugurazione sarà presentato il catalogo della mostra. INFO Associazione Culturale Novecento
Gestione Pinacoteca Via de Lieto, 2/4 - 04024 Gaeta (LT) pinacotecagaeta@gmail.com 0771 466 346 www.pinacotecagaeta.it Ufficio Stampa indolfi.press@gmail.com 347 9679 950
Inizio: 30/05/2015
Fine: 12/07/2015
Indirizzo: Via de Lieto, 2/4 - 04024 Gaeta (LT)
Spazio: Pinacoteca di Gaeta
Area geografica: Centro
Email: pinacotecagaeta@gmail.com
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Indirizzo (url) video o galleria fotografica: www.pinacotecagaeta.it
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Titolo: Expo Milano 2015. Nutrire il pianeta
Introduzione: Expo Milano 2015. Nutrire il pianeta Expo Milano 2015 è l’Esposizione Universale che l’Italia ospiterà dal primo maggio al 31 ottobre 2015 e sarà il più grande evento mai realizzato sull’alimentazione e la nutrizione.
Descrizione: Per sei mesi Milano diventerà una vetrina mondiale in cui i Paesi mostreranno il meglio delle proprie tecnologie per dare una risposta concreta a un’esigenza vitale: riuscire a garantire cibo sano, sicuro e sufficiente per tutti i popoli, nel rispetto del Pianeta e dei suoi equilibri. Un’area espositiva di 1,1 milioni di metri quadri, più di 140 Paesi e Organizzazioni internazionali coinvolti, oltre 20 milioni di visitatori attesi. Sono questi i numeri dell’evento internazionale più importante che si terrà nel nostro Paese. 1° maggio – 31 ottobre 2015 www.expo2015.org
Inizio: 01/05/2015
Fine: 31/05/2015
Indirizzo: Rho,Lombardia
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Area geografica: Lombardia
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Titolo: Simmetrie industriali al MAAM
Introduzione: “Tutti affermano che la bellezza visibile nasce dalla simmetria delle parti, l’una in rapporto all’altra, e ciascuna in rapporto all’insieme; dunque la bellezza di tutti gli esseri è la loro bellezza e la loro misura” (Plotino)
Descrizione: Il prossimo 6 giugno 2015 si presentano al MAAM, Museo dell’Altro e dell’Altrove di Roma, gli artisti Corrado Delfini e Sergio Angeli, la cui opera dal titolo Simmetrie industriali entrerà a far parte della collezione permanente del Museo. Già insieme in mostra con La Materia dell’Assenza (Marino, marzo 2015) sotto la curatela di Lorenzo Canova, aprono ora una nuova tappa nel loro percorso artistico invadendo la “città” di Metropoliz, citando l’antropologo nonché curatore e ideatore di questo innovativo spazio espositivo di nome Maam, Giorgio de Finis. Con Simmetrie industriali gli artisti si cimentano nuovamente in un’esecuzione work in progress a quattro mani, attraverso un’azione pittorica che parte da una visione più intimistica, quasi metafisica che combatte, si rigenera e diventa impenetrabile oltre che enigmatica di Sergio Angeli, a una sconcertante presa di coscienza di “un’umanità riprogettata dalla mano dell’artista e sospesa tra l’oblio della sparizione e la speranza della rinascita” [in La Materia dell’Assenza, catalogo della mostra, marzo 2015] in Corrado Delfini. Scheda tecnica Simmetrie industriali Artisti: Corrado Delfini & Sergio Angeli Esposizione 6 giugno 2015 dalle ore10 MAAM, Museo dell’Altro e dell’Altrove di Metropoliz Roma Fotografia: Marcella Persichetti Ufficio stampa: ArtComunicazione artcomunicazione@gmail.com Crediti: www.corradodelfini.it www.sergioangeli.it
Inizio: 06/06/2015
Fine: 06/06/2015
Indirizzo: Via Prenestina, 913, Roma
Spazio: MAAM
Area geografica: Roma
Email: artcomunicazione@gmail.com
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Titolo: ANDY WARHOL: the revolution of Pop Art
Introduzione: Un evento che presenterà le opere dell’artista americano con l’obiettivo di introdurre i visitatori nella rivoluzione globale e nel rinnovamento stilistico che ha modificato per sempre l’Arte e l’approccio di realizzazione dell’opera, eliminando il concetto di élite sdoganando le ricerche artistiche ai ceti popolari verso cui gli artisti rivolgevano la propria attenzione (pensando proprio ad una frase di Warhol “una Coca Cola è sempre una Coca Cola, lo sa Liz Taylor, lo sa il Presidente degli Sati Uniti, lo sa il barbone e lo sai anche tu”).
Descrizione: Andy Warhol: the revolution of Pop Art, è il titolo della mostra organizzata dall’Assessorato alla Cultura del Comune di Peschiera del Garda in collaborazione con MV Eventi presso la Palazzina Storica, in Parco Catullo, dal 7 Giugno al 13 Settembre 2015. Un evento che presenterà le opere dell’artista americano con l’obiettivo di introdurre i visitatori nella rivoluzione globale e nel rinnovamento stilistico che ha modificato per sempre l’Arte e l’approccio di realizzazione dell’opera, eliminando il concetto di élite sdoganando le ricerche artistiche ai ceti popolari verso cui gli artisti rivolgevano la propria attenzione (pensando proprio ad una frase di Warhol “una Coca Cola è sempre una Coca Cola, lo sa Liz Taylor, lo sa il Presidente degli Sati Uniti, lo sa il barbone e lo sai anche tu”). Nato il 6 Agosto 1928 a Pittsburgh da immigrati cecoslovacchi, Andy Warhol ha fatto della provocazione e dell’ironia il suo modus operandi, creando una vera e propria filosofia, fatta di aforismi e cortometraggi, “pronta all’uso”. Una genialità costruita attorno al concetto di Artista, associandolo a una macchina di riproduzione seriale, costantemente legata alla ripetizione ossessiva di un’azione, forse fine a sé stessa. Massimo interprete del proprio tempo, intuì che usare come modello per un quadro la spesa fatta al supermercato rappresentava la migliore strada per aprire l’arte alla rivoluzione del consumismo e della comunicazione di massa. Basti pensare alla Factory e alle sue celebri serigrafie, finalizzate a produrre immagini in serie, creando un parallelo con la produzione industriale a ciclo continuo per prodotti destinati al grande pubblico. Icone riconosciute e riconoscibili che, prelevate dal loro abituale contesto, assumono un effetto straniante acquistando nuova vita e dignità estetica, per dar loro una cornice artistica in grado di investirli di valori prima assenti. In questo modo il concetto di unicità dell’opera d’arte vacilla, mentre in costante ascesa è l’importanza della fase creativa e del mondo dell’Idea. L’artista Popular lavora con fotografie, serigrafie, grafiche, fumetti, non si sporca più le mani alla maniera di Pollock con barattoli di colore e sgocciolamenti, anzi, il tocco dell’artista è minimo, assente in molti casi, in quanto gli intenti sono essenzialmente iconici (“Ho cercato di farli i quadri a mano” affermerà in un’intervista “ma ho constatato che era più facile servirmi di un’intelaiatura serigrafica. In tal modo, non devo lavorare affatto sui miei oggetti. Uno dei miei assistenti o chiunque altro è in grado di riprodurli bene quanto me”). Le icone Pop non appartengono unicamente alla sfera materiale della collettività, ma anche alle idee, all’immaginario collettivo e allo stereotipo: il fumetto, il dollaro, i personaggi pubblici, le opere famose e inflazionate della Storia dell’Arte, tutto passa attraverso il filtro Popular che rivisita mondo e storia in chiave diversa, conferendo all’immagine una magia unica. Un percorso espositivo e didattico pensato per approfondire il personaggio e il contesto culturale della Pop Art in una Factory che tutto cambia e che tutto rinnova. “È la prima volta che Peschiera ospita un evento artistico di simile pregio” afferma il Sindaco Orietta Gaiulli, “quest’esposizione si somma alle molte iniziative culturali già realizzate, ma con un valore in più: riuscire a coniugare passato, presente e futuro; correnti artistiche geniali e innovative con il retroterra storico che contraddistingue la nostra cittadina. Promuovere un progetto come questo significa integrare la nostra offerta turistica, innalzarne visibilmente il livello artistico e valorizzare, al contempo, le eccellenze di cui il territorio dispone”. “Ho deciso, fin dalle prime battute, di sposare questa iniziativa” sostiene l’Assessore alla Cultura, Elisa Ciminelli, “Andy Warhol è stato uno degli artisti più influenti del XX secolo, un innovatore che ha operato con gli strumenti dell’ironia e della provocazione. Non soltanto maestro indiscusso della Pop Art, ma anche celebre regista cinematografico. È per me un onore, e un piacere, ospitare una mostra dedicata a questo straordinario artista. Mi auguro che ciascun visitatore possa emozionarsi quanto me e ‘vivere’ a pieno un’esposizione che non vuol essere solo momento artistico e mondano, ma anche personale e meditativo”. “L’esposizione” afferma Matteo Vanzan di MV Eventi, curatore della mostra “offrirà ai visitatori, sia le opere originali di Warhol, sia un excursus sui principali artisti americani per comprendere lo stile inconfondibile di un movimento che, dagli anni Sessanta ad oggi, non solo ha sconvolto le regole del mondo dell’Arte, ma ha abbattuto il limite temporale della corrente artistica restando attuale anche ai giorni nostri”. La maturazione artistica di questi artisti infatti è imprescindibilmente legata al contesto storico e alla società, creando un rimando ai moderni mezzi di comunicazione e alle icone del nostro tempo, filtrati dagli stili inconfondibili di quegli artisti immortali. La mostra gode della collaborazione di Radio Verona, main partner per la comunicazione dell’evento. La mostra sarà aperta al pubblico tutti i giorni da domenica 7 Giugno a domenica 13 settembre 2015, dalle ore 10:00 alle ore 22:00, con biglietto d’ingresso di 5 Euro a persona.
Inizio: 07/06/2015
Fine: 13/09/2015
Indirizzo: parco Catullo, Peschiera del Garda
Spazio: Palazzina Storica
Area geografica: Nord
Email: info@mveventi.com
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Numerazione: 1
Titolo: La Caduta: ABC e Fondazione Giovanni Lindo Ferretti
Introduzione: Venerdì 5 giugno, alle 19, Piazza Santo Stefano, una delle piazze più suggestive di Bologna, sarà cornice della prima stazione di una via appena iniziata con “Il tramonto svela la tela. Uno scatto fotografico per una pala d'altare”, evento organizzato da ABC, dalla Fondazione Giovanni Lindo Ferretti SAGA il canto dei monti e dalla Diocesi di Bologna, in collaborazione con la Chiesa di Santo Stefano e la Comunità di San Giovanni, e con il patrocinio di Assessorato alla Cultura Regione Emilia-Romagna, Genus Bononiae e CNA.
Descrizione: Come un bardo d'altri tempi Giovanni Lindo Ferretti evocherà la nascita del teatro barbarico montano, principale pilastro della Fondazione, costituita lo scorso dicembre nell'alta valle del Secchia, sull’Appennino tosco emiliano, in una sede fatta da una casa, un capannone e due grandi stalle, recuperati per preservare e tramandare la necessità e il piacere di vivere in montagna in un tempo in cui il mondo si sgretola, rovina su di sé, scivola in basso, al piano, in città. La tela, che sarà svelata dallo stesso Ferretti all’interno della chiesa dei Santi Vitale e Agricola, è La Caduta, scatto fotografico per una pala d’altare realizzata da Andrea Angione nell’arena equestre della Fondazione, e divenuta manifesto e gonfalone della stessa, raffigurante l’episodio della caduta da cavallo e conversione di Saulo, con Giovanni Lindo nelle vesti di San Paolo, Marcello Ugoletti come suo scudiero, e Ben, cavallo frisone. Fotografo appassionato di pittura classica con una predilezione per le grandi scene religiose, rappresentate con uno studio della luce e una scelta dei personaggi di forte impatto realistico e di richiamo caravaggesco, Angione ha fortemente voluto Ferretti nella rappresentazione di questa scena, per la chiara vicinanza dell’artista emiliano all’esperienza della conversione. La Fondazione Ferretti ha così sposato il progetto del giovane fotografo toscano - "in un tempo in cui non si costruiscono più altari e cappelle devozionali e di quelli che restano non si sa bene che fare" - facendone manifesto del proprio teatro: il teatro barbarico montano. La Caduta, immagine composita e complessa, contiene gli elementi essenziali ad illustrare la visione da cui nasce la disciplina dell’operare della Fondazione: la terra, tornare alla terra, orizzonte di chi muove a cavallo, la rovinosa caduta, lo sforzo, la volontà e l’urgenza di rialzarsi. L'irruzione del divino nella quotidianità. L’oggetto e scopo della “Fondazione Giovanni Lindo Ferretti SAGA il canto dei monti“ è la rigenerazione culturale di una civiltà del vivere sui monti operando in una quotidianità che fa del non abbandonare la propria terra, la propria storia, l’indiscutibile priorità; un progetto nato per la volontà di tre persone, tre storie dei giorni nostri che, in modo diverso ma complementare, sono legate per genealogia, interesse e scelta di vita al crinale dell’Appennino tosco emiliano: iuxta fluvium qui vocavit Sicla. Le attività della Fondazione sono legate alla produzione di discipline equestri, umane, teatrali e artistiche, al mantenimento, cura ed addestramento di un gruppo di venti cavalli, alla ristrutturazione dell’azienda agricola, alla costruzione di un’arena all'aperto, alla conservazione del paesaggio fisico, culturale ed umano delle nostre montagne.
Inizio: 05/06/2015
Fine: 05/06/2015
Indirizzo: Sagrato della Basilica di Santo Stefano, Via Santo Stefano 24, Bologna
Spazio: Basilica di Santo Stefano
Area geografica: Nord
Email: abc.bo@libero.it
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Titolo: Reflective Landscape. Il paesaggio veneto e i suoi produttori
Introduzione: Obiettivo del progetto è ritrarre produttori attivi nel settore agricolo, nell’allevamento e nella trasformazione dei prodotti derivati da tali attività, appartenenti a diverse aree geografiche del Veneto. Le opere in mostra intendono portare alla luce quegli interpreti solitari e isolati, non sempre noti e visibili al grande pubblico, che contribuiscono ogni giorno alla creazione di un valore condiviso e alla costituzione di un patrimonio comune. I soggetti della fotografia contemplano, vivono e proteggono la loro terra, il filare di alberi, la casa dei padri, l’architettura e il suo genius loci.
Descrizione: Si chiama “Reflective Landscape. Il paesaggio veneto e i suoi produttori” la mostra organizzata dalla Fondazione Marcianum che fino al 21 luglio si tiene nel Chiostro del Seminario Patriarcale di Venezia. L’esposizione, organizzata in collaborazione con Venice to Expo 2015, Confagricoltura Veneto e Università IUAV di Venezia, raccoglie 48 opere fotografiche di otto artisti: Fatima Abbadi, Francesco Barasciutti, Stefano Busato, Ferdinando Fasolo, Arianna Novaga, Giampaolo Romagnosi, Moreno Rocco Segafredo e Angelo Tassitano. Obiettivo del progetto è ritrarre produttori attivi nel settore agricolo, nell’allevamento e nella trasformazione dei prodotti derivati da tali attività, appartenenti a diverse aree geografiche del Veneto. Le opere in mostra intendono portare alla luce quegli interpreti solitari e isolati, non sempre noti e visibili al grande pubblico, che contribuiscono ogni giorno alla creazione di un valore condiviso e alla costituzione di un patrimonio comune. I soggetti della fotografia contemplano, vivono e proteggono la loro terra, il filare di alberi, la casa dei padri, l’architettura e il suo genius loci. Dall’incontro tra i fotografi, i produttori e il contesto in cui essi operano è nata l’idea di eseguire due scatti diametralmente opposti: il soggetto viene infatti colto di fronte e di spalle e diventa il punto di snodo visivo attorno al quale ruota l’ambiente in cui opera. Questo espediente ha permesso di creare una sorta di “doppio ritratto” che determina uno sguardo fotografico del tutto inedito. Le opere in mostra offrono infatti più vedute di una stessa figura, rappresentando così diversi punti di vista sul paesaggio veneto. “L’idea alla base del progetto si fonda su una consapevolezza diffusa: ciò che si consuma deve essere restituito” - spiega il prof. Leonardo Ciacci, ideatore e co-curatore del progetto - “Si tratta di un concetto forse in parte accantonato durante la fase matura dell’industrializzazione ma legato all’agricoltura e alle sue tradizioni più antiche, che trova nei nuovi interpreti di quei mestieri, mai sostituiti dalla tecnologia ma piuttosto rinnovati da pratiche e possibilità nuove, una sensibilità e un’attenzione volte a rendere il lavoro motivo di arricchimento del paesaggio. ‘Reflective Landscape’ propone ritratti di agricoltori, di imprenditori che hanno fatto della loro attività un’occasione per arricchire di segni e di qualità la loro terra, disegnando con cura campi e coltivazioni, restaurando e conservando edifici storici, usando creatività e cultura per rinnovare paesaggi antichi e renderli ancora produttivi”. Il progetto, a cura dei prof. Leonardo Ciacci e Angelo Maggi, docenti dell’Università IUAV di Venezia, si colloca nel calendario di iniziative di Venice to Expo 2015. Decisivo per la realizzazione del progetto il prezioso contributo di studenti di IUAV Venezia (progettazione e allestimento) e IUSVE di Mestre (grafica e comunicazione).
Inizio: 28/05/2015
Fine: 21/07/2015
Indirizzo: Dorsoduro, 1 - Venezia
Spazio: Fondazione Marcianum, Chiostro del Seminario Patriarcale di Venezia
Area geografica: Nord
Email: press@studiocalliandro.it
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Titolo: Leonardo3 - Il Mondo di Leonardo
Introduzione: “Leonardo3 - Il Mondo di Leonardo” Le Sale del Re, Piazza della Scala - Ingresso Galleria Vittorio Emanuele II 1° marzo 2013 – 31 ottobre 2015 Milano 26 febbraio 2014. L’Assessore alla Cultura del Comune di Milano Filippo Del Corno è intervenuto insieme a Massimiliano Lisa, Mario Taddei ed Edoardo Zanon del centro studi Leonardo3 per annunciare la proroga e l’ampliamento della mostra Leonardo3 - Il Mondo di Leonardo fino alla fine dell’Esposizione Universale (prevista a Milano dal 1° maggio al 31 ottobre 2015)
Descrizione: “Leonardo3 - Il Mondo di Leonardo” Le Sale del Re, Piazza della Scala - Ingresso Galleria Vittorio Emanuele II 1° marzo 2013 – 31 ottobre 2015 Milano 26 febbraio 2014. L’Assessore alla Cultura del Comune di Milano Filippo Del Corno è intervenuto insieme a Massimiliano Lisa, Mario Taddei ed Edoardo Zanon del centro studi Leonardo3 per annunciare la proroga e l’ampliamento della mostra Leonardo3 - Il Mondo di Leonardo fino alla fine dell’Esposizione Universale (prevista a Milano dal 1° maggio al 31 ottobre 2015). La rassegna, allestita nei prestigiosi spazi delle Sale del Re, sabato 1° marzo festeggerà un anno di apertura, con una visitazione media di 3.350 visitatori alla settimana e un totale di 175 mila visitatori, di cui il 25% stranieri (nell’ordine: russi, statunitensi, inglesi, tedeschi, brasiliani, francesi, cinesi, australiani, giapponesi, messicani e altri). Le classi scolastiche che hanno visitato la mostra finora sono state oltre 600. Nel corso dei prossimi 20 mesi l’esposizione sarà sempre aperta tutti i giorni dalle ore 10 alle 23. Le uniche chiusure previste saranno il 25 dicembre e l’1 gennaio. Il 24 e il 31 dicembre la mostra chiuderà alle 16:30. Gli organizzatori sono sicuri che questo evento continuerà a essere un importante polo di riferimento nell’ambito delle mostre e dell’edutainment nella città di Milano, e che si integrerà perfettamente con le altre iniziative previste per Expo 2015. Massimiliano Lisa, presidente di Leonardo3, dichiara: «L’interesse per questa mostra non è ancora destinato a esaurirsi per una serie di motivi. Il primo è che fino al 30% di chi l’ha già visitata vi ritorna, perché le varie stazioni interattive multimediali consentono un approfondimento degli argomenti virtualmente senza fine. Il secondo è che la mostra prevede una serie di novità, che arricchiranno i contenuti e varranno una nuova visita. Il terzo è che, ovviamente, 175 mila visitatori rappresentano solo un piccolo (anche se significativo) campione del pubblico che può ancora essere interessato ai contenuti unici di questa esposizione. Abbiamo poi in serbo varie sorprese, come l’ampliamento dello spazio espositivo con nuove sale». Il Can(n)one Musicale: un “carillon” in anteprima mondiale Oggi viene presentata per la prima volta dai tempi di Leonardo la ricostruzione di uno strumento innovativo, una sorta di gigantesco carillon, che da domani sarà esposto permanentemente, e in assoluta esclusiva mondiale, all’interno della mostra “Leonardo3 – Il Mondo di Leonardo” . Si tratta del “Can(n)one Musicale” disegnato da Leonardo sul foglio 136r del Codice Arundel, oggi conservato presso la British Library di Londra. È una macchina molto complicata e non completamente descritta, ma l’idea alla base del progetto è chiara: una ruota nella quale quattro denti, simultaneamente, percuotono delle lamelle che emettono un suono all’interno di una canna amplificatrice. La ruota viene azionata da un operatore, che deve semplicemente girare una manovella. Il movimento della ruota e il successivo passaggio dei quattro denti sulle lamelle produce una musica polifonica (4 denti = 4 voci), nella quale ciascuna voce continua a inseguire le altre. Il disegno originale è accompagnato da questa nota di Leonardo: Qui io faccio una ruota fatta di canne ad uso di tabbelle con un motivo musicale chiamato canone [...] e però io faccio una ruota con 4 denti, in maniera tale che ciascun dente fa l’uffizio di un cantore. Realizzare questa macchina ha richiesto un grande sforzo dal punto di vista costruttivo. Il numero dei componenti che la costituiscono è molto elevato, e fare in modo che i quattro denti sincronizzassero le quattro voci non è stato semplice. Ma la difficoltà maggiore è stata quella di decidere cosa accadesse all’interno delle canne. Edoardo Zanon, curatore della mostra, condirettore scientifico di Leonardo3 e unico autore di questa ricostruzione, dichiara: «Nei nostri laboratori per molto tempo abbiamo discusso se queste lamelle avessero dovuto essere di metallo, di legno, pizzicate o percosse. Alla fine, ho optato per l’interpretazione più semplice ed efficace dal punto di vista sonoro, utilizzando delle lamelle di metallo pizzicate dai denti. Questa macchina è una novità assoluta e nessuno si è mai cimentato prima nella sua costruzione. Pertanto, si tratta di un prototipo assolutamente sperimentale e unico. Penso di essere stato fedele all’idea descritta da Leonardo, che, in un immaginifico incontro con il mio lavoro, sicuramente riconoscerebbe la sua macchina. Personalmente, non escludo in futuro di tentare altre soluzioni». Spesso ci si dimentica del Leonardo musicista e progettista di strumenti musicali innovativi, che sicuramente ha tentato di costruire. L’arte dell’intrattenimento musicale (e teatrale) rivestiva nelle corti una grande importanza, e pertanto chi si fosse distinto nel miglioramento e nell’invenzione di nuovi strumenti avrebbe certamente calamitato attenzione. I progetti di strumenti musicali in Leonardo sono decine, sparsi nella moltitudine dei suoi manoscritti, e se da un lato per la maggioranza si tratta di macchine relativamente semplici, come i tamburi meccanici, una più attenta analisi rivela strumenti innovativi e complessi. Il programma per i prossimi mesi Dal primo giorno di apertura, i due curatori Mario Taddei ed Edoardo Zanon hanno costantemente aggiornato le varie esperienze interattive in mostra e aggiunto nuove scoperte e ricostruzioni (come il modello fisico della Macchina Volante di Milano). Uno dei motivi del successo di “Leonardo3 – Il Mondo di Leonardo” è stata proprio questa continua evoluzione del percorso espositivo. Le principali novità che verranno presentate e aggiunte alla collezione in mostra nei prossimi mesi sono: »» Marzo 2014. Dopo la Clavi-Viola, già esposta in mostra, il Can(n)one Musicale rappresenta la seconda esclusiva assoluta esposta in questa mostra, per quel che riguarda strumenti musicali funzionanti. A maggio ne saranno presentati altri… »» Aprile 2014. Balestra Veloce: la prima e unica balestra “a ripetizione della storia”. »» Maggio 2014. Nuovi strumenti musicali: Piva a vento continuo, Organo di Carta, Flauti Glissati e Tamburo Elastico. »» Giugno 2014. Leonardo Virtual Reality: L’Ultima Cena. »» Ottobre 2014. Aquila Meccanica. Il programma delle novità per il 2015 verrà annunciato in seguito. Mario Taddei, curatore della mostra e condirettore scientifico di Leonardo3, sta lavorando ai progetti dell’Ultima Cena in Realtà Virtuale e dell’Aquila Meccanica, e conclude: «Siamo certi che con queste nuove ricostruzioni sapremo stupirvi e meravigliarvi, proprio come voleva sempre fare lo stesso Leonardo». LA MOSTRA La mostra è curata dal centro studi Leonardo3 di Milano che ne ha realizzato interamente tutti i contenuti e che la gestisce direttamente. “Leonardo3 – Il Mondo di Leonardo” rappresenta un appuntamento importante per famiglie, studenti, turisti e per chiunque sia interessato a scoprire Leonardo da Vinci, con modalità e soggetti mai visti prima. Vengono presentate oltre 200 macchine interattive in 3D, oltre a ricostruzioni fisiche, molte inedite e mai realizzate dopo Leonardo, ricreate nel rigoroso rispetto del progetto originale, che si ritrova nelle migliaia di pagine, appunti e disegni contenuti nei più importanti manoscritti arrivati fino ai nostri giorni: il Manoscritto B, il Codice del Volo e il Codice Atlantico. Dallo studio di quest’ultimi sono state ricreate macchine suggestive: la Clavi-Viola, il Leone Meccanico, l’Automobile-Robot, il Cavaliere-Robot, la Bombarda multipla, e molte altre. Tra le anteprime mondiali vengono svelati per la prima volta pubblico le ricostruzioni inedite di Can(n)one Musicale, Macchina Volante di Milano, Sottomarino Meccanico, Macchina del Tempo, Cubo Magico e Libellula Meccanica. Tutta la mostra è caratterizzata da esperienze interattive in 3D per il pubblico, tra le quali: il Codice Atlantico in edizione completa, con oltre 1100 fogli consultabili digitalmente; Leonardo a Milano, che consente di vivere in prima persona la costruzione della Macchina Volante di Milano, della torre più alta del mondo prevista al Castello Sforzesco e di dipingere l’Ultima Cena. Al Cavallo gigante, ovvero Il Monumento a Francesco Sforza, è dedicata una stazione che svela anche come avrebbe potuto essere il monumento completo. Le esperienze interattive sono tutte anche in lingua inglese, per favorire la fruibilità dei contenuti anche al pubblico internazionale (le audio-guide oltre che in italiano sono anche in inglese, spagnolo, russo, tedesco, francese e cinese). I visitatori possono sfogliare e comprendere facilmente e in maniera affascinante i contenuti dei fogli di Leonardo, utilizzare le sue invenzioni come mai prima, vivendo esperienze interattive, alcune destinate espressamente ai più piccoli, come Il Laboratorio di Leonardo, che consente di assemblare macchine leonardiane e stampare il proprio certificato di inventore, e il Ponte Autoportante da costruire fisicamente. Per quel che riguarda l’arte, l’importante restauro digitale dell’Ultima Cena consente per la prima volta dai tempi di Leonardo di scoprire i particolari e i colori ormai perduti per sempre del celebre dipinto murale. Le Sale del Re Il 7 marzo 1865, il Re Vittorio Emanuele II pose la prima pietra per la costruzione della Galleria. Il Re volle in Galleria prestigiose Sale per ospitare incontri privati e pubblici, feste e balli sfarzosi. Oggi le Sale, dopo un accurato restauro, hanno riaperto le porte per ospitare eventi. Dall’ingresso della Galleria che si affaccia su Piazza della Scala, ascensori dedicati conducono direttamente alla biglietteria e alle Sale. È la prima volta che le Sale del Re ospitano un evento di questo tipo. L’ingresso della Galleria è il luogo perfetto a Milano per una mostra sul Maestro, dal momento che l’entrata guarda direttamente al monumento a Leonardo da Vinci in Piazza della Scala. “Leonardo3 - Il Mondo di Leonardo” Le Sale del Re, Piazza della Scala - Ingresso Galleria Vittorio Emanuele II Tutti i giorni dalle 10 alle 23 (compresi festivi e festività). Uniche chiusure previste: 25 dicembre e 1 gennaio. Il 24 e il 31 dicembre la mostra chiuderà alle 16:30. Per informazioni: Leonardo3 Tel. 02.659.77.28, info@leonardo3.net, www.leonardo3.net, www.facebook.com/leonardo3museum Patrocinio del Comune di Milano Premio di Rappresentanza del Presidente della Repubblica Radio ufficiale della mostra: Radio Monte Carlo Biglietteria: TicketOne Tariffe: € 12,00 (intero), € 11,00 (studenti e riduzioni), € 10,00 (gruppi), € 9,00 (bambini e ragazzi), € 6,00 (gruppi scolastici), € 1,00 (fino ai 6 anni). Sul sito TicketOne; nei punti vendita TicketOne; Call center 892.101 Scuole, gruppi e visite guidate: Ad Artem tel: 02.659.77.28, info@adartem.it www.adartem.it Gruppi organizzati: Call Center 199.757.414, gruppi@ticketone.it, info@tosc.it Ufficio stampa Leonardo3: Alessandra Pozzi Tel. 02.76003912, 338.5965789, pozzicomunicazione@gmail.com Media relations Le Sale del Re: Elisa Dal Bosco elisa.dalbosco@arossogroup.com; tel. 349.618.79.63
Inizio: 03/01/2014
Fine: 31/10/2015
Indirizzo: Le Sale del Re, Piazza della Scala - Milano
Spazio: Le Sale del Re, Piazza della Scala
Area geografica: Milano
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Titolo: Van Gogh. L’uomo e la terra
Introduzione: 18 ottobre 2014 - 8 marzo 2015, Palazzo Reale, Milano Van Gogh. L’uomo e la terra la mostra che aprirà a Palazzo Reale di Milano dal 18 ottobre 2014 (fino all’8 marzo 2015) è un viaggio nel mondo dell’arte, ma soprattutto nella filosofia esistenziale del grande olandese che si pone a perfetto corollario del tema di Expo 2015 - Nutrire il pianeta. Promossa dal Comune di Milano - Cultura, prodotta e organizzata da Palazzo Reale di Milano, Arthemisia Group e 24 ORE Cultura - Gruppo 24 ORE, in collaborazione con Kröller-Müller Museum di Otterlo e realizzata anche grazie al sostegno del Gruppo Unipol, l’esposizione - posta a perfetto corollario del tema di Expo 2015 - Nutrire il pianeta - documenta un viaggio nel mondo dell’arte, ma soprattutto nella filosofia esistenziale del grande artista, che cerca nel mondo contadino, nelle creature semplici e pure, il senso della vita e delle cose.
Descrizione: 18 ottobre 2014 - 8 marzo 2015, Palazzo Reale, Milano Van Gogh. L’uomo e la terra la mostra che aprirà a Palazzo Reale di Milano dal 18 ottobre 2014 (fino all’8 marzo 2015) è un viaggio nel mondo dell’arte, ma soprattutto nella filosofia esistenziale del grande olandese che si pone a perfetto corollario del tema di Expo 2015 - Nutrire il pianeta. Promossa dal Comune di Milano - Cultura, prodotta e organizzata da Palazzo Reale di Milano, Arthemisia Group e 24 ORE Cultura - Gruppo 24 ORE, in collaborazione con Kröller-Müller Museum di Otterlo e realizzata anche grazie al sostegno del Gruppo Unipol, l’esposizione - posta a perfetto corollario del tema di Expo 2015 - Nutrire il pianeta - documenta un viaggio nel mondo dell’arte, ma soprattutto nella filosofia esistenziale del grande artista, che cerca nel mondo contadino, nelle creature semplici e pure, il senso della vita e delle cose. Lo trova nella fatica, nel duro lavoro della vita agreste. Il corpus centrale della mostra, patrocinata dall’Ambasciata del Regno dei paesi Bassi a Roma e inserita negli eventi ufficiali del Van Gogh Europe, è costituito da opere provenienti dal Kröller-Müller Museum di Otterlo a cui se ne aggiungono altre provenienti dal Van Gogh Museum di Amsterdam, dal Museo Soumaya-Fundación Carlos Slim di Città del Messico, dal Centraal Museum di Utrecht e da collezioni private normalmente inaccessibili. La mostra pertanto si pone come un’occasione unica per approfondire, attraverso gli occhi dell’artista, il complesso rapporto tra l’essere umano e la natura che lo circonda. Ufficio Stampa Arthemisia Group Adele Della Sala - ads@arthemisia.it - M +39 345 7503572 Anastasia Marsella - am@arthemisia.it - T +39 06 69380306 Giorgia Avaltroni - press@arthemisia.it - T +39 06 69380306
Inizio: 18/10/2014
Fine: 03/08/2015
Indirizzo: Palazzo Reale di Milano
Spazio: Palazzo Reale di Milano
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Titolo: IL CIBO NELL’ARTE Capolavori dei grandi maestri dal Seicento a Warhol
Introduzione: DAL 24 GENNAIO AL 14 GIUGNO 2015 L’esposizione offrirà al pubblico l’occasione di compiere un viaggio alla scoperta della rappresentazione del cibo e degli alimenti nelle varie epoche storiche, attraverso oltre 100 opere di maestri dell’arte antica quali Campi, Baschenis, Ceruti, Figino, Recco, e di quella moderna e contemporanea, da Magritte a de Chirico, da Manzoni a Fontana, a Lichtenstein, fino a Andy Warhol.
Descrizione: BRESCIA - PALAZZO MARTINENGO DAL 24 GENNAIO AL 14 GIUGNO 2015 IL CIBO NELL’ARTE Capolavori dei grandi maestri dal Seicento a Warhol L’esposizione offrirà al pubblico l’occasione di compiere un viaggio alla scoperta della rappresentazione del cibo e degli alimenti nelle varie epoche storiche, attraverso oltre 100 opere di maestri dell’arte antica quali Campi, Baschenis, Ceruti, Figino, Recco, e di quella moderna e contemporanea, da Magritte a de Chirico, da Manzoni a Fontana, a Lichtenstein, fino a Andy Warhol. Il 2015 sarà aperto da un grande evento che segna il forte legame che unisce il cibo alle arti figurative e coniuga la tradizione enogastronomica con la cultura artistica italiana, in un arco temporale di oltre quattro secoli. Dal 24 gennaio al 14 giugno 2015 Palazzo Martinengo di Brescia ospiterà la mostra “Il cibo nell’arte. Capolavori dei grandi maestri dal Seicento a Warhol”, che presenterà oltre 100 opere di maestri dell’arte antica quali Campi, Baschenis, Ceruti, Figino, Recco, Ruoppolo, Stanchi, che dialogheranno con autori moderni e contemporanei, da Magritte a de Chirico, da Manzoni a Fontana, a Lichtenstein, fino a Andy Warhol. Il cibo nell’arte offre così un ulteriore approfondimento degli argomenti affrontati da Expo 2015, il cui tema è “Nutrire il Pianeta, Energia per la Vita”. Promossa dall’Associazione Amici di Palazzo Martinengo, con il patrocinio della Provincia di Brescia, Regione Lombardia e di EXPO 2015, e curata da Davide Dotti coadiuvato da un comitato scientifico internazionale, la rassegna, condurrà il pubblico in un lungo ed emozionante viaggio attraverso le diverse correnti pittoriche succedutesi nel corso del tempo – dal Barocco al Rococò, dal Romanticismo ottocentesco alle avanguardie del Novecento – per apprezzare le varie iconografie correlate alla rappresentazione del cibo che gli artisti hanno affrontato con estro e originalità. Il percorso espositivo, ordinato secondo un criterio iconografico e cronologico, rivelerà quanto i pittori attivi tra XVII e XIX secolo amassero dipingere i cibi e i piatti tipici delle loro terre d’origine, e farà scoprire pietanze e alimenti oggi completamente scomparsi di cui è difficile immaginare anche il sapore. Inoltre, grazie alla collaborazione con alcuni dei più rinomati dipartimenti di Scienze Alimentari delle Università italiane, che analizzeranno in maniera scientifica le tavole imbandite e le dispense immortalate nelle tele del ‘600 e ‘700, si potranno attingere preziose informazioni sull’alimentazione e i gusti dell’epoca. Dieci saranno le sezioni tematiche: L’allegoria dei cinque sensi, Mercati dispense e cucine, La frutta, La verdura, Pesci e crostacei, Selvaggina da pelo e da penna, Carne salumi e formaggi, Dolci vino e liquori, Tavole imbandite, Il cibo nell’arte del XX secolo. Chiuderà idealmente la visita la spettacolare Piramide alimentare, installazione appositamente realizzata per l’occasione dall'artista Paola Nizzoli. Tra i capolavori che si potranno ammirare in mostra si segnalano i Mangiatori di ricotta di Vincenzo Campi, il Piatto di pesche di Ambrogio Figino (la prima natura morta della Storia dell'Arte italiana, dipinta circa un lustro prima della Canestra di Caravaggio), quello che la critica specialistica ritiene essere il più importante pendant di nature morte di Giacomo Ceruti detto Pitocchetto (mai esposto in pubblico prima d'ora), il Tavolo con angurie del pittore divisionista Emilio Longoni e l’Ultima Cena di Andy Warhol, un acrilico su tela che reinterpreta in chiave pop il Cenacolo di Leonardo. Il cibo nell’arte offrirà un ricco apparato didattico per tutte classi di ogni ordine e grado. L’Associazione Culturale Amici di Palazzo Martinengo ha studiato una serie di laboratori didattici che saranno condotti da operatori didattici specializzati. Per la Scuola dell’Infanzia, Primaria e Secondaria di primo grado, si tratterà di un’esperienza multisensoriale che consiste nel riconoscimento non convenzionale di gusti, odori, colori e consistenze di vari cibi. E' prevista, in alternativa, la realizzazione di un elaborato simulando e reinterpretando il processo creativo dell’artista, utilizzando i materiali messi a disposizione tra cui pasta, frutta secca, legumi, riso, e altro. Per la Scuola Secondaria di secondo grado, oltre alle proposte di laboratori didattici, sono previsti percorsi tematici in mostra che permetteranno di approfondire alcuni aspetti e temi del percorso espositivo abbinati, talvolta, a una più breve attività pratica per fissare i concetti appresi. Inoltre, è stato istituito un concorso a premi che prevede la realizzazione in classe da parte degli studenti di un lavoro artistico, con l’obiettivo di avvicinare i ragazzi al mondo dell’arte in modo originale e innovativo, consentendo di mettere la loro fantasia creativa. Accompagna la mostra un catalogo Silvana Editoriale con approfonditi saggi storico-critici e un testo dello chef Massimo Bottura. Brescia, ottobre 2014 IL CIBO NELL’ARTE Capolavori dei grandi maestri dal Seicento a Warhol Brescia, Palazzo Martinengo (via dei Musei 30) 24 gennaio - 14 giugno 2015 Orari: da mercoledì a venerdì: dalle 9.00 alle 18.00; sabato, domenica e festivi: dalle 10.00 alle 20.00 lunedì e martedì chiuso Biglietto audioguida inclusa: € 10 intero; € 8 ridotto Biglietto ridotto scuole: € 5 Informazioni e prenotazioni: Tel. 030.5785122; http://www.ticket.it/cibo Informazioni e prenotazioni scuole: dal lunedì al venerdì, dalle 10.00 alle 19.00 tel. 339.8384933; mostre@amicimartinengo.it Sito internet: www.mostraciboarte.it Ufficio stampa CLP Relazioni Pubbliche Anna Defrancesco, tel. 02 36 755 700 anna.defrancesco@clponline.it; www.clponline.it Comunicato stampa e immagini su www.clponline.it
Inizio: 24/01/2015
Fine: 14/06/2015
Indirizzo: BRESCIA - PALAZZO MARTINENGO
Spazio: PALAZZO MARTINENGO
Area geografica: Nord
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Numerazione: 1#
Titolo: THE CINEMA SHOW
Introduzione: Sabato 7 febbraio alle 18.00 la Galleria civica di Modena inaugura a Palazzo Santa Margherita "The Cinema Show", un allestimento di opere dalla Raccolta della Fotografia del museo modenese a cura di Daniele De Luigi e Marco Pierini. La selezione delle immagini è consacrata alla settima arte e ai suoi protagonisti: un nucleo consistente attinge al fondo Franco Fontana, mentre numerose fotografie provengono da nuove acquisizioni che andranno ad arricchire il patrimonio della Galleria.
Descrizione: THE CINEMA SHOW FOTOGRAFIE DALLA COLLEZIONE DELLA GALLERIA CIVICA DI MODENA Sabato 7 febbraio alle 18.00 la Galleria civica di Modena inaugura a Palazzo Santa Margherita "The Cinema Show", un allestimento di opere dalla Raccolta della Fotografia del museo modenese a cura di Daniele De Luigi e Marco Pierini. La selezione delle immagini è consacrata alla settima arte e ai suoi protagonisti: un nucleo consistente attinge al fondo Franco Fontana, mentre numerose fotografie provengono da nuove acquisizioni che andranno ad arricchire il patrimonio della Galleria. Il percorso espositivo abbraccia un secolo di cinema: dal cortometraggio sperimentale "Thaïs" di Anton Giulio Bragaglia, del 1917, lungo tutto il Novecento fino ai film italiani e internazionali degli ultimi anni e ai suoi protagonisti, da Woody Allen a Bill Murray, da Nanni Moretti a Paolo Sorrentino. Fotografie di scena, ritratti in studio, scatti eseguiti durante le pause sul set oppure in strada di sorpresa, restituiscono un affresco variopinto del mondo del cinema e la sua dimensione sospesa tra realtà e immaginario. Tra i divi e le dive messi in posa ci sono Marlene Dietrich e Carroll Baker, John Huston e Tony Curtis, Totò e Roberto Benigni, Claudia Gerini e Cristiana Capotondi. Klaus Kinsy è ritratto con in braccio il figlio Nanhoï, mentre Marilyn Monroe, Anna Magnani, Audrey Hepburn compaiono “paparazzate”. Celebri registi sono rappresentati sui set dei loro film, in momenti di concentrazione (Visconti, Antonioni), impegnati in intense conversazioni con gli attori (Bertolucci con Depardieu in Novecento, Pasolini con la Callas in Medea) o intenti a illustrare l'esecuzione della scena (Fellini in 8 e ½, i Taviani in Kaos). Anche gli attori compaiono spesso colti sul set, durante la recitazione o in momenti di distrazione, come Eduardo De Filippo che scherza con Mastroianni. Un'ampia sezione della mostra è poi dedicata alla fotografia di scena, con immagini scattate da alcuni dei più grandi interpreti di questo particolare genere fotografico sui set di film come La terra trema e Quarto potere, e a star quali Robert De Niro, Alberto Sordi, Jane Fonda, Charlotte Rampling, Ingrid Bergman. La rassegna presenta l'opera di una quarantina di fotografi, alcuni che hanno dedicato un'intera vita professionale al cinema, altri che nel corso della loro carriera ne hanno ritratto i protagonisti in modo occasionale. Tra i nomi degli autori, Philippe Antonello, Franco Bellomo, Anton Giulio Bragaglia, Jean-François Bauret, Giovanni Cozzi, Chico De Luigi, Franco Fontana, David Gamble, Marcello Geppetti, Pino Guidolotti, Horst P. Horst, Emilio Lari, Erich Lessing, Gina Lollobrigida, Umberto Montiroli, Luciana Mulas, Ugo Mulas, Claude Nori, Gabriele Pagnini, Federico Patellani, John Phillips, Roger Pic, Pierluigi Praturlon, Paul Ronald, Gianfranco Salis, Tazio Secchiaroli, Pino Settanni, Angelo Turetta, Mario Tursi. La mostra è parte di un progetto avviato nel 2011 volto a mostrare con regolarità il patrimonio della Galleria civica di Modena, e resterà allestita in sala grande a Palazzo Santa Margherita fino al 7 giugno 2015. Nella foto:Jean-François Bauret, Klaus Kinski et son fils Nanhoï, 1979, Galleria civica di Modena mostra The Cinema Show sede sala grande di Palazzo Santa Margherita, corso Canalgrande 103, Modena periodo 7 febbraio-7 giugno 2015 organizzazione e produzione Galleria Civica di Modena Fondazione Cassa di Risparmio di Modena inaugurazione sabato 7 febbraio 18.00 ingresso gratuito ufficio stampa Galleria civica di Modena, Cristiana Minelli, tel + 39 059 203 2883, galcivmo@comune.modena.it immagini e comunicati scaricabili nell'area giornalisti del sito della galleria informazioni Galleria civica di Modena, corso Canalgrande 103, 41121 Modena, tel. +39 059 2032911/2940 - fax +39 059 2032932, www.galleriacivicadimodena.it Museo Associato AMACI
Inizio: 07/02/2015
Fine: 07/06/2015
Indirizzo: Galleria civica di Modena
Spazio: Galleria civica di Modena
Area geografica: Nord
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Titolo: L’ARTE PER L’ARTE. Il Castello Estense ospita Giovanni Boldini e Filippo de Pisis
Introduzione: A partire dal 31 gennaio 2015 al Castello Estense sarà allestita una galleria di capolavori di due grandi pittori ferraresi che sono stati protagonisti della scena artistica internazionale tra Otto e Novecento, Giovanni Boldini e Filippo de Pisis. Il monumento simbolo della città farà da cornice alle opere dei due artisti selezionate dalle collezioni delle Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea di Palazzo Massari a Ferrara.
Descrizione: L’ARTE PER L’ARTE. Il Castello Estense ospita Giovanni Boldini e Filippo de Pisis Ferrara, Castello Estense Dal 31 gennaio 2015 A partire dal 31 gennaio 2015 al Castello Estense sarà allestita una galleria di capolavori di due grandi pittori ferraresi che sono stati protagonisti della scena artistica internazionale tra Otto e Novecento, Giovanni Boldini e Filippo de Pisis. Il monumento simbolo della città farà da cornice alle opere dei due artisti selezionate dalle collezioni delle Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea di Palazzo Massari a Ferrara. L’arte per l’arte. Il Castello Estense ospita Giovanni Boldini e Filippo de Pisis intende riconsegnare al pubblico il patrimonio rimasto celato in seguito al terremoto del 2012 e sottolineare il rilievo della pittura moderna ferrarese attraverso due figure di statura internazionale. L’obiettivo degli organizzatori e degli enti curatori è quello di far vivere i musei nonostante la chiusura della sede che li accoglieva. Più che una mostra sarà, infatti, un allestimento semi-temporaneo che potrà essere visitato sino alla riapertura delle Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea a Palazzo Massari, ora in corso di restauro. Le sale fastosamente decorate dell’appartamento di rappresentanza al piano nobile del Castello Estense e i celebri “Camerini del Principe” saranno così la sede temporanea di due percorsi monografici che esplorano la parabola creativa di Boldini e De Pisis. I musei ferraresi conservano, infatti, i più ricchi e completi fondi dei due artisti, documentando ogni aspetto della loro ricerca: olii, pastelli e acquerelli, studi e annotazioni boldiniani, così come i dipinti depisisiani verranno messi in dialogo secondo due linee di lettura che restituiranno un intenso ritratto delle personalità artistiche dei due maestri. Il percorso espositivo si svilupperà a partire dalle sale del Governo, della Devoluzione, dei Paesaggi e delle Geografie, con dipinti, opere su carta e documenti appartenuti a Boldini, dando risalto al ruolo di spicco dell’artista nel rinnovamento della pittura italiana e internazionale: innanzitutto le prove nella Firenze dei Macchiaioli, invenzioni di sorprendente immediatezza come Le sorelle Lascaraky; poi la produzione successiva all’approdo nella Parigi degli impressionisti, in cui spiccano brillanti evocazioni delle atmosfere della vita moderna – da Notturno a Montmartre alla Cantante mondana – testimoni del confronto con Degas; infine, le icone della ritrattistica boldiniana – come il Ritratto del piccolo Subercaseaux, Fuoco d’artificio, la Passeggiata al Bois de Boulogne o La signora in rosa – che sanciscono l’affermazione della cifra stilistica con cui egli si impone come protagonista incontestato della ritrattistica in Europa e oltreoceano. L’allestimento presenterà, in una affascinante sequenza, i volti delle protagoniste della Belle Époque, da Madame Lydig alla Contessa de Leusse a Olivia de Subercaseaux Concha, e degli amici artisti, come Degas, Menzel e Whistler. I Camerini, solitamente non aperti al pubblico, ospiteranno la seconda parte dell’allestimento, dedicata a un altro talento ferrarese attivo sul palcoscenico parigino. A raccontare il percorso creativo di De Pisis saranno le opere che sono entrate a far parte della raccolta ferrarese soprattutto grazie all’attività della Fondazione Pianori e al generoso lascito di Manlio e Franca Malabotta. Aprono la narrazione preziose testimonianze del periodo giovanile, da Natura morta col martin pescatore dipinta a Ferrara prima del trasferimento nella capitale francese, a Le cipolle di Socrate, rivelatore della riflessione di De Pisis su De Chirico e la pittura metafisica. Seguono i capolavori del periodo parigino che raccontano la nascita di un linguaggio altamente personale: pure invenzioni liriche, come le nature morte marine e Il gladiolo fulminato, o trascrizioni pittoriche delle brucianti emozioni che l’esperienza della Ville lumière procura al pittore, di cui un esempio è Strada di Parigi. Il cerchio si chiude con la produzione successiva al rientro in Italia, penetranti effigi maschili come il Ritratto di Allegro e poi i commoventi capolavori dell’ultima stagione – La rosa nella bottiglia e Natura morta con calamaio – nei quali la poesia delle immagini si spoglia fino all’essenziale. Un altro fondamentale apporto alla valorizzazione del patrimonio delle Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea verrà infine offerto dalla pubblicazione dell’edizione critica della corrispondenza boldiniana conservata presso il Museo Giovanni Boldini a cura di una delle conservatrici, Barbara Guidi, che rappresenta un prezioso strumento scientifico per l’evoluzione degli studi sul pittore ferrarese. Con questa iniziativa, le Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea di Ferrara e la Fondazione Ferrara Arte partecipano, in partnership con il Comune di Ferrara, ad un progetto di promozione integrata del patrimonio culturale e ambientale della Regione Emilia-Romagna e degli interventi finanziati attraverso i fondi europei POR FESR tra il 2007 e il 2013. L’arte per l’arte diverrà un’occasione per presentare al pubblico, attraverso specifici appuntamenti e attraverso un info point dedicato, i siti recuperati e valorizzati grazie ai finanziamenti europei, in un percorso ideale dalla città al territorio, dal Castello Estense alla Delizia: dal Castello della Mesola al Museo delle Culture Umane di Comacchio, attraverso i percorsi d’acqua nel parco del Delta. Un sodalizio, quello tra la città e il suo territorio, sempre più profondo, che permette di accompagnare il turista alla scoperta di luoghi suggestivi, spesso fuori dalla rotta della canonica visita turistica alla città d’arte. L’ARTE PER L’ARTE. Il Castello Estense ospita Giovanni Boldini e Filippo de Pisis Ferrara, Castello Estense, dal 31 gennaio 2015 Enti promotori Comune di Ferrara e Provincia di Ferrara Organizzatori Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea di Ferrara, Fondazione Ferrara Arte Con il supporto di Programma operativo regionale del Fondo europeo di sviluppo regionale 2007-2013 Asse 4 - Valorizzazione e qualificazione del patrimonio ambientale e culturale Curatori Maria Luisa Pacelli, Direttrice Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea, Barbara Guidi e Chiara Vorrasi, Conservatrici Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea Orari di apertura Dal 31 gennaio al 31 maggio e dal 1 settembre al 30 settembre: aperto tutti i giorni, 9.30 – 17.30 Dal 1 giugno al 30 giugno: aperto tutti i giorni, 9.30 – 13.30 / 15.00 – 19.00 Dal 1 luglio al 31 agosto: chiuso il lunedì, 9.30 – 13.30 / 15.00 – 19.00 Dal 1 ottobre al 31 dicembre: chiuso il lunedì, 9.30 – 17.30 (la biglietteria chiude 45 minuti prima)
 Giorni di chiusura: 25 dicembre, i lunedì non festivi nei mesi di luglio, agosto, ottobre, novembre e dicembre Informazioni tel. 0532 299233 castello.estense@provincia.fe.it www.castelloestense.it Prenotazioni Mostre e Musei tel. 0532 244949 www.palazzodiamanti.it Ufficio stampa Studio ESSECI – Sergio Campagnolo tel. 049 663499 info@studioesseci.net www.studioesseci.net PorFesr Emilia Romagna fesr.regione.emilia-romagna.it
Inizio: 31/01/2015
Fine: 31/05/2015
Indirizzo: Ferrara, Castello Estense
Spazio: Ferrara, Castello Estense
Area geografica: Nord
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Titolo: BOLDINI Lo spettacolo della modernità
Introduzione: “C’est un classique!”. E’ questo il riconoscimento dato a Giovanni Boldini (Ferrara 1842 - Parigi 1931), fin dalla prima esposizione postuma che si tenne a Parigi a pochi mesi dalla morte. “Il classico di un genere di pittura”, ribadì in quella occasione Filippo de Pisis.
Descrizione: Forlì, Musei San Domenico Dal 1 febbraio al 14 giugno 2015 “C’est un classique!”. E’ questo il riconoscimento dato a Giovanni Boldini (Ferrara 1842 - Parigi 1931), fin dalla prima esposizione postuma che si tenne a Parigi a pochi mesi dalla morte. “Il classico di un genere di pittura”, ribadì in quella occasione Filippo de Pisis. Dopo la rassegna dedicata nel 2012 a Wildt (che sarà protagonista nel 2015 di una mostra realizzata dal Musée d’Orsay all’Orangerie di Parigi in collaborazione con la Città di Forlì e la Fondazione Cassa dei Risparmi di Forlì), e le due successive sul Novecento ed il Liberty, la Fondazione e i Musei San Domenico di Forlì proseguono nella esplorazione, attraverso nuovi studi e la riscoperta di opere poco note, della cultura figurativa tra Otto e Novecento, proponendo per la stagione espositiva del 2015 una approfondita rivisitazione della vicenda di Giovanni Boldini certamente il più grande e prolifico tra gli artisti italiani residenti a Parigi. È in questo ideale spazio di rapporto tra Forlì e Parigi che si colloca la nostra nuova iniziativa. Nella sua lunghissima carriera, caratterizzata da periodi tra loro diversi a testimonianza di un indiscutibile genio creativo e di un continuo slancio sperimentale che si andrà esaurendo alla vigilia della prima Guerra Mondiale, il pittore ferrarese ha goduto di una straordinaria fortuna, pur suscitando spesso accese polemiche, tra la critica ed il pubblico. Amato e discusso dai suoi primi veri interlocutori, come Telemaco Signorini e Diego Martelli, fu poi compreso e adottato negli anni del maggiore successo dalla Parigi più sofisticata, quella dei fratelli Goncourt e di Proust, di Degas e di Helleu, dell’esteta Montesquiou e della eccentrica Colette. Rispetto alle recenti mostre sull’artista, questa rassegna si differenzia per una visione più articolata e approfondita della sua multiforme attività creativa, intendendo valorizzare non solo i dipinti, ma anche la straordinaria produzione grafica, tra disegni, acquerelli e incisioni. Le ricerche più recenti di Francesca Dini (curatrice della mostra insieme a Fernando Mazzocca), consentono di arricchire il percorso con la presentazione di nuove opere, sia sul versante pittorico che, in particolare, su quello della grafica. Uno dei punti di maggior forza, se non quello decisivo, della mostra sarà la riconsiderazione della prima stagione di Boldini negli anni che vanno dal 1864 al 1870, trascorsi prevalentemente a Firenze a stretto contatto con i Macchiaioli. Questa fase, caratterizzata da una produzione di piccoli dipinti (soprattutto ritratti) davvero straordinari per qualità e originalità, sarà vista in una nuova luce grazie alla possibilità di presentare parte del magnifico ciclo di dipinti murali realizzati tra il 1866 e il 1868 nella Villa detta la “Falconiera”, a Collegigliato presso Pistoia, residenza della famiglia inglese dei Falconer. Si tratta di vasti paesaggi toscani e di scene di vita agreste che consentono di avere una visione più completa del Boldini macchiaiolo. Le prime sezioni, nelle sequenza delle sale al piano terra, saranno dedicate alla immagine dell’artista rievocata attraverso autoritratti e ritratti; alla biografia per immagini (persone e luoghi frequentati); all’atelier; alla grafica così rivelatrice della sua incessante creatività. Le sezioni successive, al primo piano, dopo il ciclo della “Falconiera”, ripercorreranno attraverso i ritratti di amici e collezionisti la grande stagione macchiaiola. Seguirà la prima fase successiva al definitivo trasferimento a Parigi, caratterizzata dalla produzione degli splendidi paesaggi e di dipinti di piccolo formato con scene di genere, legata al rapporto privilegiato con il celebre e potente mercante Goupil. Avranno subito dopo un grande rilievo, anche per la possibilità di proporre confronti con gli altri italiani attivi a Parigi, come De Nittis, Corcos, De Tivoli e Zandomenenghi, le scene di vita moderna, esterni ed interni, dove Boldini si afferma come uno dei maggiori interpreti della metropoli francese negli anni della sua inarrestabile ascesa come capitale mondiale dell’arte, della cultura e della mondanità. Seguiranno infine le sezioni dedicate alla grande ritrattistica che lo vedono diventare il protagonista in un genere, quello del ritratto mondano, destinato ad una straordinaria fortuna internazionale. A questo proposito costituirà una novità la possibilità di accostare per la prima volta ai suoi dipinti le sculture di Paolo Troubetzkoy in un confronto interessante sia sul piano iconografico che formale. BOLDINI Lo spettacolo della modernità Forlì, Musei San Domenico, piazza Guido da Montefeltro 12 1 febbraio - 14 giugno 2015 Ufficio Stampa Studio ESSECI di Sergio Campagnolo Tel 049.663499 info@studioesseci.net ; www.studioesseci.net
Inizio: 01/02/2015
Fine: 14/06/2015
Indirizzo: Forlì, Musei San Domenico, piazza Guido da Montefeltro 12
Spazio: Forlì, Musei San Domenico
Area geografica: Nord
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Titolo: Artisti dell’Ottocento: Temi e Riscoperte
Introduzione: Importante esposizione che contempla un folto gruppo di opere di artisti dell’Ottocento. Si tratta di pezzi di estremo interesse, in parte mai esposti e sconosciuti al pubblico. Nell’ambito della mostra, è previsto un “focus” di due sale con una selezione di opere – di scultura e grafica - del napoletano Vincenzo Gemito (1852-1929), del quale la Galleria possiede una ricca e importante raccolta.
Descrizione: Artisti dell’Ottocento: Temi e Riscoperte 07/11/2014 - 14/06/2015 Artisti dell’Ottocento: Temi e Riscoperte Tipologia: Arte Moderna Importante esposizione che contempla un folto gruppo di opere di artisti dell’Ottocento. Si tratta di pezzi di estremo interesse, in parte mai esposti e sconosciuti al pubblico. Nell’ambito della mostra, è previsto un “focus” di due sale con una selezione di opere – di scultura e grafica - del napoletano Vincenzo Gemito (1852-1929), del quale la Galleria possiede una ricca e importante raccolta. La mostra propone una lettura “trasversale”, attraverso quei percorsi tematici che trovano maggiore riscontro nella cultura figurativa ottocentesca: l’ispirazione all’antico, il ritratto, l’intimismo del quotidiano le scene di vita popolare nonché, in senso lato, le varie poetiche del vero dal nord al sud Italia, con particolare attenzione al ruolo di Roma. Le opere, tutte realizzate da artisti di nascita e tradizione Ottocentesca, raggiungono, in parte, il secolo successivo. Quest’apertura consente, non solo di riconoscere l’evoluzione tematica e stilistica degli autori, ma anche - specie per taluni soggetti come quelli legati al lavoro - di sottolineare il delicato momento di passaggio che prelude all’arte moderna. La varietà dei pezzi esposti, non soltanto dal punto di vista iconografico e tecnico, ma anche per le dimensioni da minime a molto grandi, offre una panoramica “a volo d’uccello” sui vari aspetti della cultura artistica dell’epoca. Accanto ai nomi italiani più noti, come Nino Costa, Giulio Aristide Sartorio, Angelo Morbelli, compaiono autori “di nicchia” quali Adriano Ferraresi, Augusto Bompiani, Paride Pascucci, di cui si mostrano singolari e inaspettati capolavori. Vi ritroviamo anche importanti artisti stranieri, primo fra tutti, Auguste Rodin, con il noto bronzo “Busto di Signora”; nonché Georges Paul Leroux, che, con la grande, magnifica tela “Passeggiata al Pincio” - restaurata per l’occasione ed esposta a Roma per la prima volta - rappresenta una delle principali “riscoperte” di questa mostra. A completamento dei percorsi, il prestito di alcune selezionate opere da un’importante collezione privata di Ottocento italiano. Tra queste compaiono dipinti di Francesco Paolo Michetti, Domenico Morelli, Alessandro La Volpe.
Inizio: 07/11/2014
Fine: 14/06/2015
Indirizzo: Galleria Arte Moderna, Roma
Spazio: Galleria Arte Moderna, Roma
Area geografica: Roma
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Titolo: Fattori
Introduzione: La pittura di Fattori, un artista impegnato sempre fedele a se stesso, è riuscita, soprattutto nella rappresentazione delle grandi battaglie de Risorgimento o della vita dura del popolo della Maremma, a rendere una fase della storia italiana con un respiro che ricorda la letteratura verista di Verga o la poesia di Carducci.
Descrizione: Fattori A PALAZZO ZABARELLA DAL 24 OTTOBRE 2015 AL 28 MARZO 2016 Le celebri tavolette, i dipinti monumentali di soggetto risorgimentale, i magnifici ritratti, le scene di vita popolare saranno riuniti in una grande mostra che riproponga al pubblico l’assoluto protagonista, non solo della pittura macchiaiola, ma anche del naturalismo di fine secolo. Giovanni Fattori (Livorno, 1825 – Firenze, 1908) è stato certamente anche per la lunga vita, la qualità, il numero dei quadri realizzati, un protagonista di livello europeo. La sperimentazione della macchia cui lui ha dato un contributo decisivo, è stata solo una delle fasi di un’esperienza di maggiore e più vario respiro. Se nelle tavolette, come la famosa “Rotonda di Palmieri”, ha saputo dialogare con il Quattrocento Italiano, pur riuscendo a concepire una visione assolutamente moderna, nei dipinti successivi di grande formato ha saputo raggiungere una dimensione epica che lo accosta al realismo di Courbet. La pittura di Fattori, un artista impegnato sempre fedele a se stesso, è riuscita, soprattutto nella rappresentazione delle grandi battaglie de Risorgimento o della vita dura del popolo della Maremma, a rendere una fase della storia italiana con un respiro che ricorda la letteratura verista di Verga o la poesia di Carducci. La mostra consentirà di mettere a confronto non solo temi diversi ma anche differenti soluzioni stilistiche che dimostrano l’evoluzione dell’artista. La sua grandezza è stata nella capacità di interpretare tematiche universali, come appunto l’eroismo, la pietà, il lavoro, la morte, che emergono nei suoi ultimi capolavori tra i quali “Lo staffato” con una forza straordinaria da far pensare a Goya.
Inizio: 24/10/2015
Fine: 28/03/2016
Indirizzo: PALAZZO ZABARELLA, Padova
Spazio: PALAZZO ZABARELLA, Padova
Area geografica: Nord
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Titolo: Tamara de Lempicka
Introduzione: La mostra dedicata a Tamara de Lempicka – dal 19 marzo a Torino in Palazzo Chiablese, e successivamente a Budapest all’Hungarian National Gallery – presenta circa 100 opere in un percorso tematico di sei sezioni (I mondi di Tamara; Natura morta; Devozione; Ritratti; Nudo; Moda) che permetterà al pubblico di conoscere nuovi aspetti della vita e dei lavori della famosissima artista, le cui opere sono icone universalmente riconosciute.
Descrizione: Tamara de Lempicka a cura di Gioia Mori 19 marzo - 30 agosto 2015 Torino, Palazzo Chiablese La mostra dedicata a Tamara de Lempicka – dal 19 marzo a Torino in Palazzo Chiablese, e successivamente a Budapest all’Hungarian National Gallery – presenta circa 100 opere in un percorso tematico di sei sezioni (I mondi di Tamara; Natura morta; Devozione; Ritratti; Nudo; Moda) che permetterà al pubblico di conoscere nuovi aspetti della vita e dei lavori della famosissima artista, le cui opere sono icone universalmente riconosciute. L’esposizione è curata da Gioia Mori, promossa dal Comune di Torino - Assessorato alla Cultura, dalla Direzione Regionale per i Beni Culturali e Paesaggistici del Piemonte e dal Polo Reale di Torino e prodotta da 24 ORE Cultura – Gruppo 24 Ore e Arthemisia Group. La prima sezione racconta la sua realtà di artista vissuta tra due mondi, l’Europa e l’America, esplorata in un percorso che presenta le sue case e i quadri ispirati ai loro interni. Il primo genere cui si dedicò la Lempicka è quello della natura morta: la seconda sezione documenta questo suo interesse a partire dagli anni giovanili fino agli anni Cinquanta; un’attenzione particolare è riservata ad alcune opere che presentano strette connessioni con le contemporanee fotografie di Freund, Kertész, Kollar e Maar. Donna dalla natura ambivalente, a una condotta trasgressiva fa coincidere un interesse insospettabile per la pittura “devozionale”, genere a cui è dedicata la terza sezione. La quarta sezione è incentrata sulla tipologia che le procurò maggiore successo: la ritrattistica. Per la prima volta si esporranno anche alcune sue fonti pittoriche (per esempio un acquerello di Hayez), a confronto con studi dell’artista che rivelano la sua passione per l’arte antica. Tre aspetti vengono analizzati in particolare: i ritratti dedicati alle “amazones”, ovvero le amiche lesbiche, messi a confronto con fotografie di Brassai; quelli dedicati all’amica Ira Perrot, uno dei quali (il Ritratto d’Ira Perrot con calle) viene riproposto in un allestimento fatto a New York nel 1933, grazie alla documentazione recentemente rinvenuta dalla curatrice della mostra; e infine i ritratti dedicati ai bambini, in particolare alla figlia Kizette. La sezione dedicata al nudo si sviluppa attraverso l’esposizione di un antecedente antico (una tavola di metà Cinquecento di cerchia fiorentina) a cui la Lempicka ha fatto riferimento, che dà origine a una serie di spettacolari dipinti. In questa sezione sono compresi una cospicua serie di disegni e confronti con fotografie di Albin-Guillot e Brassai che rendono evidente la ricerca della Lempicka sull’illuminazione e gli scorci da studio fotografico. L’ultima sezione racconta il continuo rapporto della Lempicka con il mondo della moda. Vi si troveranno quindi le sue illustrazioni per riviste databili al 1921, disegni, dipinti e fotografie dell’artista, scattate dai massimi fotografi di moda dell’epoca 1930-1950, da d’Ora a Joffé a Maywald. Due rari filmati degli anni Trenta faranno muovere e rivivere l’artista negli spazi della mostra. Chagall. Love and Life a cura di Ronit Sorek 14 marzo - 26 luglio 2015 Roma, Chiostro del Bramante Arriva a Roma una mostra interamente dedicata al pittore russo d'origine ebraica Marc Chagall. Con oltre 150 opere tra dipinti disegni e stampe, la mostra apre al Chiostro il Bramante dal 20 marzo al 26 luglio 2015. Le opere provenienti dall’Israel Museum di Gerusalemme raccontano il singolare legame tra il grande pittore e la moglie Bella Rosenfeld, fondamentale e costante fonte d’ispirazione, collegando la vita di Chagall direttamente ai suoi lavori. Dalle immagini della sua infanzia e della gioventù nella nativa Vitebsk, fino alle illustrazioni per l’autobiografia My Life e per i libri scritti da Bella First Encounter e Burning Lights, la mostra percorre tutta la vita di Chagall attraverso un tesoro iconografico e iconologico che ritorna in tutta la sua arte fino alle opere più mature. L’esposizione ruota intorno alle esperienze personali dell’artista e ai temi centrali della sua poetica: la cultura ebraica, i cui simboli (la capra allegoria di speranza e fiducia, la capanna che ricorda la celebrazione della festa dopo l’Esodo, l’asino legato ai diversi momenti biblici, il suonatore di violino figura presente nelle maggiori feste religiose ebraiche) sono sempre presenti nei suoi quadri; l’influenza delle avanguardie francesi che egli seppe elaborare in maniera originale; la rappresentazione delle figure degli innamorati e dell’amata moglie. La mostra curata da Ronit Sorek narra l’immagine che l’artista voleva trasmettere al mondo di se stesso davanti al tema dell'Olocausto: la cultura ebraica infatti influenza profondamente e in modo indelebile la sua arte così come il significato spirituale e poetico universale della Bibbia e della religione.
Inizio: 19/03/2015
Fine: 30/08/2015
Indirizzo: Torino, Palazzo Chiablese
Spazio: Torino, Palazzo Chiablese
Area geografica: Nord
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Titolo: Medardo Rosso. La luce e la materia
Introduzione: La Galleria d’Arte Moderna di Milano, in collaborazione con il Museo Rosso di Barzio, dedica a Medardo Rosso una mostra personale costituita da un’ampia selezione delle sue opere per dar conto della sua intera vicenda artistica a 35 anni dall’ultima monografica che Milano ha dedicato allo scultore torinese, ma milanese d’adozione, unico artista italiano della sua epoca ad avere un respiro europeo.
Descrizione: Medardo Rosso. La luce e la materia GAM Galleria d'Arte Moderna - Villa Reale La Galleria d’Arte Moderna di Milano, in collaborazione con il Museo Rosso di Barzio, dedica a Medardo Rosso una mostra personale costituita da un’ampia selezione delle sue opere per dar conto della sua intera vicenda artistica a 35 anni dall’ultima monografica che Milano ha dedicato allo scultore torinese, ma milanese d’adozione, unico artista italiano della sua epoca ad avere un respiro europeo. L’esposizione, a cura di Paola Zatti, conservatore responsabile della Galleria d’Arte Moderna di Milano, avrà un percorso tematico che prenderà avvio con quattro delle più significative opere degli esordi di Rosso, tutte realizzate a Milano e presentate in diverse versioni: il Birichino, prima opera comparsa nelle sale di Brera nel 1882, il Sagrestano, soggetto comico e quasi spietato del 1883, la Ruffiana, dello stesso anno, rappresentazione caricaturale, nel solco della tradizione verista e Portinaria, 1890-1905 dal Museo di Belle Arti di Budapest. La seconda sezione (La materia, usi e sottrazioni) cercherà di restituire, attraverso diverse versioni di due soli soggetti - la Rieuse e Ecce puer (il primo abbraccia un arco cronologico ampio, dal 1890 agli anni dieci, il secondo tra gli ultimi affrontati nel 1906) - due temi fondamentali: la sperimentazione materica (l’utilizzo personalissimo e inconfondibile, di gesso, bronzo e cera) e il processo creativo dell’artista che procede, nel suo percorso tormentato, per “sottrazioni”, fino al raggiungimento dell’esito desiderato. La terza sezione (I soggetti) saranno documentati quasi tutti i soggetti principali dell’artista: Henry Rouart, venerato collezionista e ospite di Rosso nel primo periodo di permanenza a Parigi, presentato nelle tre versioni in cera, gesso e bronzo; due soggetti del 1894, L’uomo che legge e Bookmaker, quest’ultimo testimone del periodo di più stretta vicinanza con Degas; la Bambina ridente, opera in cui traspare un legame forte con la tradizione rinascimentale e l’Enfant Malade, straordinario documento della fase sperimentale più coraggiosa di Rosso; infine Madame Noblet, soggetto declinato in quattro differenti varianti in un lungo arco di tempo (dal 1897 agli anni Venti), di cui la GAM possiede la versione in bronzo. La straordinaria Madame X, del 1896, unico soggetto arrivato fino a noi in una sola versione, sarà al centro della quarta sezione. L’opera, in prestito eccezionale da Venezia, dialogherà con una selezione di opere fotografiche, poiché come avviene per alcuni grandi pittori e scultori tra Otto e Novecento (si pensi in particolare a Degas e Brancusi) esporre le fotografie di Rosso accanto alle sue opere in bronzo, cera o gesso non ha solo un valore documentario. La fotografia della quale l’artista aveva una notevole conoscenza tecnica, era per lui occasione di un lavoro sulla materia e sulla luce, ormai svincolato dal confronto col vero: Rosso fotografa le sue sculture e i suoi disegni, per intervenire poi con viraggi, ingrandimenti, foto di foto, scontornature, collages, tracce di materia pittorica, tagli e abrasioni, fino ad accettare l’intervento del caso e dell’errore. La mostra MEDARDOROSSO. La luce e la materia, promossa dal Comune di Milano-Cultura, organizzata e prodotta dalla Galleria d’Arte Moderna di Milano e da 24 ORE Cultura – Gruppo 24 ORE, rientra nelle progetto di mostre dedicate alla grande scultura e volte a valorizzare e divulgare i nuclei di opere più significativi della Galleria d’Arte Moderna di Milano. Dal 18 febbraio al 31 maggio 2015 Galleria D'Arte Moderna – Villa Reale Milano, Via Palestro 16
Inizio: 18/02/2015
Fine: 31/05/2015
Indirizzo: Milano, Via Palestro 16
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Titolo: EXPO IN CITTA’. PRIME DUE MOSTRE AL MUSEO DELLE CULTURE: VENERDI’ 27 MARZO “MONDI A MILANO” E “AFRICA. LA TERRA DEGLI SPIRITI”
Introduzione: LA TERRA DEGLI SPIRITI” E giovedì 26 marzo inviti gratuiti per la cittadinanza. Assessore Del Corno: “Finalmente apriamo alla città un nuovo spazio meraviglioso destinato alla interculturalità. Stanchi delle polemiche, prima viene la città”. Milano, 9 marzo 2015 – Sarà un’anteprima straordinaria, una sorta di “notte bianca”, ad anticipare la nascita del nuovo Museo delle Culture - MUDEC che finalmente apre i suoi spazi il prossimo 26 marzo per raccontare attraverso due grandi mostre, “Mondi a Milano” e “Africa. La terra degli spiriti”, il legame antico di Milano con le esposizioni universali e con le culture di tutto il mondo. Le due mostre, che occupano tutti gli spazi espositivi del Museo, sono state ideate proprio in relazione all’eccezionale occasione di Expo Milano 2015, promosse dal Comune di Milano – Cultura all’interno del palinsesto di ‘Expo in città’ e prodotte da 24 Ore Cultura.
Descrizione: Expo in citta’. Prime due mostre al Museo delle Culture: venerdi’ 27 marzo “Mondi a Milano” e “Africa. La terra degli spiriti” EXPO IN CITTA’. PRIME DUE MOSTRE AL MUSEO DELLE CULTURE: VENERDI’ 27 MARZO “MONDI A MILANO” E “AFRICA. LA TERRA DEGLI SPIRITI” E giovedì 26 marzo inviti gratuiti per la cittadinanza. Assessore Del Corno: “Finalmente apriamo alla città un nuovo spazio meraviglioso destinato alla interculturalità. Stanchi delle polemiche, prima viene la città”. Milano, 9 marzo 2015 – Sarà un’anteprima straordinaria, una sorta di “notte bianca”, ad anticipare la nascita del nuovo Museo delle Culture - MUDEC che finalmente apre i suoi spazi il prossimo 26 marzo per raccontare attraverso due grandi mostre, “Mondi a Milano” e “Africa. La terra degli spiriti”, il legame antico di Milano con le esposizioni universali e con le culture di tutto il mondo. Le due mostre, che occupano tutti gli spazi espositivi del Museo, sono state ideate proprio in relazione all’eccezionale occasione di Expo Milano 2015, promosse dal Comune di Milano – Cultura all’interno del palinsesto di ‘Expo in città’ e prodotte da 24 Ore Cultura. “Mettiamo fine ad una attesa lunga 12 anni - ha dichiarato l'assessore alla Cultura Filippo Del Corno - e apriamo alla città uno spazio nuovo e straordinario per mostre ed eventi dedicate a tutte le culture del mondo. Lo facciamo con due grandi appuntamenti, i primi di una lunga serie, perchè il MUDEC ospiterà sempre iniziative di assoluta qualità e rilievo internazionale”. “Quella del MUDEC è una storia lunga e travagliata – ha aggiunto Del Corno – costellata da ritardi e polemiche. Oggi diciamo basta perché Milano non vuole attendere oltre, alla vigilia di Expo. Le ultime discussioni con i rappresentanti dell’architetto Chipperfield relative ai lavori di finitura dell’edificio sono state molto faticose. Nonostante la volontà del Comune di trovare soluzioni ci siamo scontrati con un muro di rigidità incomprensibile. Ci sarà modo e tempo per verificare eventuali lacune progettuali o eventuali difformità esecutive. I lavori di completamento saranno comunque conclusi nel rispetto delle indicazioni tecniche a suo tempo fornite dall’architetto Chipperfield, ma quello che è certo è che l’Amministrazione ha messo fine a trattative estenuanti per recuperare a pieno titolo la priorità indiscutibile: quella di aprire il Museo per le mostre straordinarie del 2015! Ecco perché abbiamo deciso di partire con un evento speciale: un’illuminazione incantevole per l’edificio e inviti gratuiti a disposizione della città”. "Con l'apertura delle mostre al MUDEC il 27 marzo, 24 ORE Cultura amplia la propria offerta culturale affiancando il Comune di Milano nell'ambizioso progetto di un Museo di nuova concezione che in Città ancora non esisteva. Si tratta di una sfida impegnativa - in termini di risorse umane ed economiche - che abbiamo consapevolmente deciso di accettare e che ci auguriamo possa diventare una case history di successo che dimostri, una volta per tutte, che pubblico e privato devono e possono lavorare bene insieme nel rispetto delle proprie competenze e dei propri mandati" ha dichiarato Natalina Costa, Amministratore Delegato di 24 ORE Cultura. Il MUDEC è il risultato di un’operazione di recupero dell’ex fabbrica Ansaldo, testimonianza di archeologia industriale che diventerà un polo multidisciplinare dedicato alle diverse culture del mondo e sarà uno spazio innovativo anche per la sua formula gestionale. Sarà la prima realtà italiana con una governance in partnership tra pubblico e privato. Il Comune di Milano ricoprirà la direzione scientifica del patrimonio, la sua valorizzazione e il coordinamento dell’attività del Forum Città Mondo. 24 ORE Cultura – Gruppo 24 Ore sarà responsabile della programmazione e della realizzazione delle mostre temporanee che indagheranno le culture del mondo e della gestione dei diversi servizi che la natura polifunzionale del MUDEC richiederà. La programmazione espositiva sarà arricchita da palinsesto di eventi collaterali che completerà la proposta culturale. L’offerta si completa con servizi di caffetteria e ristorazione di alta qualità, lo spazio junior, un’area in cui i bambini tra i 4 e i 9 anni approfondiranno il tema delle culture extraeuropee con laboratori creativi e multimediali. All’interno dell’edificio si sviluppano diversi spazi che offrono al visitatore e alla città una molteplicità di proposte culturali e di servizi, distribuiti su 17.000 mq: sale della collezione museale e delle esposizioni temporanee, auditorium, bistrot, design store; caffetteria, concept store, ristorante, biblioteca; aule didattiche, spazio junior, academy24 e parcheggio. Con la sua pluralità di funzioni e servizi, il MUDEC si propone di diventare nel panorama italiano un punto di riferimento per la testimonianza, la ricerca e la divulgazione della creatività e dell'arte proveniente da tutti i continenti. “Africa. La terra degli spiriti” è una mostra monumentale dedicata all’arte africana dal Medioevo a oggi. Con oltre 200 pezzi viene proposto un percorso che affianca capolavori celebri alla cultura occidentale per il loro valore estetico a opere della tradizione culturale e religiosa del continente africano, spiegandone la simbologia e l’importanza nella vita quotidiana delle popolazione dell’Africa nera. Attraverso le sale della mostra si avrà così modo di scoprire che l’arte africana, a torto definita 'primitiva', nasce in realtà da un'idea e da tradizioni formali molto precise, in modo non molto dissimile da quanto avviene negli atelier degli artisti occidentali; che i cosiddetti 'selvaggi' produssero un'arte capace di parlare ai grandi maestri delle avanguardie e a cambiare con ciò la storia dell'arte occidentale e che l'arte africana era in realtà' conosciuta e ricercata da secoli e faceva parte delle collezioni delle maggiori corti europee. Le opere in mostra vengono poi rilette all’interno della cultura africana della vita, della morte, del rispetto per gli antenati e della divinazione; spiegando come attraverso i manufatti artistici si interroghino gli spiriti della terra e del vento e si cerchino di placare gli ineffabili demoni che minacciano la vita degli uomini e degli animali. “Mondi a Milano” racconta al pubblico come la Città abbia accolto e divulgato al grande pubblico le diverse culture non europee nel corso dei suoi più importanti eventi espositivi: dalle mostre di arti industriali nella seconda metà dell’Ottocento, concepite alla stregua delle Esposizioni Universali, fino alla loro riformulazione nelle Biennali e Triennali degli anni Venti e Trenta del Novecento. Aperto fino a metà luglio, il percorso chiarisce il legame che corre tra il patrimonio del museo e la storia delle grandi Esposizioni internazionali del passato, ma intende altresì accompagnare il pubblico alla scoperta del gusto collezionistico che è stato il secondo asse portante del patrimonio museale civico in tema di Raccolte Etnografiche. Le Raccolte Etnografiche del Comune di Milano raccolgono oltre 7000 opere d’arte, tessuti, strumenti provenienti da tutti i continenti e databili dal 1.500 a.C. fino ai primi anni del Novecento; una collezione che sarà già visibile al pubblico nei depositi del MUDEC a far data dall’inaugurazione della mostra, grazie a visite guidate. In autunno, a Expo conclusa, si inaugurerà il percorso museale allestito nella sale espositive del Museo con una selezione delle Raccolte stesse.
Inizio: 27/03/2015
Fine: 27/06/2015
Indirizzo: Mudec Milano
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Area geografica: Nord
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Titolo: ARTE LOMBARDA DAI VISCONTI AGLI SFORZA
Introduzione: ARTE LOMBARDA DAI VISCONTI AGLI SFORZA Milano al centro dell’Europa Prima mostra di EXPO 2015 promossa e organizzata da Comune di Milano, Palazzo Reale e Skira Editore, Main Partner UniCredit per celebrare il ruolo centrale di Milano e della Lombardia nei secoli dal primo Trecento al primo Cinquecento, alle radici della cultura dell’Europa moderna.
Descrizione: ARTE LOMBARDA DAI VISCONTI AGLI SFORZA Milano al centro dell’Europa Prima mostra di EXPO 2015 promossa e organizzata da Comune di Milano, Palazzo Reale e Skira Editore, Main Partner UniCredit per celebrare il ruolo centrale di Milano e della Lombardia nei secoli dal primo Trecento al primo Cinquecento, alle radici della cultura dell’Europa moderna. La mostra, che ripensa in chiave attuale quella celebre di Roberto Longhi del 1958, prende in esame tutta la signoria dei Visconti, poi degli Sforza, fino alla frattura costituita dall’arrivo dei Francesi. “Oggi l’arte lombarda della fine del Medioevo e del Rinascimento – affermano i due curatori Mauro Natale e Serena Romano – appare come una realtà storica di grande rilievo internazionale, che estende le proprie diramazioni ai maggiori paesi europei”. In mostra circa duecentocinquanta opere provenienti da importanti musei italiani e stranieri di grandissimi artisti che lavorarono a lungo per le dinastie dei Visconti e degli Sforza: Giovanni di Balduccio, il Maestro di Viboldone, Bonino da Campione, Giovanni da Milano, Giusto de’ Menabuoi, Giovannino de’ Grassi, Michelino da Besozzo, il Maestro Paroto, Francesco Zavattari, Bonifacio Bembo, Pisanello, Gentile da Fabriano, Vincenzo Foppa, Zanetto Bugatto, il Maestro di Chiartavalle, Gottardo Scotti, Giovanni Antonio Amadeo, Bernardino Butinone, Bergognone sino ai leonardeschi Boltraffio, de Predis e Zenale. 12 marzo – 28 giugno 2015 Milano - Palazzo Reale
Inizio: 12/03/2015
Fine: 28/06/2015
Indirizzo: Milano, Palazzo Reale
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Titolo: Palma il Vecchio - Lo sguardo della bellezza
Introduzione: In occasione di EXPO 2015 a Milano, il Comune di Bergamo e la Fondazione Credito Bergamasco si fanno promotori della prima grande retrospettiva dedicata a Jacopo Negretti detto Palma il Vecchio (Serina, Bergamo 1480 circa – Venezia 1528), a cura di Giovanni C.F. Villa, prodotta e organizzata da ComunicaMente srl. A Palma il Vecchio sono stati dedicati ben nove studi monografici, ma mai l’artista è stato celebrato con una mostra monografica.
Descrizione: Palma il Vecchio - Lo sguardo della bellezza In occasione di EXPO 2015 a Milano, il Comune di Bergamo e la Fondazione Credito Bergamasco si fanno promotori della prima grande retrospettiva dedicata a Jacopo Negretti detto Palma il Vecchio (Serina, Bergamo 1480 circa – Venezia 1528), a cura di Giovanni C.F. Villa, prodotta e organizzata da ComunicaMente srl. A Palma il Vecchio sono stati dedicati ben nove studi monografici, ma mai l’artista è stato celebrato con una mostra monografica. Vi è dunque l’opportunità di realizzare un grande momento espositivo di richiamo internazionale, nel suo luogo d’origine, celebrando un protagonista del rinascimento veneto accanto a Tiziano e dopo Giorgione; un evento unico e irripetibile che vede per la prima volta riuniti i capolavori assoluti di Palma, provenienti dall’Italia e dall’estero, numerosi dei quali restaurati per l’occasione. Grazie all’eccezionale sostegno delle maggiori istituzioni museali del mondo – il Musée du Louvre di Parigi, la National Gallery di Londra, il Museo Thyssen-Bornemisza di Madrid, l’Hermitage di San Pietroburgo, il Kunsthistorisches Museum di Vienna, la Gemäldegalerie di Dresda, il Philadelphia Museum of Art, lo Staatliche Museen di Berlino, e i grandi musei italiani come gli Uffizi di Firenze, la Galleria Borghese di Roma, le Gallerie dell’Accademia di Venezia, solo per citarne alcuni – sarà possibile ammirare a Bergamo, per cento giorni, i massimi capolavori di uno dei geni indiscussi del Rinascimento italiano. Una mostra non solo da guardare ma da vivere. Palma è maestro nel dare vita a languide figure femminili che ne segnano il percorso e la carriera divenendo così il grande interprete di una bellezza femminile, tratteggiata con immediata sensualità, che darà vita all’ideale della proporzione femminile del Rinascimento maturo. Palma il Vecchio esegue opere che vengono presto idealizzate e ricercate dai collezionisti, tanto da creare un vero e proprio mito dell’artista. Un’arte, la sua, che sviluppa temi mitologici e allegorici ma anche sacre conversazioni in straordinarie ambientazioni paesaggistiche. Quella di Palma è una poesia fatta di sguardi, racconti, nostalgia, scoperte e aperture con immancabili rimandi ai luoghi natii donandoci una raffigurazione della spettacolosa bellezza del visibile ancora oggi apprezzabile nella spettacolare marca bergamasca. Accademia Carrara di Belle Arti Bergamo, Piazza Giacomo Carrara 82/D dal 12 marzo al 21 giugno 2015
Inizio: 12/03/2015
Fine: 21/06/2015
Indirizzo: Bergamo, Piazza Giacomo Carrara 82/D
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Titolo: Da Kirchner a Nolde
Introduzione: Espressionisto Tedesco 1905 - 1913 Dal 5 marzo al 12 luglio 2015 Palazzo Ducale di Genova presenta in collaborazione con il Brücke Museum di Berlino una rassegna sulla nascita dell’Espressionismo Tedesco, curata da Magdalena Moeller, direttrice del Brucke Museum di Berlino.
Descrizione: Da Kirchner a Nolde Espressionisto Tedesco 1905 - 1913 Dal 5 marzo al 12 luglio 2015 Palazzo Ducale di Genova presenta in collaborazione con il Brücke Museum di Berlino una rassegna sulla nascita dell’Espressionismo Tedesco, curata da Magdalena Moeller, direttrice del Brucke Museum di Berlino. Il termine Espressionismo Tedesco deve la sua origine principalmente alla fondazione del movimento Die Brücke ("Il Ponte") da parte di Fritz Bleyl (1880-1966), Erich Heckel (1883-1970), Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938), Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976) a Dresda il 7 giugno 1905. Lo scopo di questi artisti è quello di gettare un ponte tra la pittura classica neoromantica e un nuovo stile che si definirà in seguito come "espressionismo". In mostra oltre 150 opere tra dipinti, stampe e disegni dei fondatori del gruppo, tutte provenienti dal Museo berlinese a documentare una rivoluzione artistica, nel fermento che porterà l'Europa alla Grande Guerra del 15-18 di cui quest'anno si ricordano i cento anni. L'espressionismo tedesco nasce dal vissuto degli artisti, è la ricerca del soggettivo nella realtà che li circonda. Le metropoli, la vita di strada, il circo, stimolano riflessioni sulla solitudine dell'uomo, sull'alienazione dell'individuo, sull'immoralità. Il segno incisivo - utilizzato ad esempio da Kirchner nel suo "Nudo disteso davanti allo specchio" del 1909 – e la gamma cromatica acida e accentuata divengono tratti distintivi di questo movimento. Se gli impressionisti cercavano di fissare un'impressione sulle loro tele, e si dedicavano alla realtà esteriore, l'espressionismo si dedica all'emozione, alla sensualità, al raggiungimento di una espressione efficace, capace di stimolare, impressionare, coinvolgere lo spettatore. La pittura accademica viene abbandonata per favorire la ricerca della pittura volitiva: la volontà di cambiamento è uno dei principi dell'espressionismo tedesco. Il movimento (costituitosi nel 1905 contemporaneamente - non casualmente - a quello dei Fauves francesi) esprime temi come il disagio esistenziale, l’angoscia, la critica all'ipocrisia della società borghese. Munch e Ensor sono fonte d'ispirazione per gli esponenti del movimento: da essi si assume l'idea del grido interiore che porta in superficie il dolore degli artisti. Gli autori del Der Blaue Reiter (Monaco di Baviera, 1911) elaborano il concetto, portandolo ad una svolta: l'espressione interiore diventa il motore fondamentale, tale da portare talvolta al totale rifiuto dalla realtà. Questa visione getta le basi per la nascita dell'astrattismo, del quale Vasilij Kandinskij sarà il padre. Agli inizi il gruppo si riunisce nello studio di Kirchner, in precedenza una macelleria, descritto da Fritz Bleyl come " un vero luogo bohémien , pieno di quadri dappertutto, disegni, libri e materiali d'artista". Lo studio di Kirchner diventa un luogo dove rovesciare le convenzioni sociali per consentire frequenti scene di nudo e amore libero. Si organizzano sessioni di disegno di gruppo utilizzando modelli provenienti dal circolo sociale degli artisti, piuttosto che professionisti, e scegliendo pose di durata massima di un quarto d'ora per favorire la spontaneità. Lo stesso Bleyl dipinge il poster della prima mostra del gruppo che viene censurato dalla polizia. Kirchner compone il manifesto del gruppo, in cui si dichiara che "chiunque riproduce direttamente e onestamente quella forza che lo spinge a creare ci appartiene". La loro forma grafica espressiva era essenziale e alquanto semplificata. I loro modelli principali furono Van Gogh, Gauguin, Rousseau, Munch, Matisse, ma anche le figurazioni sintetiche dell’arte primitiva – conosciuta al Museo Etnografico di Dresda - nonché le deformazioni espressive e le stilizzazioni dell’antica tradizione gotica tedesca. La pittura di "Die Brücke" si caratterizza per l'alterazione dello spazio e della prospettiva, la definizione di contorni netti e taglienti, spesso evidenziati da tratti di nero e l'impiego di tinte forti e contrastanti. Nelle composizioni domina spesso la figura umana, sotto forma di nudo, e compaiono altresì paesaggi, scene cittadine, interni. Dei nudi, tutti accomunati da un’indistinta sensazione di pietà per un’umanità piegata e affaticata dalla spossatezza dell’esistere, risalta la tela di Ernst Ludwig Kirchner Nudo femminile di schiena con specchio e figura maschile del 1912, dove si percepisce fra le figure anche lo spettro divoratore dell’uomo che è la città: la sofferenza dell’essere si insinua fra le sue vie e i suoi vicoli, toglie il fiato con la sua frenesia, lascia storditi e apatici. I tratti dei nudi, specialmente quelli di Kirchner appaiono intrappolati fra la rigorosità delle linee e le tensioni dei piani mentre la cromia intensifica la forza espressiva dell’opera in sé. Un aspetto fondamentale della loro attività fu la produzione grafica, di cui diventarono maestri, specie nella pratica della xilografia. Importantissimi a questo riguardo i lavori di Kirchner, Heckel , Pechstein e Schmidt-Rottluff. Per Kirchner è cruciale il lavoro di grafica, scriverà nel 1921: “la volontà che spinge l’artista verso l’opera grafica è forse in parte il desiderio di plasmare e fissare definitivamente la forma, originariamente libera, del disegno”. Possiamo dire che la produzione xilografica della “Brucke” può essere considerata a pieno titolo una componente essenziale dell’arte germanica del XX secolo. In mostra troviamo diverse stampe artistiche di Brucke, tra queste l’imponente xilografia a colori di Kirchner "Bagnanti fra le rocce bianche" del 1912, quella in nero e giallo di Heckel "Due donne" del 1909, le "Barche a vela" di Pechstein, gli "Abeti" di Schmidt-Rotluff dove tutto diventa segno espressivo di grandezza interiore e i piani bianchi e neri si scontrano con violenza e brutalità nella composizione austera. La mostra spazia da olii su tela e su cartone a tempere, incisioni su legno, carboncini, pastelli e acquerelli su carta, litografie e acqueforti. Di Kirchner, pittore di punta del movimento, sono in mostra numerosi dipinti, come "Artista-Marcella" del 1910, "Nudo che si pettina" del 1913, l’Autoritratto del 1914, ma anche acquarelli pastelli e disegni raffiguranti contesti urbani, come Scene di Strada datato 1913-1914, "All’angolo di Uhlandstrasse di Berlino" e "Wittenbergplatz Berlino", entrambe del 1915, dove vengono raffigurate strade, piazze, sempre filtrate dalla lente deformante della polemica sociale. In mostra troveremo anche le immagini - di una modernità sconvolgente per l'epoca - dello studio in cui si riuniva il gruppo, e in cui tanti capolavori furono dipinti. Gli altri artisti del movimento sono cosi rappresentati in mostra: la pittura di Erich Heckel, inizialmente composta da linee spezzate e da un inquietante afrore orientale come in "Ragazza che suona il liuto", e poi da un disegno sommario e colori stridenti, lo vediamo in "Cisterna a forma di torre" del 1910, e tuttavia capace anche di un lirismo più armonioso, come in "Giovane uomo e ragazza" del 1909; i quadri dal colore ricco e modulato di Max Pechstein, come "La maglia gialla e nera", "Bosco nei pressi di Moritzburg", "Coppia distesa" o "La danza", rivelano un’interpretazione meno accesa e violenta rispetto alla poetica espressionista. E ancora Karl Schmidt-Rottluff che si dedicata a ritratti, straordinari "Ragazza intenta nella toilette" e "Donna pensierosa" entrambi del 1912, e paesaggi dalle eco impressioniste, come "Frontone rosso" del 1911, anche se poi l’interesse per la litografia lo portò verso rappresentazioni dalle forme sintetiche e spigolose come vediamo nelle incisioni "Marito e moglie" o "Cortigiane dopo il bagno". Emil Nolde arriva infine a una pittura caricaturale della figura umana, aspetto che appare evidente nelle Villeggianti del 1911 mentre nelle Due figure esotiche del 1912 il rozzo intaglio discende dalla scultura primitiva africana, eppure un artista capace anche di grande raffinatezza nella tempesta di colori, Tronchi bianchi e La casa della famiglia Jager ad Alsen dipinti che più di altri si prestano a fare da portavoce al movimento dell’Espressionismo come sintesi di nuove prospettive artistiche. Nolde anticipa i pittori del primo dopoguerra e rimane, con Kirchner, "l’artista del gruppo” più coerente e vicino alla poetica espressionista. Ma l'importanza dell'Espressiosmo Tedesco non si limita alla pittura: il movimento condiziona la cultura tedesca, ed in seguito avrà un impatto fortissimo su tutta la cultura occidentale. Come non citare nel cinema i film usciti dai Babelsberg Studios di Berlino in quegli anni come il Gabinetto del Dottor Calligari (1920) di Robert Wiene, pellicola simbolo del cinema espressionista e nelle cui scenografie ritroviamo chiari rimandi all’opera di Kirchner. O ancora le asprezze taglienti del Nosferatu di Murnau (1922), Metropolis (1927) del grande Fritz Lang, che ci regala una visione caricaturale della città (peraltro di notevole impatto sull'architettura di quegli anni in Germania). La “Brucke” si sciolse nel maggio del 1913, a causa di contrasti originati dal testo scritto da Kirchner per la Cronick del Brucke – una Cronaca, destinata a tutti i membri passivi della Brucke, che doveva contenere stampe a mano e foto delle opere dei fondatori del gruppo. Heckel spiegò più tardi che il testo non corrispondeva più all’idea di rifiuto di un programma artistico e dunque decisero di non pubblicare e di restituire ad ognuno le stampe e le foto. Il 27 maggio di quell’anno una lettera comunicò a tutti i membri lo scioglimento: “Con la presente, Vi comunichiamo la decisione dei sottoscritti di sciogliere l’organizzazione del gruppo di artisti “Die Brucke” che ha annoverato tra i suoi membri esponenti quali Cuno Amiet, Erich Heckel, E.L. Kirchner, Otto Mueller, Schmidt- Rotluff”. La firma di Kirchner mancava già in calce a questa missiva. Negli anni della guerra alcuni espressionisti guardano al grande conflitto come alla possibilità di un nuovo ordine sociale. Una guerra mondiale può essere il colpo di spugna da loro desiderato per far nascere un nuovo stile di vita: si auspica la purificazione dell'Europa, il tramonto di tutte le antiche strutture di potere. Molti artisti, animati da questi principi, si arruolano e combattono al fronte come volontari, ma il risultato è quello di prender coscienza degli orrori della guerra, che sconvolge al punto di portare molti di loro ad abbandonare la pittura. In altri casi, la guerra diventa contemporaneamente fonte di ispirazione, incubo, ossessione. Dopo la guerra l'espressionismo tedesco si trasforma, assumendo connotazioni esasperatamente realistiche che si spingono fino all'estrema durezza, alla brutalità, alla rappresentazione dell'orripilante con artisti in grande debito verso i pittori del Brucke come Otto Dix (1891-1969), Max Beckmann (1884-1950) e George Grosz (1893-1959). L’esposizione di Palazzo Ducale documenta dunque la varia creatività artistica all’interno di questo gruppo rivoluzionario che riportò l’arte tedesca sulla scena internazionale a un livello qualitativo pari a quello delle opere dei fauves, dei cubisti o ancora, dei futuristi italiani. Appartamento del Doge, Palazzo Ducale, Genova dal 5 marzo al 12 luglio 2015 www.mostraespressionismo.it
Inizio: 05/03/2015
Fine: 12/07/2015
Indirizzo: Palazzo Ducale, Genova
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Area geografica: Nord
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Titolo: DA BOLDINI A SEGANTINI RIFLESSI DELL'IMPRESSIONISMO IN ITALIA
Introduzione: La mostra presenta 35 opere, molte mai esposte a Milano, di alcuni tra gli indiscussi protagonisti dell’arte italiana dell’Ottocento. Tra i capolavori, Alpe di maggio di Giovanni Segantini, La lettera di Federico Zandomeneghi, appartenuta alla celebre raccolta di Giacomo Jucker, Via di Ravenna di Telemaco Signorini, mai visto a Milano.
Descrizione: DA BOLDINI A SEGANTINI RIFLESSI DELL'IMPRESSIONISMO IN ITALIA Milano, GAMManzoni (via Manzoni 45) 27 marzo 2015 - 28 giugno 2015 Inaugurazione: giovedì 26 marzo ore 18.00 La mostra presenta 35 opere, molte mai esposte a Milano, di alcuni tra gli indiscussi protagonisti dell’arte italiana dell’Ottocento. Tra i capolavori, Alpe di maggio di Giovanni Segantini, La lettera di Federico Zandomeneghi, appartenuta alla celebre raccolta di Giacomo Jucker, Via di Ravenna di Telemaco Signorini, mai visto a Milano. Dal 27 marzo 2015 al 28 giugno 2015, GAMManzoni. Centro Studi per l’Arte Moderna e Contemporanea di Milano (via Manzoni 45) ospita la mostra Da Boldini a Segantini. Riflessi dell’impressionismo in Italia, che presenta 35 opere, alcune mai esposte a Milano, di alcuni tra gli indiscussi protagonisti dell’arte italiana dell’Ottocento, provenienti da prestigiose collezioni private europee. La rassegna, curata da Enzo Savoia e da Francesco Luigi Maspes, con il patrocinio di: Commissione Europea – Rappresentanza Milano; Comune di Milano, Città Metropolitana, Regione Lombardia, permette di ammirare alcuni dei lavori più celebri dei maestri che hanno segnato l’arte italiana dell’800, quali Giovanni Segantini, Giovanni Fattori, Angelo Morbelli, Gerolamo e Domenico Induno, Mosé Bianchi, Giacomo Favretto, Guglielmo Ciardi, Giovanni Boldini, Giuseppe De Nittis, Telemaco Signorini, Federico Zandomeneghi, Antonio Fontanesi, Antonio Mancini. In occasione di EXPO 2015, GAMManzoni propone un evento dedicato alle eccellenze della pittura italiana del XIX secolo, attraverso quegli esponenti che hanno partecipato, con le loro creazioni, alle più importanti Esposizioni Universali a cavallo dei due secoli, come Vienna 1873, Philadelphia 1876, Parigi 1878 e 1900, Anversa 1885, St. Louis 1904 e Milano 1906. Il percorso espositivo presenta capolavori come La lettera di Federico Zandomeneghi, appartenuta alla celebre raccolta di Giacomo Jucker e Dall’alto di Filippo Carcano, non più esposto in Italia da circa un secolo e di proprietà di un’importante raccolta statunitense. Tra i macchiaioli spiccano Via di Ravenna di Telemaco Signorini, anch’esso mai visto a Milano, proveniente da una nobile famiglia fiorentina, pendant dell’altrettanto celebre dipinto di analogo soggetto custodito alla Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma ed Esercizi di cavalleria di Giovanni Fattori che, dopo diversi decenni esce dalla collezione che lo ospita. Tra le varie opere, si segnalano, inoltre, Scavi di Pompei di Filippo Palizzi, dalla Quadreria Edison di Milano, L’uscita dal Duomo di Mosé Bianchi, rimasta in Francia per quasi un secolo e riportata in patria da Enrico Piceni che ne curò l’acquisto da parte di uno dei più celebri collezionisti del dopoguerra e la seconda versione del Ritratto dell’attrice Emma Ivon di Tranquillo Cremona del Museo Malinverni. Chiuderà idealmente la mostra, la straordinaria Alpe di maggio di Giovanni Segantini. Accompagna la mostra un catalogo GAMManzoni edizioni. Milano, marzo 2015 DA BOLDINI A SEGANTINI. Riflessi dell'impressionismo in Italia Milano, GAMManzoni (via A. Manzoni, 45 - 20121 Milano) 27 marzo - 28 giugno 2015 Inaugurazione: giovedì 26 marzo ore 18.00 (su invito) Orari: da martedì alla domenica 10-13 e 15-19 (ultimo accesso 18.30) Ingresso: 6 Euro Catalogo: GAMManzoni edizioni Info: Tel. e Fax 02.62695107; info@gammanzoni.com; www.gammanzoni.com giovedì 26 marzo alle ore 18.00 inaugurano anche: PITTURA LOMBARDA DELL'800. Da Faruffini a Morbelli Milano, Gallerie Maspes (via A. Manzoni, 45 - 20121 Milano) Curata da Francesco Luigi Maspes 27 Marzo – 16 maggio 2015 Orari: da martedì a sabato 10-13 e 15-19 Ingresso gratuito Catalogo: Gallerie Maspes Edizioni Info: Tel. e Fax 02.863885; info@galleriemaspes.com; www.galleriemaspes.com
Inizio: 27/03/2015
Fine: 28/06/2015
Indirizzo: Milano (via Manzoni 45)
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Titolo: INEDITI E RISCOPERTE DALLA COLLEZIONE DELLA GALLERIA CIVICA DI MODENA
Introduzione: Sabato 18 aprile 2015 la Galleria civica di Modena inaugura alle 18.00 presso le sale superiori di Palazzo Santa Margherita la mostra dedicata alle nuove acquisizioni dell'istituto. Negli ultimi anni, grazie ad una accurata politica culturale volta ad incrementare il patrimonio, sono confluiti nelle raccolte del disegno e della fotografia più di 500 lavori, in prevalenza per donazione di artisti o collezionisti, oppure attraverso l'istituto del comodato
Descrizione: NUOVE ACQUISIZIONI INEDITI E RISCOPERTE DALLA COLLEZIONE DELLA GALLERIA CIVICA DI MODENA Sale superiori di Palazzo Santa Margherita, corso Canalgrande 103 18 aprile-7 giugno 2015 ----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- Sabato 18 aprile 2015 la Galleria civica di Modena inaugura alle 18.00 presso le sale superiori di Palazzo Santa Margherita la mostra dedicata alle nuove acquisizioni dell'istituto. Negli ultimi anni, grazie ad una accurata politica culturale volta ad incrementare il patrimonio, sono confluiti nelle raccolte del disegno e della fotografia più di 500 lavori, in prevalenza per donazione di artisti o collezionisti, oppure attraverso l'istituto del comodato. La ricerca messa in campo in questa occasione ha permesso inoltre la riscoperta di alcune opere che, pur entrate a far parte delle collezioni nel recente passato, non avevano ancora trovato occasione di essere presentate al pubblico. L'allestimento, a cura di Gabriella Roganti, presenta una selezione di queste carte e si propone di mostrare, fra gli altri, disegni di Aldo Bandinelli, Vittorio Corsini, Gianfranco Ferroni, Josep Ginestar, Mario Giovanardi, Claudia Losi, Roberto Paci Dalò, Nakis Panayotidis, Bepi Romagnoni, Claudio Verna, Moe Yoshida, e fotografie di Giorgio Barrera, Elina Brotherus, Bruno Cattani, Mario Cresci, Mario De Biasi, Franco Fontana, Luca Gilli, Ferdinando Scianna, Diego Zuelli, solo per citare alcuni degli artisti presenti. Nel percorso espositivo inoltre una selezione delle 114 incisioni di autori italiani donate nel 2013 dall’Associazione per la diffusione dell’opera artistica di Modena che a margine di mezzo secolo di attività ha lasciato la propria collezione di grafiche alla Galleria civica di Modena (per la parte che riguarda gli ultimi 30 anni) e la documentazione d'archivio alla biblioteca civica "Luigi Poletti", un gesto che ha consentito alla comunità di conservare memoria di un momento creativo esemplare sia per l'arte del territorio che per quella italiana. Conclude il percorso un nucleo di disegni di Giorgio Preti, artista modenese scomparso nel 1961 a soli 21 anni cui venne dedicata a pochi mesi dalla scomparsa una mostra nella storica Sala di Cultura a Palazzo dei Musei. Oggi queste carte entrano a far parte delle raccolte civiche grazie ad una cospicua donazione voluta dalla famiglia Preti, costituita da alcune centinaia di opere tra disegni, schizzi, quadri, che verranno presentati integralmente nel 2016 presso le sale espositive del Museo civico nell'ambito di una più ampia rassegna dedicata al giovane e talentuoso artista. La mostra resterà allestita fino al 7 giugno 2015, data entro la quale sempre a Palazzo Santa Margherita, sarà ancora possibile visitare "The cinema show. Fotografie dalla collezione della Galleria civica di Modena", allestita in sala grande. mostra Nuove acquisizioni. Inediti e riscoperte dalla collezione della Galleria civica di Modena a cura di Gabriella Roganti sede sale superiori di Palazzo Santa Margherita, corso Canalgrande 103, Modena periodo 18 aprile-7 giugno 2015 organizzazione e produzione Galleria Civica di Modena, Fondazione Cassa di Risparmio di Modena inaugurazione sabato 18 aprile, ore 18.00 preview per la stampa giovedì 16 aprile, ore 11.30 ingresso gratuito orari mercoledì-venerdì 10.30-13.00 e 16.00-19.30; sabato, domenica e festivi 10.30-19.30. Lunedì e martedì chiuso domenica 19 aprile 2015, Educational Day AMACI, visite guidate ad ingresso libero, ore 16.00 e 17.0 informazioni Galleria civica di Modena, corso Canalgrande 103, 41121 Modena, tel. +39 059 2032911/2940 - fax +39 059 2032932, www.galleriacivicadimodena.it Museo Associato AMACI Nella foto: Claudia Losi, Shut your ears, 2006, Galleria civica di Modena, comodato da collezione Vettese Donati Ufficio Stampa Clp Relazioni Pubbliche, Milano Anna Defrancesco, tel. + 39 02 36755700, mob. + 39 349 6107625 anna.defrancesco@clponline.it immagini e comunicati scaricabili http://www.clponline.it/mostre/cinema-show Ufficio Stampa Galleria civica di Modena Cristiana Minelli, tel. +39 059 2032883, galcivmo@comune.modena.it immagini e comunicati scaricabili nell'area giornalisti del sito della galleria
Inizio: 18/04/2015
Fine: 07/06/2015
Indirizzo: orso Canalgrande 103, Modena
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Titolo: DONATELLO E LA SUA LEZIONE
Introduzione: Sculture e oreficerie a Padova tra Quattro e Cinquecento Padova, Musei Civici agli Eremitani e Palazzo Zuckermann 28 marzo – 26 luglio 2015 mostra promossa da Comune di Padova – Assessorato Cultura e Turismo Musei Civici e Biblioteche di Padova Iniziativa realizzata con il contributo di Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo A cura di: Davide Banzato Elisabetta Gastaldi La presenza di Donatello a Padova innova profondamente il linguaggio della scultura in Italia e pone la città veneta tra i principali centri di diffusione del Rinascimento.
Descrizione: Padova, Musei CDONATELLO E LA SUA LEZIONE Sculture e oreficerie a Padova tra Quattro e Cinquecento musei civici agli Eremitani e Palazzo Zuckermann 28 marzo – 26 luglio 2015 mostra promossa da Comune di Padova – Assessorato Cultura e Turismo Musei Civici e Biblioteche di Padova Iniziativa realizzata con il contributo di Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo A cura di: Davide Banzato Elisabetta Gastaldi La presenza di Donatello a Padova innova profondamente il linguaggio della scultura in Italia e pone la città veneta tra i principali centri di diffusione del Rinascimento. Padova ricorda questo momento nodale della sua storia artistica con una serie d’importanti mostre e iniziative, promosse da differenti Istituzioni e in diverse sedi, sotto il titolo comune di “Donatello e Padova”. Nella mostra ai Musei Civici, la lezione del Maestro rivive in uno straordinario percorso che dai capolavori di Donatello – un’elegantissima Pietà con Angeli e le Marie in marmo e la copia di uno dei rilievi della base del monumento al Gattamelata, un’inedita Crocifissione bronzea, che vede l’intervento del suo allievo padovano Bellano, e i fondamentali calchi ottocenteschi con i rilievi dell’altare del Santo – conduce alla scoperta di preziose sculture in bronzo e terracotta degli artisti che continuarono e svilupparono la sua rivoluzione proprio a Padova. Testimonianze dell’altissima qualità raggiunta da Bartolomeo Bellano, Andrea Briosco detto il Riccio e Severo da Ravenna sono riunite per la prima volta agli Eremitani, mentre l’influenza del nuovo linguaggio rinascimentale nelle oreficerie sacre risplende nel vicino Palazzo Zuckermann, dove prosegue la mostra, con gli straordinari manufatti del Tesoro del Santo. Donatello giunse a Padova nel 1443-1444 e vi rimase per un decennio. Nel fare della città uno dei centri principali del Rinascimento, caratterizzò il suo stile secondo un naturalismo talora rude segnato da una componente ancora tardogotica. La sapienza prospettica gli permetteva di risolvere problemi spaziali con pari abilità rispetto alla pittura, mentre dava prova di virtuosismo nel recupero di temi della classicità in particolare gli aspetti espressionistici e l’horror vacui del Tardoantico. Di Donatello la mostra – curata da Davide Banzato ed Elisabetta Gastaldi e promossa dal Comune di Padova-Assessorato alla Cultura e Turismo e dai Musei Civici e Biblioteche di Padova, con il contributo della Fondazione Cariparo - documenta non solo la personale via nella riproposizione del tema romano della statua equestre, ma anche il capolavoro patavino e il suo lavoro più complesso, l’altare del Santo, di cui vengono esposti i calchi realizzati dallo scultore Luigi Ceccon, che ci riportano nel pieno del fermento culturale ottocentesco legato ai lavori di ricomposizione dei bronzi dell’altare, conclusi poi secondo il progetto di Camillo Boito. Quando Donatello lasciò Padova, nel 1453, le soluzioni compositive e gli stilemi da lui introdotti ebbero una capillare diffusione. Fra gli allievi fu un padovano, Bartolomeo Bellano, nato verso il 1437- 38 ed entrato giovanissimo nella bottega, a seguire il maestro a Firenze, a collaborare alle sue ultime opere e a concluderle insieme a Bertoldo di Giovanni. Nei rilievi con le Storie bibliche per il presbiterio di Sant’Antonio, fusi nella seconda metà degli anni ottanta, esibisce la sua abilità nel narrare episodi di carattere corale. Di difficile lettura nella loro collocazione, mostrano all’osservazione ravvicinata possibile in mostra il personale e altissimo livello raggiunto nella maturità. Alla mano di Bellano viene attribuita anche la replica di un bronzo originariamente concepito da Donatello, la Crocifissione del Bargello, per la prima volta presentata al pubblico e agli studiosi e significativa per comprendere la prassi di lavoro nella bottega del toscano. I documenti indicano che in più di un’occasione Bellano si sarebbe valso del materiale del Maestro per la realizzazione delle sue opere. “In questo caso – scrive Davide Banzato in catalogo (ed. Skira) - si sarebbe trovato tra le mani il modello di un’opera che non aveva ancora raggiunto la forma definitiva portandolo a termine con alcune personali variazioni sempre comunque sulla base del materiale iconografico appartenente al repertorio di bottega”. Alla luce degli studi più recenti viene proposta l’ipotesi che la Pietà con Angeli e le Marie, rilievo ricavato in una piccola lastra in marmo bianca proveniente dalla Chiesa di San Gaetano, sia stata ideata e inizialmente lavorata da Donatello nella sua padovana e completata forse, anche qualche anno più tardi dal giovanissimo Bartolomeo Bellano al quale, a detta di Vasari, il Maestro aveva lasciato gli utensili, i disegni e i modelli dei rilievi bronzei dell’altare del Santo e che – sempre secondo Vasari – fu il primo a introdurre in Veneto l’uso del piccolo bronzo a tutto tondo, come dimostra ad esempio il Cavallo di collezione privata in mostra, che si aggiunge ai pochi esempi sicuramente a lui attribuibili. A seguito della presenza di Donatello si assiste a Padova a una consistente produzione di terrecotte. Emerge la bottega dei de Fonduli, Giovanni e il figlio Agostino. La bella statua di San Giovanni evangelista è testimonianza della formazione di una comunione di linguaggio che coinvolge anche l’attività del più grande artista del bronzo dell’Italia del nord, Andrea Briosco, detto il Riccio per la sua capigliatura. Fu proprio lui a completare il monumento Roccabonella nella lasciato interrotto dal Bellano. Di quest’epoca è la Madonna della Ca’ d’Oro di Venezia, pezzo di probabile origine padovana in quanto proveniente dalla locale collezione Rinaldi. I suoi modelli dalla matrice espressionistica approdano a una precisione antiquaria e classicista che trova poi riscontro nelle terrecotte con San Canziano e Santa Canzianilla della chiesa di San Canziano a Padova, che proseguono un progetto avviato già dal Bellano con la statua di Sant’Anna. Il primo decennio del Cinquecento fu il momento nel quale più stretto dovette essere il rapporto del Riccio con Severo da Ravenna, ideatore e diffusore di una notevole quantità di soggetti classici e con lui fecondo produttore di piccoli manufatti in bronzo. In mostra i punti di contatto tra i due emergono nel confronto tra il Satiro di collezione privata di bottega di Severo e il Satiro che beve delle collezioni civiche. Tra il 1520 e il 1530 vengono collocati alcuni capolavori in terracotta policroma quali la Madonna della Scuola del Santo e la Testa di Madonna del Museo padovano, nelle quali si perpetua la forte presenza di elementi tratti dallo studio dell’antichità classica. Della fase estrema, 1530, è il gruppo con il quale si conclude questa parte dell’esposizione, il Compianto in terracotta per la chiesa di San Canziano, del quale si presentano due delle Marie piangenti. Nell’accostarsi agli esempi di Guido Mazzoni il Briosco coniuga alla sensibilità per il colore un accademismo levigato: larghi piani definiti nel chiaroscuro grazie a profonde incisioni approdano a un effetto di patetismo drammatico. L’influsso di Donatello si manifestò anche nelle arti applicate e in particolare nell’oreficeria. Negli spazi per esposizioni temporanee di Palazzo Zuckermann si espone un’importante selezione di oreficerie sacre del Quattrocento e del Cinquecento, reliquiari e preziosi oggetti di uso cultuale eccezionalmente prestate dal Tesoro del Santo. In questi, grazie all’opera di maestri come Baldassarre da Prata e Ambrogio di Cristoforo (il padre di Briosco), si assiste al passaggio dal gotico allo stile rinascimentale. Orari: Musei Civici agli Eremitani 09:00-19:00 Palazzo Zuckermann 10:00-19:00 Info musei@comune.padova.it http://padovacultura.padovanet.it/it/musei IMMAGINI AD ALTA RISOLUZIONE https://www.dropbox.com/sh/2ce0zb5rogklr6r/AABjLdLfzBCUzmXrj- vaJxGBa?dl=0 Nell’ambito dell’iniziativa Donatello e Padova dal 28 marzo e a seguire, apriranno le seguenti mostre: DONATELLO E LA SUA LEZIONE Sculture e oreficerie a Padova tra Quattro e Cinquecento Padova, Musei Civici agli Eremitani e Palazzo Zuckermann 28 marzo – 26 luglio 2015 DONATELLO SVELATO Capolavori a confronto Padova, Museo Diocesano 28 marzo – 26 luglio 2015 DONATELLO AL SANTO DI PADOVA Padova, Museo Antoniano e Basilica del Santo (percorso didattico) GIOIELLERIA CONTEMPORANEA. OMAGGIO A DONATELLO Premio Internazionale Mario Pinton - seconda edizione Padova, Oratorio di San Rocco 9 maggio - 26 luglio
Inizio: 28/03/2015
Fine: 26/07/2015
Indirizzo: DONATELLO E LA SUA LEZIONE Padova
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Titolo: ANDY WARHOL SUL COMÒ OPERE DELLA COLLEZIONE ROSETTA BARABINO
Introduzione: Villa Croce ritorna a essere una dimora privata arredata con mobili di design per ospitare quasi cento opere da una straordinaria collezione genovese mai prima presentata in pubblico. Le opere, scelte con cura e visionaria lungimiranza da Rosetta Barabino, sono il frutto di una passione condivisa con il figlio minore che per più di trent’anni li ha portati per gallerie e mostre d’arte contemporanea.
Descrizione: ANDY WARHOL SUL COMÒ OPERE DELLA COLLEZIONE ROSETTA BARABINO 2 aprile 2015 – 5 luglio 2015 Genova, Museo di Arte Contemporanea di Villa Croce Conferenza stampa 1.04 2015, ore 11.30 Inaugurazione 1.04 2015, ore 18.00 Villa Croce ritorna a essere una dimora privata arredata con mobili di design per ospitare quasi cento opere da una straordinaria collezione genovese mai prima presentata in pubblico. Le opere, scelte con cura e visionaria lungimiranza da Rosetta Barabino, sono il frutto di una passione condivisa con il figlio minore che per più di trent’anni li ha portati per gallerie e mostre d’arte contemporanea. La mostra riunisce settanta artisti italiani e internazionali, da Andy Warhol a Carl Andre, da Donald Judd a Cy Twombly, da Dan Flavin a Robert Morris, oltre a Joseph Beuys, Olafur Eliasson, Cindy Sherman, Gordon Matta-Clark, Takashi Murakami, Ettore Spalletti, Ai Wei Wei, Fischli & Weiss e Yang Fudong per raccontare la storia dell’arte contemporanea attraverso lavori eccezionali che, installati in un ambiente domestico moderno e sofisticato, (arredato con mobili Vitra, Molteni e Schiffini) dimostrano come l’arte contemporanea possa diventare ispirazione quotidiana per immaginare il futuro. L’esposizione vuole anche evidenziare come già negli anni ‘60 e ‘70 la città fosse il centro di un collezionismo illuminato e d’avanguardia che trovava nelle ricerche del Minimalismo americano il fulcro della contemporaneità. Nelle parole di Gian Enzo Sperone, storico gallerista internazionale, e mentore della collezione: “La Signora Barabino, appartiene a quella ristretta élite di visionari che nell’ambito del collezionismo d’avanguardia, dava a noi giovani mercanti l’attenzione che era in tutti i sensi, l’ossigeno per stare in vita.” La mostra, promossa dal Comune di Genova e da Genova Palazzo Ducale - Fondazione per la Cultura in collaborazione con Civita, sarà accompagnata da un catalogo edito da Marsilio, che offre la storia della collezione, immagini della mostra e testi critici di Ilaria Bonacossa, Francesco Bonami, Luca Cerizza oltre alle schede di tutte le opere in collezione. Orario mostra da martedi a domenica, ore 11.00 — 19.00 (chiusura biglietteria ore 18.00) lunedì chiuso Biglietti intero € 8,00 ridotto € 6,00 per giovani da 18 a 25 anni, gruppi di almeno 15 visitatori, convenzioni appositamente attivate ridotto speciale € 3,00 per scuole e minori di 18 anni Per informazioni tel + 39 010 580069 / 585772 www.villacroce.org Ufficio Stampa Villa Croce Luisa Mazier tel +39 3476618080 luisa.mazier@gmail.com www.villacroce.org Ufficio Stampa - Genova Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura tel +39 010 5574012 / 4047 / 4826 ufficiostampa@palazzoducale.genova.it Ufficio Stampa Civita Barbara Izzo — Arianna Diana tel +39 06692050220 / 258 izzo@civita.it / diana@civita.it Ombretta Roverselli tel +39 0243353527 roverselli@civita.it
Inizio: 01/04/2015
Fine: 05/07/2015
Indirizzo: Genova, Museo di Arte Contemporanea di Villa Croce
Spazio:
Area geografica: Nord
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Numerazione: 1#
Titolo: EXPO IN CITTA’. PRIME DUE MOSTRE AL MUSEO DELLE CULTURE: VENERDI’ 27 MARZO “MONDI A MILANO” E “AFRICA. LA TERRA DEGLI SPIRITI”
Introduzione: Per “EXPO IN CITTÀ” il Museo delle Culture apre in anteprima con le mostre “Mondi a Milano” Il 27 marzo il Museo delle Culture - MUDEC apre in anteprima i suoi spazi per raccontare attraverso due grandi mostre, “Mondi a Milano” e “Africa”, il legame antico di Milano con le Esposizioni Universali e con le culture di tutto il mondo.
Descrizione: Per “EXPO IN CITTÀ” il Museo delle Culture apre in anteprima con Africa Il 27 marzo il Museo delle Culture - MUDEC apre in anteprima i suoi spazi per raccontare attraverso due grandi mostre, “Mondi a Milano” e “Africa”, il legame antico di Milano con le Esposizioni Universali e con le culture di tutto il mondo. Le due mostre, che occupano tutti gli spazi espositivi del Museo, sono state ideate in occasione di Expo Milano 2015, promosse dal Comune di Milano – Cultura all’interno del palinsesto di ‘Expo in città’ e prodotte da 24 ORE Cultura – Gruppo 24 Ore. “Africa. La terra degli spiriti” (27 marzo – 30 agosto 2015) è una mostra monumentale dedicata all’arte africana dal Medioevo a oggi. Con oltre 200 pezzi viene proposto un percorso che affianca capolavori noti alla cultura occidentale per il loro valore estetico a opere della tradizione culturale e religiosa del continente africano, spiegandone la simbologia e l’importanza nella vita quotidiana delle popolazione dell’Africa nera. Attraverso le sale della mostra si avrà così modo di scoprire che l’arte africana, a torto definita 'primitiva', nasce in realtà da un'idea e da tradizioni formali molto precise, in modo non molto dissimile da quanto avviene negli atelier degli artisti occidentali; che i cosiddetti 'selvaggi' produssero un'arte capace di parlare ai grandi maestri delle avanguardie e a cambiare con ciò la storia dell'arte occidentale e che l'arte africana era in realtà' conosciuta e ricercata da secoli e faceva parte delle collezioni delle maggiori corti europee. Le opere in mostra vengono poi rilette all’interno della cultura africana della vita, della morte, del rispetto per gli antenati e della divinazione; spiegando come attraverso i manufatti artistici si interroghino gli spiriti della terra e del vento e si cerchino di placare gli ineffabili demoni che minacciano la vita degli uomini e degli animali.
Inizio: 27/03/2015
Fine: 30/08/2015
Indirizzo: MUDEC Milano, via Tortona 56 www.mudec.it
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Area geografica: Milano
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Titolo: “Mondi a Milano”
Introduzione: “Mondi a Milano” (27 marzo- 19 luglio 2015) racconta al pubblico come la Città abbia accolto e divulgato al grande pubblico le diverse culture non europee nel corso dei suoi più importanti eventi espositivi: dalle mostre di arti industriali nella seconda metà dell’Ottocento,
Descrizione: “Mondi a Milano” (27 marzo- 19 luglio 2015) racconta al pubblico come la Città abbia accolto e divulgato al grande pubblico le diverse culture non europee nel corso dei suoi più importanti eventi espositivi: dalle mostre di arti industriali nella seconda metà dell’Ottocento, concepite alla stregua delle Esposizioni Universali, fino alla loro riformulazione nelle Biennali e Triennali degli anni Venti e Trenta del Novecento. Aperto fino a metà luglio, il percorso chiarisce il legame che corre tra il patrimonio del museo e la storia delle grandi Esposizioni internazionali del passato, ma intende altresì accompagnare il pubblico alla scoperta del gusto collezionistico che è stato il secondo asse portante del patrimonio museale civico in tema di Raccolte Etnografiche. Le Raccolte Etnografiche del Comune di Milano raccolgono oltre 7000 opere d’arte, tessuti, strumenti provenienti da tutti i continenti e databili dal 1.200 a.C. fino ai primi anni del Novecento; una collezione che sarà già visibile al pubblico nei depositi del MUDEC a far data dall’inaugurazione della mostra, grazie a visite guidate. In autunno, a Expo conclusa, si inaugurerà il percorso museale allestito nella sale espositive del Museo con una selezione delle Raccolte stesse. Nato da un’operazione di recupero di archeologia industriale nell’area dell’ex fabbrica Ansaldo, in zona Tortona, il MUDEC, reinterpreta gli spazi in cui si inserisce con corpi dalle forme squadrate rivestiti di zinco e con una struttura in cristallo - illuminata 24 ore su 24 – che “irrompe” geometricamente nell’edificio che lo accoglie. Il nuovo spazio si distingue per la sua hall centrale di forma libera e organica, che genera una corte interna, una piazza coperta, luogo d’incontro fra le culture e le comunità. All’interno dell’edificio si sviluppano diversi spazi che offrono al visitatore e alla città una molteplicità di proposte culturali e di servizi, distribuiti su 17.000mq: sale della collezione museale e delle esposizioni temporanee, auditorium; MUDEC Bistrot, MUDEC Design Store, MUDEC Restaurant, aule didattiche, MUDEC Junior e parcheggio. MUDEC Milano, via Tortona 56 www.mudec.it
Inizio: 27/03/2015
Fine: 17/07/2015
Indirizzo: MUDEC Milano, via Tortona 56 www.mudec.it
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Area geografica: Milano
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Titolo: NUOVA OGGETTIVITÀ Arte in Germania al tempo della Repubblica di Weimar 1919 - 1933
Introduzione: Con Nuova Oggettività. Arte in Germania al tempo della Repubblica di Weimar, 1919-1933 s’inaugura per la prima volta in Italia e negli Stati Uniti una mostra di grande respiro dedicata ai temi più rappresentativi delle tendenze artistiche dominanti della Repubblica di Weimar.
Descrizione: NUOVA OGGETTIVITÀ Arte in Germania al tempo della Repubblica di Weimar 1919 - 1933 Venezia, Museo Correr 1 Maggio – 30 Agosto 2015 Con Nuova Oggettività. Arte in Germania al tempo della Repubblica di Weimar, 1919-1933 s’inaugura per la prima volta in Italia e negli Stati Uniti una mostra di grande respiro dedicata ai temi più rappresentativi delle tendenze artistiche dominanti della Repubblica di Weimar. Organizzata dal Los Angeles County Museum of Art (LACMA) in collaborazione con la Fondazione Musei Civici di Venezia e con il supporto di 24 ORE Cultura - Gruppo 24 ORE, la mostra è composta da circa centoquaranta opere tra dipinti, fotografie, disegni e incisioni di oltre quaranta artisti, molte delle quali poco conosciute sia in Italia che negli Stati Uniti. Accanto a figure di primo piano come Otto Dix, George Grosz, Christian Schad, August Sander e Max Beckmann, i cui percorsi eterogenei sono essenziali per comprendere la modernità dell’arte tedesca, l’esposizione consente di scoprire nomi meno noti al grande pubblico, tra cui Hans Finsler, Georg Schrimpf, Heinrich Maria Davringhausen, Carl Grossberg e Aenne Biermann. L’allestimento riserva una particolare attenzione al confronto tra pittura e fotografia, offrendo la rara opportunità di esaminare le analogie e le differenze tra i diversi ambiti espressivi del movimento. Nei quattordici anni della Repubblica di Weimar (1919-1933), gli artisti tedeschi si confrontano con le devastanti conseguenze della Prima Guerra Mondiale; con gli effetti sociali, culturali ed economici del rapido processo di modernizzazione e urbanizzazione che muta il volto della Germania; con la piaga della disoccupazione dilagante e la disperazione di vasti strati della società; con i mutamenti delle identità di genere e gli sviluppi della tecnologia e dell’industria. Negli anni che vanno dalla fine della guerra all’avvento del nazismo, la prima democrazia tedesca è un fertile laboratorio di esperienze culturali che vede il tramonto dell’espressionismo, le esuberanti attività antiartistiche dei dadaisti, la fondazione del Bauhaus e l’emergere di un nuovo realismo. A sancire nel modo più efficace l’emergere di questo nuovo realismo – variamente definito postespressionismo, neonaturalismo, verismo o realismo magico – è la mostra che si tiene a Mannheim nel 1925 dal titolo Neue Sachlichkeit (Nuova Oggettività). I diversi artisti associati a questa nuova figurazione formano un gruppo eterogeneo e non sono uniti da un manifesto programmatico, una tendenza politica o un’unica provenienza geografica: ciò che li accomuna è lo scetticismo per la direzione intrapresa dalla società tedesca e la consapevolezza dell’isolamento umano che questi cambiamenti comportano. La sconfitta nella Prima Guerra Mondiale comporta per la Germania costi altissimi sul piano finanziario, sociopolitico ed emotivo. E diversamente dai predecessori espressionisti – che avevano accolto con entusiasmo lo scoppio del conflitto prima di confrontarsi con la terribile realtà dei campi di battaglia – gli artisti della Nuova Oggettività guardano con disincanto alla complessa situazione della nuova Germania. Allontanandosi dalla soggettività esasperata e dalle distorsioni formali dell’espressionismo, questi artisti scelgono il realismo, la precisione, la sobrietà oggettività, e rivisitano tecniche e generi della grande tradizione pittorica, con un nostalgico ritorno al ritratto e una spiccata attenzione per la resa delle superfici. Nuova Oggettività. Arte in Germania al tempo della Repubblica di Weimar, 1919-1933 è suddivisa in cinque sezioni tematiche: La vita nella democrazia e le conseguenze della guerra evidenzia la disparità tra la borghesia in ascesa e le categorie sociali più colpite dal conflitto: reduci di guerra, disoccupati, prostitute, vittime della violenza e della corruzione politica; La città e la natura del paesaggio indaga il divario crescente tra uno scenario urbano sempre più industrializzato e un mondo rurale rievocato con nostalgia; Natura morta e beni di consumo si concentra su un nuovo tipo di natura morta, in cui gli oggetti della vita quotidiana, spesso prodotti in serie, sono allestiti in composizioni che si presentano come “ritratti di oggetti”; L’uomo e la macchina esplora i diversi approcci adottati dagli artisti verso gli effetti di trasformazione e al contempo di disumanizzazione che il rapido processo di industrializzazione produce; infine, Nuove identità: tipi umani e ritrattistica illustra una nuova tendenza della ritrattistica che trascende l’individualità del soggetto per enfatizzarne l’appartenenza a una categoria sociale. Stephanie Barron, curatrice della mostra e capo curatrice della sezione di arte moderna al LACMA, spiega: “Un’attenta analisi di questo periodo permette di comprendere più a fondo un capitolo complesso della modernità artistica tedesca. Provenienti da retroterra diversi, questi artisti – alcuni dei quali sono tra i protagonisti più noti dell’arte del Novecento, mentre altri sono quasi sconosciuti al di fuori della Germania – hanno abolito l’emotività, l’enfasi espressiva e lo slancio estatico per impegnarsi a registrare e smascherare la realtà immediata, osservandola con uno sguardo sobrio e impersonale. Nel complesso, gli artisti di questa tendenza hanno creato il ritratto collettivo di una società alle prese con una difficile transizione, in immagini che, oggi come allora, appaiono stupefacenti.” “Indubbiamente la Nuova Oggettività, con i suoi diversi approcci al realismo – talvolta critici o satirici, talvolta freddi e imperturbabili o ammalianti e magici; talvolta dediti a una resa minuziosa della realtà o a uno scrutinio della realtà attraverso le distorsioni dell’obiettivo fotografico – hanno risposto alle difficoltà di un’epoca tumultuosa con soluzioni artistiche incisive”, spiega Gabriella Belli, direttrice della Fondazione Musei Civici di Venezia. “In questo breve periodo gli artisti erano liberi di esprimere il loro anelito alla verità in immagini di grande suggestione.” Nuova Oggettività. Arte in Germania al tempo della Repubblica di Weimar, 1919-1933 è presentata in anteprima al Museo Correr
Inizio: 01/05/2015
Fine: 30/08/2015
Indirizzo: Venezia, Museo Correr
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Area geografica: Nord
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Titolo: “Capolavori della Johannesburg Art Gallery. Da Degas a Picasso”.
Introduzione: Dal 21 marzo al 19 luglio 2015 le Scuderie del Castello Visconteo di Pavia presentano “Capolavori della Johannesburg Art Gallery. Da Degas a Picasso”. La mostra è ideata, prodotta, organizzata da ViDi in collaborazione con il Comune di Pavia e la Johannesburg Art Gallery e realizzata con la consulenza scientifica di Simona Bartolena.
Descrizione: Aperta al pubblico nel 1910, la Johannesburg Art Gallery vanta una collezione di altissima qualità dal punto di vista del patrimonio artistico. Le sale delle Scuderie di Pavia avranno il privilegio di ospitare un nucleo importante di capolavori provenienti da uno dei più significativi musei d’arte del continente africano, offrendo al pubblico un’occasione unica per scoprire e conoscere da vicino una raccolta di opere difficilmente visibile in altre sedi. L’esposizione presenta oltre sessanta opere, tra olii, acquerelli e grafiche, che portano le firme di alcuni dei principali protagonisti della scena artistica internazionale del XIX e del XX secolo: da Edgar Degas a Dante Gabriel Rossetti, da Jean Baptiste Corot a Alma Tadema, da Vincent Van Gogh a Paul Gauguin, da Antonio Mancini a Paul Signac, da Pablo Picasso a Francis Bacon, da Roy Lichtenstein a Andy Warhol e molti altri. Il percorso espositivo, diviso in sezioni cronologiche e tematiche, permetterà ai visitatori di percorrere un viaggio nella storia dell’arte dalla metà del XIX secolo fino al secondo Novecento, spaziando dall’Europa agli Stati Uniti fino al Sud Africa in un racconto che si sposta tra momenti storici, luoghi e linguaggi artistici diversi. La mostra, oltre a presentare un’ottima selezione di opere di grandi Maestri, consentirà al pubblico di scoprire l’affascinante storia della Johannesburg Art Gallery. Principale protagonista della nascita e della formazione della collezione museale fu Lady Florence Phillips, moglie del magnate dell’industria mineraria Sir Lionel Phillips. Donna dal grande fascino, a sua volta collezionista, convinta che la sua città dovesse avere un museo d’arte, persuase il marito e alcuni magnati dell’industria a investire nel progetto. Determinata a portare avanti la sua idea, Lady Phillips vende un diamante azzurro regalatole dal marito per acquistare i primi lavori. Hugh Lane, altra grande personalità della scena culturale anglosassone, la aiuta nell’impresa, suggerendole possibili acquisizioni. Sin dalla sua apertura il museo presenta una selezione di opere di straordinaria qualità e modernità, un nucleo arricchitosi poi negli anni grazie a nuove acquisizioni e donazioni. Per tutta la durata dell’esposizione una serie di attività didattiche e visite guidate per bambini e adulti permetteranno di approfondire le splendide opere esposte nelle sale delle Scuderie del Castello Visconteo. Ogni giovedì mostra apertura prolungata fino alle 22.00. A Pasqua e a Pasquetta la mostra sarà aperta dalle 10.00 alle 20.00 www.scuderiepavia.com Scuderie del Castello Visconteo Pavia, viale XI febbraio 35
Inizio: 21/03/2015
Fine: 19/07/2015
Indirizzo: Castello Visconteo di Pavia
Spazio: Castello Visconteo di Pavia
Area geografica: Lombardia
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Titolo: Italia Inside Out
Introduzione: Italia Inside Out Palazzo della Ragione Fotografia Palazzo della Ragione Fotografia ospita Italia Inside Out, la grande mostra di fotografia interamente dedicata all’Italia con più di 500 immagini dei più importanti fotografi del mondo.
Descrizione: Italia Inside Out Palazzo della Ragione Fotografia Palazzo della Ragione Fotografia ospita Italia Inside Out, la grande mostra di fotografia interamente dedicata all’Italia con più di 500 immagini dei più importanti fotografi del mondo. Per offrire al pubblico l’immagine di quello che è probabilmente il Paese più rappresentato del pianeta, l’esposizione è concepita come un’unica iniziativa articolata in due successivi allestimenti, dal 21 marzo al 21 giugno con i fotografi italiani e dal 1° luglio al 27 settembre con i fotografi del mondo. Italia Inside Out ripercorre la storia del nostro paese attraverso l’occhio attento degli artisti che hanno seguito le trasformazioni dell’Italia dal dopoguerra fino a oggi. Un periodo lungo settant’anni, che la fotografia ha attraversato come testimone e interprete di realtà sociali, di mutazioni ambientali, di trasformazioni urbanistiche, di entusiasmi, di lotte, di disperazioni, di tragedie, fedele al proprio mandato di essere in sintonia con i tempi ma soprattutto di aiutare a vedere e a capire i mutamenti della società. Promossa e prodotta dal Comune di Milano - Cultura, Palazzo della Ragione, Civita, Contrasto e GAmm Giunti, curata da Giovanna Calvenzi e allestita con un progetto scenografico di Peter Bottazzi, la rassegna caratterizza, nei mesi di Expo 2015, il programma di Palazzo della Ragione Fotografia, il nuovo spazio espositivo interamente dedicato alla fotografia inaugurato a giugno 2014, in piazza dei Mercanti, a due passi da piazza Duomo. In mostra fotografie di: Marina Ballo Charmet, Olivo Barbieri, Gabriele Basilico, Letizia Battaglia, Gianni Berengo Gardin, Antonio Biasiucci, Tommaso Bonaventura, Luca Campigotto, Silvia Camporesi, Lisetta Carmi, Vincenzo Castella, Giovanni Chiaramonte, Cesare Colombo, Mario Cresci, Paola De Pietri, Pietro Donzelli, Franco Fontana, Vittore Fossati, Luigi Ghirri, Mario Giacomelli, Guido Guidi, Giovanni Hänninen, Guido Harari, Alessandro Imbriaco, Francesco Jodice, Mimmo Jodice, Martino Marangoni, Nino Migliori, Domingo Milella, Paolo Monti, Ugo Mulas, Walter Niedermayr, Federico Patellani, Franco Pinna, Francesco Radino, Riverboom, Claudio Sabatino, Marta Sarlo, Fabio Severo, Shobha, Massimo Siragusa, Toni Thorimbert, Paolo Ventura, Massimo Vitali. La prima parte - INSIDE - accoglie dal 21 marzo al 21 giugno 2015 una selezione di oltre 250 immagini di quarantadue fotografi. dal 21 marzo al 21 giugno 2015 Palazzo della Ragione Fotografia Milano, Piazza Mercanti, 1 www.palazzodellaragionefotografia.it
Inizio: 21/03/2015
Fine: 21/06/2015
Indirizzo: Milano, Piazza Mercanti, 1
Spazio:
Area geografica: Nord
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Titolo: Leonardo 1452-1519 - Il disegno del mondo
Introduzione: Mostra di EXPO 2015 Promossa e organizzata da Comune di Milano, Palazzo Reale e Skira Editore, Main Partner Bank of America Merrill Lynch è la più grande e importante esposizione dedicata a Leonardo mai realizzata in Italia.
Descrizione: Leonardo 1452-1519 - Il disegno del mondo Mostra di EXPO 2015 Promossa e organizzata da Comune di Milano, Palazzo Reale e Skira Editore, Main Partner Bank of America Merrill Lynch è la più grande e importante esposizione dedicata a Leonardo mai realizzata in Italia. Costruita interamente a Milano, promossa dal Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo che ha concesso in via eccezionale la garanzia di Stato e dall’Assessorato alla Cultura, la mostra è ideata e prodotta, nel quadro di una partnership che prosegue da oltre quindici anni, da Palazzo Reale e Skira ed è frutto di un intenso lavoro di cinque anni per raccogliere oltre 200 opere da un centinaio di musei e istituzioni da tutto il mondo, che hanno eccezionalmente prestato i lori gioielli, come, tra gli esempi più eclatanti, i tre dipinti di Leonardo dal Louvre e i trenta disegni autografi dalla collezione di Sua Maestà la Regina Elisabetta II. Anche la Pinacoteca Ambrosiana, considerata la casa milanese di Leonardo, presta il celebre Ritratto di Musico e ben trenta disegni dal Codice Atlantico, è tra i principali protagonisti della mostra, curata da Pietro C. Marani e Maria Teresa Fiorio, tra gli storici dell'arte più importanti per gli studi sul grande genio del Rinascimento. La mostra conta sul generoso sostegno di Bank of America Merrill Lynch, principale sponsor dell’iniziativa. Sostengono la mostra anche SNAM e Salone del Mobile, media partner è il Corriere della Sera. L’esposizione presenta una visione di Leonardo non mitografica, né retorica né celebrativa, ma trasversale su tutta l'opera del poliedrico personaggio, considerato come artista e scienziato attraverso alcuni temi centrali individuati dai curatori: il disegno, fondamentale nell'opera di Leonardo; il continuo paragone tra le arti: disegno, pittura, scultura; il confronto con l'antico; la novità assoluta dei moti dell'animo; il suo tendere verso progetti utopistici, veri e propri sogni, come poter volare o camminare sull'acqua per cui sarà allestita in mostra una apposita sezione; l'automazione meccanica e così via, temi che lo hanno reso un alfiere dell’unità del sapere, con l’intrecciarsi continuo nella sua opera di scienze e arti. La straordinaria mostra illustra, attraverso dodici sezioni, le tematiche centrali nella carriera artistica e scientifica di Leonardo, trasversali nella sua lunga estensione, venendo ad abbracciare non solo gli anni della sua formazione fiorentina, ma anche i due soggiorni milanesi, fino alla sua permanenza in Francia, sottolineando così alcune costanti della sua visione artistica e scientifica. Dal percorso espositivo risulta chiara anche la sua vocazione all’interdisciplinarietà e al continuo intrecciarsi di interessi, attraverso l’approccio analogico allo studio dei fenomeni e alla loro rappresentazione grafica, riassunti e culminanti nei suoi dipinti più tardi. La mostra apre al pubblico dal 16 aprile al 19 luglio. 16 aprile – 19 luglio Palazzo Reale Milano, Piazza del Duomo 12 www.comune.milano.it
Inizio: 16/04/2015
Fine: 19/07/2015
Indirizzo: Milano, Piazza del Duomo 12
Spazio:
Area geografica: Nord
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Titolo: Italia Inside Out, i fotografi del mondo
Introduzione: Italia Inside Out, i fotografi del mondo Palazzo della Ragione Fotografia ospita “Italia Inside Out”, la grande mostra di fotografia con più di 500 immagini dei più importanti fotografi del mondo.
Descrizione: Italia Inside Out, i fotografi del mondo Palazzo della Ragione Fotografia ospita “Italia Inside Out”, la grande mostra di fotografia con più di 500 immagini dei più importanti fotografi del mondo. Promossa e prodotta dal Comune di Milano - Cultura, Palazzo della Ragione, Civita, Contrasto e GAmm Giunti, curata da Giovanna Calvenzi e allestita con un progetto scenografico di Peter Bottazzi, la rassegna caratterizza, nei mesi di Expo 2015, il programma di Palazzo della Ragione Fotografia, il nuovo spazio espositivo interamente dedicato alla fotografia inaugurato a giugno 2014, in piazza dei Mercanti, a due passi da piazza Duomo. Nella seconda parte - OUT -, dal 1° luglio al 27 settembre 2015, saranno protagoniste le fotografie dei grandi maestri internazionali. In mostra fotografie di: Henri Cartier-Bresson, John Davies, Candida Höfer, William Klein, Josef Koudelka, Sergio Larrain, Herbert List, Isabel Muñoz, Martin Parr, Bernard Plossu, Sebastião Salgado, David Seymour, Alexey Titarenko, George Tatge e tanti altri. 1 luglio – 27 settembre 2015 Palazzo della Ragione Fotografia Milano, Piazza Mercanti, 1 www.palazzodellaragionefotografia.it
Inizio: 01/07/2015
Fine: 27/09/2015
Indirizzo: Milano, Piazza Mercanti, 1
Spazio:
Area geografica: Nord
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Titolo: Arts & Foods - Rituali dal 1851
Introduzione: La multiforme relazione fra le arti e il cibo è ripercorsa e analizzata nel Padiglione “Arts & Foods”, unica Area tematica di Expo Milano 2015 realizzata in città e allestita al Palazzo della Triennale che la ospita dal 9 Aprile fino al 1° Novembre 2015.
Descrizione: Arts & Foods - Rituali dal 1851 Triennale di Milano La multiforme relazione fra le arti e il cibo è ripercorsa e analizzata nel Padiglione “Arts & Foods”, unica Area tematica di Expo Milano 2015 realizzata in città e allestita al Palazzo della Triennale che la ospita dal 9 Aprile fino al 1° Novembre 2015. Allestita negli spazi interni ed esterni della Triennale – 7.000 metri quadrati circa tra edificio e giardino – “Arts & Foods” mette a fuoco la pluralità di linguaggi visuali e plastici, oggettuali e ambientali che dal 1851, anno della prima Expo a Londra, fino ad oggi hanno ruotato intorno al cibo, alla nutrizione e al convivio. Una panoramica mondiale sugli intrecci estetici e progettuali che hanno riguardato i riti del nutrirsi e una mostra internazionale che fà ricorso a differenti media così da offrire un attraversamento temporale, dallo storico al contemporaneo, di tutti i livelli di espressività, creatività e comunicazione espressi in tutte le aree culturali. Con una prospettiva stratificata e plurisensoriale “Arts & Foods”, a cura di Germano Celant e con l’allestimento dello Studio Italo Rota, documenta gli sviluppi e le soluzioni adottate per relazionarsi al cibo, dagli strumenti di cucina alla tavola imbandita e al picnic, dalle articolazioni pubbliche di bar e ristoranti ai mutamenti avvenuti in rapporto al viaggio per strada, in aereo e nello spazio, dalla progettazione e presentazione di edifici dedicati ai suoi rituali e alla sua produzione. Il tutto appare intrecciato alle testimonianze di artisti, scrittori, film makers, grafici, musicisti, fotografi, architetti e designers che, dall’Impressionismo e dal Divisionismo alle Avanguardie storiche, dalla Pop Art alle ricerche più attuali, hanno contribuito allo sviluppo della visione e del consumo del cibo. Una raccolta e un viaggio nel tempo che riflette creativamente il tema dell’Esposizione Universale di Milano, “Nutrire il Pianeta, Energia per la Vita”, attraverso centinaia e centinaia di opere, oggetti e documenti provenienti da musei, istituzioni pubbliche e private, collezionisti e artisti da tutto il mondo. “La Triennale di Milano è l’unica istituzione italiana che tratta le arti visive e applicate in modo multidisciplinare – ha affermato Claudio De Albertis, presidente della Triennale di Milano. Pertanto è stato naturale accogliere la proposta di Expo di produrre e realizzare la mostra “Arts & Foods” e la VIII edizione del Triennale Design Museum dedicata al tema così necessario come quello di Expo. Infatti, con Silvana Annicchiarico direttore del Triennale Design Museum, abbiamo chiesto a Germano Celant insieme a Italo Rota di creare e progettare “Cucine & Ultracorpi”. Siamo sicuri che avremo un ottimo risultato sotto tutti i profili.” "Siamo molto soddisfatti del percorso artistico proposto da “Arts & Foods” – ha spiegato il Commissario Unico del Governo per Expo Milano 2015 Giuseppe Sala - Grazie a questa Area tematica inserita nel contesto della Triennale non solo portiamo nel cuore di Milano il tema dell'Esposizione Universale, l'alimentazione, ma permetteremo agli amanti e agli appassionati di arte che durante i sei mesi dell'Expo visiteranno la nostra città di godere di opere uniche, che hanno segnato la storia. La collaborazione con le strutture museali di tutto il mondo è fondamentale nel progetto che Germano Celant ha disegnato. Siamo certi che il risultato sarà all'altezza delle attese e ci renderà orgogliosi di aver potuto ospitare una mostra di così importante valore internazionale". “Arts & Foods” coinvolge tutti i media e linguaggi: dalla pittura alla scultura, dal video all’installazione, dalla fotografia alla pubblicità, dal design all’architettura, dal cinema alla musica e alla letteratura. – ha dichiarato Germano Celant, curatore del Padiglione e dell’ottava edizione Triennale Design Museum - Si articola con un andamento cronologico che copre il periodo dal 1851 – data della prima Expo a Londra e dell’avvio della modernità – all’attualità, attraverso la creazione di ambienti dedicati ai luoghi e agli spazi del convivo, sia in ambito privato sia nella sfera pubblica – dalla sala da pranzo alla cucina, dal bar al cibo da viaggio – in cui arredi, oggetti, elettrodomestici e opere d’arte creano una narrazione di forte impatto visivo e suggestione sensoriale. 9 Aprile fino - 1° Novembre 2015 Triennale
Inizio: 09/04/2015
Fine: 01/11/2015
Indirizzo: Milano, viale Alemagna,6
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Area geografica: Nord
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Titolo: Cucine & Ultracorpi
Introduzione: Cucine & Ultracorpi Triennale Design Museum In occasione di Expo Milano 2015, l’ottava edizione del Triennale Design Museum, propone ”, che vuole raccontare la lenta quanto inesorabile trasformazione degli strumenti tradizionali della cucina in macchine e automi. Un'armata d’invasori che, da metà del XIX Secolo con l'avvento dell'industrializzazione, è dilagata arrivando a sostituire molte pratiche del cucinare. L'intento è di ripercorrere l'evoluzione di cucine ed elettrodomestici in Italia, dalla prima emergenza documentabile fino al 2015, anche in relazione a episodi della progettazione internazionale e dell'industria estera." L'esposizione, a cura di Germano Celant e in stretta collaborazione con Silvana Annicchiarico, declinerà il tema di Expo Milano 2015 per raccontare un’ulteriore specificità del design italiano. 9 aprile 2015 - 21 febbraio 2016 Triennale Design Museum Milano, viale Alemagna,6 www.triennale.org
Descrizione: Cucine & Ultracorpi Triennale Design Museum In occasione di Expo Milano 2015, l’ottava edizione del Triennale Design Museum, propone ”, che vuole raccontare la lenta quanto inesorabile trasformazione degli strumenti tradizionali della cucina in macchine e automi. Un'armata d’invasori che, da metà del XIX Secolo con l'avvento dell'industrializzazione, è dilagata arrivando a sostituire molte pratiche del cucinare. L'intento è di ripercorrere l'evoluzione di cucine ed elettrodomestici in Italia, dalla prima emergenza documentabile fino al 2015, anche in relazione a episodi della progettazione internazionale e dell'industria estera." L'esposizione, a cura di Germano Celant e in stretta collaborazione con Silvana Annicchiarico, declinerà il tema di Expo Milano 2015 per raccontare un’ulteriore specificità del design italiano. 9 aprile 2015 - 21 febbraio 2016 Triennale Design Museum Milano, viale Alemagna,6 www.triennale.org
Inizio: 09/04/2015
Fine: 21/02/2016
Indirizzo: Milano, viale Alemagna,6
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Area geografica: Nord
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Titolo: CY TWOMBLY PARADISE
Introduzione: Tra i massimi maestri della contemporaneità, Cy Twombly (Lexington, Virginia, 1928 - Roma, 2011) torna a Venezia – dove è stato presente alla Biennale per ben cinque volte a partire dal 1964, l’ultima delle quali nel 2001 dove ottiene il Leone d’Oro – con un’importante mostra monografica curata da Julie Sylvester e Philip Larratt-Smith.
Descrizione: CY TWOMBLY PARADISE Venezia - Ca’ Pesaro, Galleria Internazionale d’Arte Moderna 6 maggio – 13 settembre 2015 Tra i massimi maestri della contemporaneità, Cy Twombly (Lexington, Virginia, 1928 - Roma, 2011) torna a Venezia – dove è stato presente alla Biennale per ben cinque volte a partire dal 1964, l’ultima delle quali nel 2001 dove ottiene il Leone d’Oro – con un’importante mostra monografica curata da Julie Sylvester e Philip Larratt-Smith. La rassegna, realizzata in collaborazione con la Cy Twombly Foundation di New York, il coordinamento scientifico di Gabriella Belli e il progetto di allestimento di Daniela Ferretti, approda a Ca’ Pesaro come un cammeo prezioso: l’inedita testimonianza di un lavoro che si rigenera a ogni sua apparizione, in un continuum emozionale, e di un artista che non finisce di stupire “per la straordinaria intelligenza visiva e l’acuta sensibilità verso tutte le forme della bellezza, fisica, naturale e artistica”, come scrive Philip Larratt-Smith nel catalogo (ed Damiani). Cy Twombly Paradise è un percorso iniziatico che attraversa sessant’anni della produzione di Twombly pittore e scultore e della sua indefessa creatività, che a Venezia ritrova - in un contesto culturale che mantiene sempre altissima l’attenzione del pubblico verso i grandi maestri - una nuova prospettiva sui misteri e le rivelazioni dell’arte di Twombly. L’opera di Cy Twombly, scomparso nel 2011, ruota intorno ai temi universali di amore, arte, bellezza e morte, tuttavia la peculiarità della sua visione artistica, la sua prospettiva del mondo ne offrono un’interpretazione straordinariamente originale. Come molti della sua generazione, Twombly ha reagito contro la tendenza pittorica dominante dell’Espressionismo Astratto, ma a differenza di altri, indirizzati verso l’immaginario Pop e il Neodadaismo, egli ha operato una sintesi tra i lasciti e le tecniche consolidate dell’astrazione gestuale e la tradizione della pittura europea. L’innovativo uso del linguaggio, l’ampio raggio di allusioni e riferimenti aprono il suo lavoro alla storia, alla letteratura e alla filosofia; rendendo labili i confini tra pittura, disegno e scrittura, preservando allo stesso tempo un alto grado di astrazione. L’amore per il vernacolo è controbilanciato da una raffinatezza e una profonda conoscenza culturale. Invero, il suo lavoro oscilla tra binomi opposti: ragione e passione, rappresentazione e astrazione, apollineo e dionisiaco, sessualità e intelletto, passato e presente, immaginazione e osservazione, lucidità e frenesia. Dunque, la sessualità esuberante, il richiamo a un passato arcadico in cui corpo e mente sono armoniosamente unificati, il ricorrere nei lavori di parole, frasi, poesie e, soprattutto, l’astrazione gestuale di Twombly – che ha realizzato disegni al buio, ha dipinto con la mano sinistra, ha aumentato l’estensione del pennello, fissandolo a lunghi bastoni, come strategia cosciente per dimenticare la formazione artistica e perdere il controllo del mezzo tecnico – sono solo alcuni dei temi della sua ricerca creativa, ripercorsa nelle sale monumentali di Ca’ Pesaro. In mostra, dalle pitture murali su legno datate 1951 si giunge, in un percorso ricco di visioni e richiami, a una selezione degli ultimissimi lavori di Twombly realizzati nel 2011, quando l’artista era al limite fisico della vecchiaia: otto tele di cerchi gestuali barocchi, in giallo, rosso e arancione su un fondo verde brillante (metà margarita, metà key lime); eccentriche pennellate circolari - tra i motivi chiave dell’artista - strette in alcuni punti e più ampie e libere in altri, per generare “una sensazione d’energia radiante e di frenesia controllata”. “I suoi segni caratteristici, elidenti intenzionalmente dipinti, disegni e scritte, coesistono con gocce, spruzzi e sbavature occasionali lasciate colare sulla superficie, rivelandone il processo creativo”. Create poche settimane e addirittura pochi giorni prima della sua scomparsa, queste superfici lucide e ipnotiche – quattro delle quali esposte in questa occasione – sono state le ultime dipinte dall’artista americano. Per Twombly l’arte è il “paradiso terrestre”, dove le esperienze e le emozioni del passato sono recuperate e trasfigurate nel presente. L’amore in tutte le sue manifestazioni – erotico, intellettuale, platonico, romantico, amore per la cultura, amore per la vita – è il principio animatore dei suoi dipinti, disegni e sculture. La sua arte è la misteriosa, perfetta unione tra sogno e veglia, passato irrecuperabile e presente percepibile attraverso i sensi, ardore intellettuale e capacità di amare: paradiso riconquistato. La mostra è organizzata con il supporto della Gagosian Gallery.
Inizio: 06/05/2015
Fine: 13/09/2015
Indirizzo: Venezia - Ca’ Pesaro, Galleria Internazionale d’Arte Moderna
Spazio:
Area geografica: Nord
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Titolo: Picasso e le sue Passioni
Introduzione: W.E. CONCEPT A SOSTEGNO DELL’ARTE E DELLA CULTURA IN SICILIA
Descrizione: CON LA MOSTRA “PICASSO E LE SUE PASSIONI”- CASTELLO URSINO, MUSEO CIVICO, CATANIA IL BUREAU DEL LUSSO PORTAVOCE DEL MADE IN SICILY, FINO AL 28 GIUGNO AFFIANCA IL SUO NOME AD UNO DEGLI EVENTI PIÙ IMPORTANTI MAI REALIZZATI SU PICASSO Per quantità di opere, presenza delle tecniche utilizzate e la pittura ad olio inedita presentata per la prima volta al mondo, la Mostra “Picasso e le sue passioni” è uno tra gli appuntamenti più importanti mai realizzati sul grande Genio, un’occasione unica per la Sicilia. W.E. Concept, il Wedding and Event Bureau portavoce del Made by Sicily, è lo sponsor tecnico di questo evento culturale, sostenitore, dunque, del fermento artistico della città, volano per un turismo di qualità sul territorio catanese, sempre più grande polo d'attrazione turistica (due volte Patrimonio dell'Umanità con il suo barocco fiorito e con l'Etna): tutti principi particolarmente cari a W.E. Concept. Lo store di via Monfalcone, inoltre, è stato uno dei protagonisti dell’inaugurazione della Mostra di Picasso tramite uno dei suoi Partner, l’artigiano ceramista calatino Nicolò Morales che ha fatto rivivere, con un superbo body painting, l 'Opera di "Guernica ", il capolavoro più noto del Genio. “Picasso e le sue passioni”, organizzata da Comediarting, III Millennio e dal Comune di Catania e a cura di Dolores Duran Urcan e Stefano Cecchetto, è in mostra nel Museo Civico del Castello Ursino, in pieno centro storico a Catania, sino al 28 giugno. L’evento mette in vetrina tutta la Sicilia, per la mondiale portata artistico-culturale e mediatica della mostra ma soprattutto per le oltre 200 opere del grande artista tra vasi, piatti, brocche, mattonelle dipinte, importanti opere su carta e tre opere uniche, di cui due oli e una gouache. Si tratta di opere provenienti per la maggior parte da prestigiose raccolte private di tutto il mondo e dal museo di Mija Malaga, noto per la ceramica. Il percorso è inoltre arricchito da “Picasso in the cube” (politic passion), un'istallazione multimediale interattiva che racconta il rapporto dell'artista con la politica e i riflessi che questa ebbe sulla sua arte. La mostra, con un percorso completo di opere del grande artista, intende illustrare, nei suoi contenuti più autentici, i temi e le passioni che hanno dato vita alla creatività di Picasso e ne hanno influenzato la vicenda umana e quella artistica. Il teatro e il circo, la tauromachia, le donne e la politica sono state per tutta la sua carriera argomenti di ricerca portante nella sua complessa cifra stilistica. Unico artista del ‘900 che ha saputo trattare tutte le tecniche ascrivibili al mondo dell’arte, Picasso ha conquistato il titolo di Genio proprio perché non si è mai fermato davanti a nulla, mettendosi in gioco e sperimentando fino alla vecchiaia.
Inizio: 04/04/2015
Fine: 28/06/2015
Indirizzo: Castello Ursino - Piazza Federico II di Svevia, CATANIA
Spazio: Museo Civico Catania
Area geografica: Sud
Email: press@weconceptsicily.com
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Titolo: Juan Muñoz Double Bind & Around
Introduzione: Juan Muñoz Double Bind & Around di Mariantonia Ronchetti Il 9 aprile ha aperto i battenti presso Hangar Bicocca una mostra dedicata allo scultore spagnolo Juan Muñoz scomparso nel 2001. L’esposizione, curata da Vicente Todolí, utilizza gli immensi spazi dell’Hangar per ripercorrere la carriera dell’artista attraverso quindici fra le installazioni e sculture più significative della sua produzione.
Descrizione: Juan Muñoz Double Bind & Around di Mariantonia Ronchetti Il 9 aprile ha aperto i battenti presso Hangar Bicocca una mostra dedicata allo scultore spagnolo Juan Muñoz scomparso nel 2001. L’esposizione, curata da Vicente Todolí, utilizza gli immensi spazi dell’Hangar per ripercorrere la carriera dell’artista attraverso quindici fra le installazioni e sculture più significative della sua produzione. L’allestimento dialoga e si confronta con lo spazio espositivo, ne modifica la struttura e di conseguenza la percezione, creando nello spettatore una sensazione di spaesamento ingigantita dal silenzio che pervade il percorso espositivo. Il cuore della mostra è indubbiamente rappresentato da “Double Bind” (da qui il titolo), la più imponente installazione realizzata da Muñoz e concepita nel 2001 per la Turbine Hall della Tate Modern di Londra e da allora mai più esposta. L’opera è costituita da una struttura architettonica di oltre 1500 metri quadrati di superficie e da numerose sculture, si compone di due piani e due ascensori in continuo movimento. Per la visita di quest’istallazione si consiglia di salire al piano alto che permette l’accesso ad un balcone costituito da un immenso pavimento sulla cui superficie vi sono cavità popolate di statue che consentono alla luce di filtrare al piano inferiore. Una volta ridiscese le scale si percorrono nella semi oscurità gli ambienti alienanti di un anonimo parcheggio sotterraneo, accompagnati dall’ossessivo movimento di due ascensori impraticabili. I pavimenti, costituiti da una serie infinita di pattern geometrici colorati, che richiamano le spettacolarizzazioni e gli illusionismi dell’arte barocca, sono tra gli elementi preferiti dall’artista. “The Wasteland” (Terre desolate) riproduce una superficie modulare ad illusioni ottiche. Quanto ai suoi personaggi, realizzati in papier maché di resina e bronzo: figure di ballerine, acrobati, nani occupano lo spazio come presenze distanti e destabilizzanti. Giocano con il movimento dei loro corpi contorcendosi appesi a un filo sopra la testa dello spettatore. Le opere della serie “Conversation Piece”, sviluppate a partire dagli anni Novanta, sono tra le più riconoscibili dell’autore e si presentano come gruppi scultorei composti da figure anonime (quasi a grandezza naturale) collocate in spazi generici, come sale, cortili o piazze. In questo caso i personaggi hanno strutture sferiche al posto delle gambe. Ciascuna figura occupa lo spazio assumendo pose diverse ma sembra essere fissata mentre conversa, osserva o ascolta fatti ed eventi che rimangono incomprensibili allo spettatore. Passeggiando nella “piazza” di Muñoz di fronte a questi soggetti si prova un senso di smarrimento, di isolamento, di incomunicabilità e di solitudine. La ricerca sulle relazioni tra spazio architettonico e individuo è la costante dell’opera dello scultore madrileno che ha reintrodotto la figura umana al centro dello spazio architettonico. Le sue opere sono cariche di una forte ambivalenza in cui i confini tra finzione e realtà si assottigliano lasciando spazio a immagini oscure e perturbanti dalla forte carica psicologica. 9 aprile – 23 agosto 2015 Milano, Hangar Bicocca - Via Chiese, 2 Da giovedì a domenica 11:00 alle 23:00 - ingresso libero www.hangarbicocca.org
Inizio: 09/04/2015
Fine: 23/08/2015
Indirizzo: Milano, Hangar Bicocca - Via Chiese, 2
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Area geografica: Milano
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Titolo: My East is Your West
Introduzione: a cura di Feroze Gujral con Natasha Ginwala e Martina Mazzotta Gujral Foundation - India Fondazione Partner in Italia: Fondazione Mazzotta Evento collaterale alla 56. Esposizione Internazionale d'Arte - la Biennale di Venezia Palazzo Benzon Calle Benzon, San Marco 3917, Venezia - Fermata S. Angelo 6 maggio - 1 ottobre 2015
Descrizione: My East is Your West a cura di Feroze Gujral con Natasha Ginwala e Martina Mazzotta Gujral Foundation - India Fondazione Partner in Italia: Fondazione Mazzotta Evento collaterale alla 56. Esposizione Internazionale d'Arte - la Biennale di Venezia Palazzo Benzon Calle Benzon, San Marco 3917, Venezia - Fermata S. Angelo 6 maggio - 1 ottobre 2015 My East is your West, evento collaterale alla 56. Esposizione Internazionale d'Arte - la Biennale di Venezia, realizzato dalla Gujral Foundation e dalla Fondazione Mazzotta - Partner in Italia, è curata da Feroze Gujral con Natasha Ginwala e Martina Mazzotta. La mostra è il compendio del lavoro svolto negli ultimi anni da Shilpa Gupta (Mumbai - India) e Rashid Rana (Lahore - Pakistan); un percorso che crea una forte connessione con l'espressività, la cultura e la società sud orientale. Per la prima volta India e Pakistan sono uniti e coinvolti all'interno della Biennale, con l'obiettivo di reindirizzare il complesso clima di rapporti storici dei due paesi attraverso una cartografia culturale comune ridisegnata dai due artisti. Nelle sale di Palazzo Benzon spiccano video-installazioni anche interattive, video, disegni, installazioni, opere digitali, fotografie e performance continuative. RASHID RANA con "Transpositions" (2013-2015) propone un set immersivo, dove le strutture architettoniche si combinano con video, opere digitali, installazioni e performance. Introduce al percorso l'opera "War Within II" che rivela la predilezione dell'artista per il neoclassicismo e per il linguaggio legato alla poetica del pixel, istituendo una dialettica tra micro e macro, tra particolare e tutto. Il riferimento all'opera di Jacques-Louis David "Il giuramento degli Orazi" (1784), che raffigura una fratellanza rotta con il sangue, per Rana diventa, tramite l'elaborazione fotografica, metafora della frattura fra India e Pakistan. Frattura caratterizzata da prolungati e cruenti conflitti, avvenuta con la secessione del '47 e con la nascita dello stato indipendente del Bangladesh nel '71, che prima di allora era il Pakistan orientale. Nella sala successiva una video installazione interattiva approfondisce il tema del doppio, i concetti di locazione e dislocazione, di percezione personale e collettiva, leitmotiv della poetica di Rana, resa attraverso la ripresa del visitatore, che viene proiettato in leggera differita su un grande schermo a parete. Tali riferimenti ritornano nella sala seguente, dove si entra in connessione diretta audio e video con gli abitanti di Lahore (Pakistan). L'artista infatti, molto attento alla resa degli spazi e delle quinte architettoniche, ricrea a Lahore la medesima sala di Palazzo Benzon, dando vita a una situazione di specularità architettonica, sul cui sfondo i protagonisti di questa performance "continua" sono le persone che dialogano dai capi opposti del mondo. Proseguendo il percorso si ammirano due grandi schermi che riproducono in chiave personalizzata ed estremamente attuale il famoso quadro di Caravaggio "Giuditta e Oloferne" (1599). Rana attraverso innumerevoli e piccoli video, che simboleggiano i pixel, restituisce i tratti e le tonalità del celebre dipinto. I filmati, provenienti da tutto il mondo, sono il risultato di una ricerca iconografica fatta su youtube e presentano situazioni di conflitto e violenza. L'osservazione ravvicinata rivolta ai piccoli frames, si alterna alla visione d'insieme, che riporta all'opera cinquecentesca. Nello schermo di fronte è proiettato un video che mostra lo stesso lavoro dell'artista, incorniciato da una struttura che riproduce la sala di Palazzo Benzon e collocato prima della mostra in una strada di Lahore e consente di osservare l'originale e personale interazione dei passanti appartenenti a una cultura differente, con l'opera stessa. All'interno della sala che conclude il percorso delle opere di Rashid Rana, grandi pannelli riproducono i particolari architettonici del Palazzo, realizzati con la stampa di grandi pixel rettangolari. Una tenda nera introduce nell'area espositiva dedicata alle serie di opere, intitolate Untitled, di SHILPA GUPTA, che dal 2011 al 2015 si è immersa nella società che vive al confine tra Bangladesh e India, nei pressi della barriera che divide i due territori, luogo di costanti flussi migratori e conflitti. Nel '71, infatti, a seguito della costituzione del Bangladesh, hanno inizio migrazioni di migliaia di persone verso il Bengala e Calcutta a fronte delle quali il governo indiano costruisce una lunghissima barriera di 40 km, che l'artista rappresenta nella sua totalità all'interno di un dipinto, dove i fari che la illuminano tracciano una linea puntiforme visibile dall'universo. Gupta, attraverso la narrazione di quanto avviene nei territori di confine, sottolinea le difficoltà dovute all'estrema povertà che conduce a costanti migrazioni e al traffico illecito di materiali preziosi. Ne sono esempio il sari bianco ridotto a una sottile e lunga striscia di tessuto, avvolto a un lungo fuso al fine di essere ricreato dopo il trasporto; un piccolo pezzo d'oro da nascondere sotto le vesti, la ceramica cinese spezzettata che può essere reimpiegata e utilizzata come merce di scambio. Di forte impatto è il colletto di una divisa che lascia intravedere al suo interno parte di una camicia a quadri, allusiva dell'umanità individuale nascosta e soffocata dell'uniforme istituzionale con mostrine, propria delle guardie di sorveglianza. L'artista, riproduce l'incombenza del muro con disegni su carta "automatismi" realizzati di notte al buio dormendo vicino alla frontiera. In mostra sono descritti gli elementi ambientali caratteristici del luogo: la fitta e omogenea nebbia racchiusa in una teca, le fotografie del terreno umido e paludoso, ma anche verdeggiante del Bangladesh. Spicca su una parete la foto segnaletica con il volto di un uomo coperto da un rettangolo di terra, in riferimento a quanto può avvenire quando la polizia riceve dai congiunti le foto di persone disperse. Su una lastra metallica sono incisi alcuni strumenti utilizzati per oltrepassare la barriera come una zattera di bambù con rotelle, un piede di porco, un cric d'automobile. Passando alla sala successiva, si viene abbagliati da un grande faro, uno dei tanti situati al confine nel tentativo di fermare quanti vogliono attraversarla. Il percorso procede con l'esposizione di opere su carta realizzate con la colla "Phensedyl", diffusa in India e illegale in Bangladesh per il suo carattere allucinogeno; una grande installazione formata da un grande tavolo con numerose buste chiuse contenenti documenti tritati, simboleggia il sistema utilizzato per oltrepassare la frontiera per poi ricomporre i fogli scritti. Un video dal titolo "Will it be alright if we win?" riprende le gambe dei giocatori di una partita di calcio; non tutti hanno le scarpe, in quanto si tratta di militari addetti alla sorveglianza della barriera e degli uomini che vivono nelle adiacenze: parentesi ricreativa di un'umanità precaria. Nell'ultima stanza si è accolti da una coinvolgente performance "continuativa", che rimanda alla tradizione della tessitura del cotone di Phulia, una città situata tra India e Bangladesh. Una striscia di tessuto lunga 4 km percorre l'ambiente, appoggiata su un tavolo dove il performer traccia dei segni tramite la carta copiativa per rappresentare le linee del confine. Cenni biografici Shilpa Gupta (1976) vive e lavora a Mumbai, in India, dove dal 1992 al 1997 ha studiato scultura al Sir J.J. School of Fine Arts. Le sue opere utilizzano video interattivi, siti web, oggetti, fotografie, suoni e performance per indagare tematiche quali il desiderio, la religione, il concetto di sicurezza e di confine. Mostre personali dell'artista si sono svolte in Asia, Europa e Stati Uniti. In particolare, di recente, presso: Kunstnernes Hus, Oslo; MO Mucsarnok Kunsthalle, Budapest; MAAP Space, Brisbane; Arnolfini, Bristol; OK Center for Contemporary Art, Linz. Gupta ha partecipato alla Triennale Younger than Jesus, New Museum, New York; Lyon Biennale, curata da Hou Hanru; Biennale di Gwangju, diretta da Okwui Enwezor e curata da Ranjit Hoskote; Triennale di Yokohama, curata da Hans Ulrich Obrist, Biennale di Liverpool, curata da Gerardo Mosquera; più di recente: Dhaka Art Summit, curata da Diana Campbell-Betancourt, Biennale di Sharjah, curata da Yuko Hasegawa, 8° Berlin Biennale for contemporary Art, curata da Juan Gaitan e con la partecipazione nel team artistico di Natasha Ginwala. Dal 2002 al 2006, Gupta ha co-promosso Aar Paar, un progetto di scambio di arte pubblica tra India e Pakistan, insieme con l'artista di Lahore Huma Mulji. I suoi lavori sono stati esposti in musei e istituzioni internazionali tra cui Tate Modern, Londra; Serpentine Gallery, Londra; Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino; Daimler Chrysler Contemporary, Berlino; Mori Museum, Tokyo; Solomon R. Guggenheim Museum, New York; Chicago Cultural Center; Louisiana Museum, Humlebæk; Devi Art Foundation, New Delhi. Rashid Rana (1968) è nato a Lahore, in Pakistan, dove vive e lavora. Ha studiato pittura al National College of Arts di Lahore e al Massachussets College of Fine Arts di Boston. E' fondatore di facoltà e preside del dipartimento di Fine Art presso la Beaconhouse National University di Lahore. Le sue recenti personali includono una grande retrospettiva dei suoi lavori di metà carriera, intitolata Labyrinth of Reflections, presso il Mohatta Palace Museum di Karachi (2013), alcune mostre presso la Cornerhouse di Manchester (2011) e presso il Museo Guimet di Parigi (2010). Ha partecipato a grandi mostre collettive quali: Dhaka Art Summit (2014), Biennale di Kiev (2012); Fotomuseum Winterthur, Whitechapel Gallery e Saatchi Gallery, Londra (2010); Asia Society, New York (2009); 5° Asia Pacific Triennale, Queensland Gallery of Art, Brisbane (2006); Biennale di Singapore (2006). Natasha Ginwala (India 1985) è una curatrice indipendente, ricercatrice e scrittrice. È consigliere curatoriale e curatrice dei Programmi Pubblici per il progetto della Fondazione Gujral, My East is Your West, presso la 56ª Biennale di Venezia (2015), ed è stata membro del gruppo artisti all'8ª Biennale di Berlino per l'Arte Contemporanea (2014). I suoi lavori recenti includono il progetto curatoriale in più parti, ancora in corso, Landings, presentato al Centro per l'Arte Contemporanea Witte de With, alla Fondazione per l'Arte David Roberts, al NGBK di Berlino, al Museo Stedelijk di Amsterdam e presso altre organizzazioni associate, dal 2013 fino ad oggi, (con Vivian Ziherl), e a 'Il Museo del Ritmo' della Biennale di Taipei 2012 (con Anselm Franke). Ginwala ha partecipato al Programma Curatoriale de Appel, Amsterdam, e ha insegnato all'Istituto Sandberg e all'Accademia Gerrit Rietveld. Ha contribuito ad alcune pubblicazioni come riviste e-flux: The Exhibitionist e il Manifesta Journal, tra le altre. Martina Mazzotta (Milano 1974) curatrice, vive a Londra, è laureata in filosofia in Italia e in Germania e ha conseguito un phd in Storia dell'Arte a Milano. L'approccio transdisciplinare alle arti caratterizza tutta la sua ricerca, come saggista, docente universitario e curatore (ha ideato e curato numerosi libri e mostre, tra cui il contributo di Studio Azzurro alla Biennale Internazionale di Site Santa Fe, USA 2008, quello di Pietro Pirelli a Mumbai per En-Counters, India 2013, nonché mostre dall'approccio filosofico quali Pelle di Donna, Triennale di Milano 2012, e Wunderkammer. Arte, Natura, Meraviglia ieri e oggi, Museo Poldi Pezzoli e Gallerie d'Italia, 2014). Il tutto si integra con quell'universo di tradizioni ed esperienze rappresentato dalla Casa Editrice Mazzotta, fondata da suo padre Gabriele 50 anni fa, e dalla Fondazione Mazzotta, dedicata a suo nonno Antonio e oggi think-tank internazionale. Il Comitato d'onore è formato da: Richard Armstrong, Direttore della Fondazione Museo Solomon R. Guggenheim; Amin Jaffer, Direttore Internazionale Arte Asiatica, Christie's; David Elliot, curatore e scrittore; Anupam Poddar, fondatore direttore Devi Art Foundation; Madhuvanti Ghose, co-curatore The Art Institute of Chicago. COORDINATE MOSTRA Titolo mostra: My East is your West Date: 6 Maggio - 1 Ottobre 2015 Sede: Palazzo Benzon, Calle Benzon, San Marco 3927, Canal Grande - Venezia Ideazione e curatela: Feroze Gujral, Fondatore/Direttore Gujral Foundation Artisti: Rashid Rana (Lahore - Pakistan) e Shilpa Gupta (Mumbai - India) Collaborazione per la curatela e eventi collaterali: Natasha Ginwala e Martina Mazzotta Partner in Italia: Fondazione Mazzotta Orari: martedì - domenica, dalle ore 10 alle 18 Ingresso: libero Come arrivare: Vaporetto fermata S. Angelo INFO PUBBLICO Chiara Bordin - Valorizzazioni Culturali | Art-Events +39 328 3073233 venice@art-events.it Uffici stampa IBC Irma Bianchi Communication Milano - info@irmabianchi.it tel. + 39 02 8940 4694 - mob. + 39 328 5910857 testi e immagini scaricabili da http://www.irmabianchi.it/mostra/my-east-your-west-rashid-rana-pakistan-e-shilpa-gupta-india-alla-56%C2%B0-biennale-di-venezia Sutton PR South Wing Somerset House, Strand, London WC2R 1LA Olivia Cerio olivia@suttonpr.com +44 (0) 20 7183 3577 Flint PR Nidhi Awasty nidhi.awasty@flint-pr.com +91 989 959 85 86
Inizio: 06/05/2015
Fine: 01/10/2015
Indirizzo: Calle Benzon, San Marco 3917, Venezia
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Titolo: Il giardino è aperto
Introduzione: BIBLIOTECA NAZIONALE BRAIDENSE sala Maria Teresa Via Brera 28 - Milano Il giardino è aperto mostra bibliografica sulla storia dei giardini dal '400 ad oggi e presentazione del libro d'artista di Alessandra Angelini con testi di Paolo Cottini 5 - 27 giugno 2015 giovedì 4 giugno, ore 18 inaugurazione mostra di libri sui giardini pubblicati dal '400 ad oggi presentazione libro d'artista di Alessandra Angelini con testi di Paolo Cottini
Descrizione: BIBLIOTECA NAZIONALE BRAIDENSE sala Maria Teresa Via Brera 28 - Milano Il giardino è aperto mostra bibliografica sulla storia dei giardini dal '400 ad oggi e presentazione del libro d'artista di Alessandra Angelini con testi di Paolo Cottini 5 - 27 giugno 2015 giovedì 4 giugno, ore 18 inaugurazione mostra di libri sui giardini pubblicati dal '400 ad oggi presentazione libro d'artista di Alessandra Angelini con testi di Paolo Cottini ideata e realizzata dalla Biblioteca Nazionale Braidense in collaborazione con l'Associazione Cento Amici del Libro La mostra è patrocinata da "Le Università per Expo 2015 - Comitato scientifico del comune di Milano" intervengono Laura Tirelli, Presidente Cento Amici del Libro Mariella Goffredo, Biblioteca Nazionale Braidense Paolo Cottini, storico dei giardini Alessandra Angelini, artista Francesca Porreca, storica dell'arte e conservatrice ai Musei Civici di Pavia cid:QWxlc3NhbmRyYSBBbmdlbGluaV9sYW5jaW8uanBn$88551609$943585@irmabianchi Alessandra Angelini, Il Giardino è aperto, libro d'artista, 2015 Nell'ambito delle manifestazioni di Expo 2015, la Biblioteca Nazionale Braidense con l'Associazione i Cento Amici del Libro, propongono la mostra sulla storia dei giardini in Europa, dal '400 ad oggi. L'idea di offrire ai visitatori di EXPO questa manifestazione è stata data dal libro d'artista di Alessandra Angelini "Il giardino è aperto" che verrà presentato al pubblico all'inaugurazione dell'esposizione. Nutrire il pianeta, energia per la vita infatti non significa solo alimentare la Terra, ma nutrirla di bellezza e armonia, equilibrio che l'uomo ha tentato di raggiungere nei secoli persino attraverso l'antica arte dei giardini, intesa anche come architettura del paesaggio. Attingendo al ricco patrimonio bibliografico della Braidense, in particolare alla sezione di botanica del medico, naturalista e poeta svizzero Albrecht von Haller (1708-1777), vengono esposte un centinaio di opere. Di particolare rilievo si segnalano: la traduzione del Dioscoride del medico e naturalista trentino, Pietro Andrea Mattioli (1500-1577), edita nel 1554, e la probabile edizione del 1713 dell'opera Nürnbergische Hesperides, di Johann Christoph Volkamer (1644 - 1720), scrittore ed esperto di botanica. Oltre ad esse trovano posto nella mostra altri libri di eguale importanza: il volume Ville di delizia o siano palaggi camparecci nello Stato di Milano dell'incisore Marc'Antonio Dal Re, i due volumi del romantico Herbarium Portatile del 1821 e la recente collana L'Ornitorinco dell'editore Rizzoli, curata da Ippolito Pizzetti. Il libro d'artista "Il giardino è aperto", nato dall'incontro tra l'artista Alessandra Angelini con lo scrittore e storico dei giardini Paolo Cottini, racconta, attraverso la perfetta unione delle originali opere grafiche e dei testi inediti, il giardino di Vico Morcote nel Canton Ticino, che Sir Peter Smithers progettò, costruì e curò negli ultimi vent'anni della sua lunga e vivace esistenza. Alessandra Angelini, a seguito di un'attenta analisi dei testi di Cottini - che ha avuto l'occasione di frequentare Sir Peter Smithers - e di numerose visite al giardino di Morcote in diversi periodi dell'anno, ha realizzato una serie di opere grafiche, disegni preparatori a inchiostro di china, fotografie ed elaborazioni al computer rappresentative delle fasi preparatorie ed esecutive, esplicative del percorso creativo del libro, esposti in mostra accanto al libro d'artista. Per la creazione delle opere contenute nel libro "Il giardino è aperto" l'artista ha scelto l'incisione di matrici polimeriche e le xilografie a secco: tecniche e linguaggi grafici capaci di esprimere il personaggio di Sir Smithers e il suo stretto legame con il giardino, inteso come luogo naturale e metafora della vita, che Angelini ha saputo sapientemente interpretare attraverso il suo operato. L'incisione di matrici polimeriche grazie ai suoi aspetti tecnologici e al contempo profondamente creativi ha permesso di trasformare in segno grafico le fotografie e i disegni realizzati en plain air talvolta unendo immagine fotografica e disegno in un processo di ibridazione delle modalità espressive, estremamente coinvolgente. Le xilografie a secco, pensate come memoria della matericità della natura, accompagnano tutte le pagine del libro, dando ritmo alle immagini e agli scritti. Il colore, bianco e verde delle pagine e dei testi, si illumina di passaggi talvolta lievemente iridescenti, che Alessandra Angelini percepisce come "in sospensione tra l'immaginario e il reale, come simbolo delle trasformazioni che avvengono in natura, dalla nascita di un germoglio alla sua fine; un percorso che non si limita alla vita del fiore o della pianta ma allude al viaggio dell'uomo sulla terra". La scelta del formato del libro, stampato da Daniela Lorenzi - Atelier 14 e legato a mano da CbdA di Cristina Balbiano d'Aramengo, corrisponde al rapporto aureo tra i lati ed è un omaggio alla lezione etica ed estetica che Sir Smithers ha trasmesso: Armonia e Bellezza, come le piante e i fiori, sono in grado di trasformare la quotidianità nel giardino aperto dei nostri sogni. Nel periodo della sua piena fioritura, fine maggio-giugno 2015, è prevista una visita per il pubblico al "Giardino Smithers" di Vico Morcote nel Canton Ticino. Inoltre sono in via di definizione altre esposizioni del progetto in prestigiose sedi in Italia e all'estero. Parallelamente al libro d'artista è stata editata una plaquette bilingue italiano/inglese con testi di Alessandra Angelini, Francesca Porreca, Laura Tirelli, Patrizia Caccia, Cecilia Angeletti e il testo di Paolo Cottini con la traduzione inglese di Amelia Smithers, figlia del fondatore del giardino di Vico Morcote. Cenni biografici di Alessandra Angelini Alessandra Angelini nasce a Parma nel 1953. Condotti gli studi classici, si diploma in Pittura presso l'Accademia di Belle Arti di Brera. Da qui inizia il suo percorso artistico, dettato da un'estrema curiosità che la conduce verso la sperimentazione di tecniche e materiali, con una ricerca costante rivolta ai valori della luminosità cromatica, espressa attraverso l'uso dei pigmenti preparati personalmente, con lo stesso procedimento utilizzato per gli antichi dipinti su tavola. Il percorso formale intrapreso è sempre collegato all'espressione dell'interiorità, intesa come tessuto primo sul quale si costruisce il pensiero critico nei confronti del reale. L'artista si dedica a diversi linguaggi espressivi: pittura, incisione, grafica, scultura, fotografia. Di ognuno approfondisce lo studio della tecnica e le possibili associazioni, creando contaminazioni tra procedimenti e opere ibride. Ha esposto in numerose mostre personali e collettive in Italia e nel mondo in quattro continenti, le sue opere sono presenti nelle collezioni di importanti musei nazionali e internazionali. Dal 2005 è titolare della cattedra di Grafica e Tecniche dell'Incisione all'Accademia di Belle Arti di Brera a Milano. Fa parte di Visarte società delle Arti Visive Svizzera. Attualmente vive e lavora tra Milano e Pavia. www.alessandraangelini.org Cenni biografici di Paolo Cottini Paolo Cottini è collaboratore fisso di riviste di giardinaggio, in particolare di Giardini, con testi e servizi fotografici dedicati a piante e giardini storici. In questo ambito di studio ha scritto i volumi Il Parco delle Ville Ponti (1989) e Il Parco Mylius-Vigoni (1991). Nel 1994 ha pubblicato Giardini di Lombardia. Dalle origini all'età barocca, mentre del 1997 è Giardini del territorio varesino: la provincia. Nel 2000 ha pubblicato Villa Carlotta, il giardino e il museo e nel 2005 I Giardini della Città-giardino - A passeggio nel verde di Varese. Fra i suoi lavori più recenti figurano: La famiglia Bagatti Valsecchi e la villa di Cardano, ed. Bellavite, Missaglia, 2010 e Patrimonio botanico, in: Ornella Selvafolta, I Giardini di Villa Melzi d'Eril a Bellagio, Cisalpino, Milano, 2012. Di notevole importanza sono gli ampi saggi su Giardini e ville nel paesaggio comasco (in: Storia di Como, vol. V, tomo II, ed. Storia di Como, 2004) e Arte topiaria. Le origini: rilettura delle fonti e ipotesi interpretative (in: Topiaria, ed. Fondazione Benetton-Canova, 2005). In équipe con altri professionisti ha collaborato alla realizzazione di censimenti e progetti di restauro di numerosi parchi o giardini storici. Ha partecipato, anche in veste di relatore, a convegni nazionali e regionali sulle problematiche relative al governo e al restauro del giardino storico. Ha coordinato i convegni internazionali 'Arte topiaria. Architetture e sculture vegetali' (Grezzana, 2000), 'L'Himalaya in Insubria' (Bellagio, 2001), 'La figura di Linneo e la sua eredità. A 300 anni dalla nascita: 1707-2007', Anacapri, 2006). Cento Amici del Libro L'Associazione Cento Amici del Libro è un sodalizio di amanti del bel libro il cui scopo è quello di realizzare ogni anno un libro d'artista di alta qualità sia sotto l'aspetto della stampa che grafico. L'associazione è nata a Firenze nel 1939 dall'idea di tre amatori del bel libro, Ugo Ojetti, Tammaro De Marinis, Gilberta Serlupi Crescenzi il cui intento era di risollevare la qualità della stampa del libro italiano, assai decaduta, dopo lo splendore raggiunto in secoli passati. Il primo volume pubblicato in 120 esemplari sotto la guida di questo grande tipografo fu "L'Aminta" del Tasso con sette acqueforti di Francesco Chiappelli. Tutte le edizioni comprendono testi di noti scrittori e poeti, molti dei quali sono inediti come le poesie di Mario Luzi, Eugenio De Signoribus, Andrea Zanzotto, Maria Luisa Spaziani, tutti con l'apporto grafico di famosi artisti italiani e stranieri, da Pietro Annigoni, Fausto Melotti, Renato Guttuso a Mimmo Paladino, Valter Valentini, Emilio Isgrò, Gérard Titus Carmel, Tulio Pericoli, Joe Tilson, Gao Xingjian. Nel 2015 i Cento Amici del Libro pubblicano il loro 50° volume. www.centoamicidellibro.com Scheda del Libro d'artista Titolo IL GIARDINO E' APERTO Progetto grafico di Alessandra Angelini Testo di Paolo Cottini Incisioni di Alessandra Angelini Libro a cura di Alessandra Angelini Stampa a cura di Daniela Lorenzi - Atelier 14 - Milano Realizzazione legature e custodie di Cristina Balbiano d'Aramengo - CbdA - Milano Tipografia Rodolfo Campi Coordinate mostra Titolo IL GIARDINO E' APERTO Sede Biblioteca Nazionale Braidense - sala Maria Teresa - Via Brera 28 - Milano Inaugurazione mostra e presentazione libro d'artista giovedì 4 giugno, ore 18 Date 5 - 27 giugno 2015 Orari lunedì-sabato ore 9.30-13.30 | Domenica chiuso Aperture fuori orario su prenotazione tel. +39 02 86460907 int 536 - b-brai@beniculturali.it Ingresso libero Info pubblico Biblioteca Nazionale Braidense tel. +39 02 86460907 - b-brai@beniculturali.it Cento Amici del Libro tel. +39 02 72002220 - posta@centoamicidellibro.it Ufficio stampa per Alessandra Angelini IBC Irma Bianchi Communication Tel. +39 02 8940 4694 - info@irmabianchi.it testi e immagini scaricabili da http://www.irmabianchi.it/mostra/il-giardino-%C3%A8-aperto-expo-2015
Inizio: 05/06/2015
Fine: 27/06/2015
Indirizzo: Via Brera 28 - Milano
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Area geografica: Milano
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Titolo: NOMACHI Le vie dell’anima
Introduzione: Kazuyoshi Nomachi è uno dei più grandi fotografi giapponesi. E’ sempre stato un fotografo documentarista e ha dedicato tutta la sua vita al tema “della preghiera e della ricerca del sacro”. Per oltre 40 anni, sin dal suo primo viaggio nel Sahara, quando aveva venticinque anni, ha rivolto la sua attenzione alle più diverse culture del mondo che sono espressione dei popoli che vivono nelle terre più difficili e aspre, affascinato dai grandi spazi e dalla forza di quelle genti
Descrizione: NOMACHI Le vie dell’anima Reggia di Monza – Serrone della Villa Reale Viale Brianza, 2 20090 Monza 30 maggio - 8 novembre 2015 Kazuyoshi Nomachi è uno dei più grandi fotografi giapponesi. E’ sempre stato un fotografo documentarista e ha dedicato tutta la sua vita al tema “della preghiera e della ricerca del sacro”. Per oltre 40 anni, sin dal suo primo viaggio nel Sahara, quando aveva venticinque anni, ha rivolto la sua attenzione alle più diverse culture del mondo che sono espressione dei popoli che vivono nelle terre più difficili e aspre, affascinato dai grandi spazi e dalla forza di quelle genti. Nomachi Le vie dell’anima è la più grande mostra antologica dell’artista. Con circa 200 scatti, il percorso espositivo articolato in 7 sezioni ricostruisce il viaggio di una vita attraverso la sacralità dell’esistenza nella vita quotidiana, un’esperienza vissuta dall’artista in terre tra loro lontanissime, ma accumunate da quella spiritualità che dà un ritmo e un senso alle più dure condizioni. Una spiritualità che solo Nomachi sa cogliere in paesaggi di unica e straordinaria bellezza, dove i ritratti e le figure umane assumono una dignità assoluta e si fondono con il contesto in composizioni quasi pittoriche, dominate da una luce abbagliante, reale e trascendentale al tempo stesso. Un sorprendente allestimento, progettato da Peter Bottazzi, propone ai visitatori un percorso affascinante e coinvolgente. Nomachi nasce in Giappone nel 1946 a Mihara, un villaggio nel Distretto di Hata, Prefettura di Kochi. Studia alla Kochi Technical High School e inizia a scattare fotografie fin dall’adolescenza. Nel 1969 studia fotografia con Takashi Kijima. Nel 1971 inizia la sua carriera come fotografo pubblicitario free-lance e l'anno successivo compie il suo primo viaggio nel Sahara, dove rimane colpito dalle dure condizioni di che vive in un ambiente così ostile. Decide a quel punto di dedicarsi al foto-giornalismo. Quasi a fare da contrappunto alla sua lunga esperienza nel riarso deserto matura in lui l’ispirazione del Nilo come tema, “Il Nilo, perenne flusso d’acqua che mai si prosciuga scorrendo nell’arido Sahara”. È questo concetto che dal 1980 guida la sua ricerca lungo il Nilo Bianco, dal delta fino alla fonte, in un ghiacciaio dell’Uganda, poi lungo il Nilo Blu fino alla sorgente negli altopiani dell’Etiopia. Strada facendo, egli cattura nei suoi scatti la forza dell'ambiente e della gente di questa vasta regione dell’Africa. Dal 1988 rivolge la sua attenzione all'Asia. Mentre esplora le aree occidentali della Cina, viene attratto dalle popolazioni che vivono nelle estreme altitudini del Tibet e dal Buddismo. Questo incontro lo porta, fra il 2004 e il 2008, a visitare quasi l’intera area di cultura tibetana, spingendosi poi alla scoperta delle origini nelle terre del sacro Gange, dove nacque l’Induismo. Dal 1995 al 2000 Nomachi accede alle più sacre città dell'Islam e viaggia per cinque anni in Arabia Saudita, avendo l’opportunità di fotografare il grande pellegrinaggio annuale alla Mecca e a Medina. È stato così il primo a documentare in modo così ampio e approfondito il prodigioso pellegrinaggio di oltre 2 milioni di musulmani verso la loro città santa, la Mecca. Dal 2002 visita anche gli altopiani delle Ande, il Perù e la Bolivia, per indagare l’intreccio fra cattolicesimo e civiltà Inca, ricerca che prosegue a tutt’oggi. Le sue fotografie sono pubblicate in tutto il mondo e appaiono nelle principali riviste di fotografia, dal The National Geographic, a Stern e GEO. I lavori realizzati nel Sahara, lungo il Nilo, in Etiopia, in Tibet e in Arabia, hanno vinto numerosi premi nel suo paese e hanno suscitato negli anni una grande ammirazione anche nei paesi occidentali. Promossa dal Consorzio Villa Reale e Parco di Monza, la mostra è organizzata e prodotta da Civita Cultura, in collaborazione con Cultura Domani.
Inizio: 30/05/2015
Fine: 08/11/2015
Indirizzo: Viale Brianza, 2 20090 Monza
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Area geografica: Lombardia
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Titolo: Il principe dei sogni Giuseppe negli arazzi medicei di Pontormo e Bronzino
Introduzione: Fondazione Bracco sostiene la splendida mostra “Il principe dei sogni. Giuseppe negli arazzi medicei di Pontormo e Bronzino” che, dopo lo straordinario successo ottenuto al Palazzo del Quirinale a Roma, arriva a Milano dal 30 aprile al 23 agosto nella Sala delle Cariatidi di Palazzo Reale dove vengono riuniti, per la prima volta dopo centocinquanta anni, i preziosissimi venti arazzi cinquecenteschi commissionati da Cosimo I de’ Medici per la Sala de’ Dugento di Palazzo Vecchio.
Descrizione: Il principe dei sogni Giuseppe negli arazzi medicei di Pontormo e Bronzino Fondazione Bracco sostiene la splendida mostra “Il principe dei sogni. Giuseppe negli arazzi medicei di Pontormo e Bronzino” che, dopo lo straordinario successo ottenuto al Palazzo del Quirinale a Roma, arriva a Milano dal 30 aprile al 23 agosto nella Sala delle Cariatidi di Palazzo Reale dove vengono riuniti, per la prima volta dopo centocinquanta anni, i preziosissimi venti arazzi cinquecenteschi commissionati da Cosimo I de’ Medici per la Sala de’ Dugento di Palazzo Vecchio. Gli arazzi, che raffigurano la storia di Giuseppe narrata nella Genesi, furono divisi nel 1882 per volere dei Savoia tra Firenze e il Palazzo del Quirinale. La straordinaria raffinatezza della loro manifattura, l’unicità della composizione dei soggetti raffigurati, la singolare vicenda storica che li ha interessati, profondamente intrecciata alla storia d’Italia, fa di questo progetto espositivo un evento di portata internazionale e di eccezionale rilevanza simbolica, culturale e storico artistica. L’esposizione, a cura di Louis Godart, è promossa dalla Presidenza della Repubblica Italiana, dal Comune di Firenze e dal Comune di Milano in collaborazione con il Ministero dei Beni e delle Attività culturali e del Turismo, il Ministero delle Politiche Agricole e Forestali, Expo 2015 e la Fondazione Bracco, con il sostegno di Acea, dell’Ente Cassa di Risparmio di Firenze e di Poste Italiane. Main sponsor Gucci. L’organizzazione generale e la realizzazione sono di Comunicare Organizzando. L’evento fa parte delle iniziative di ExpoinCittà, il palinsesto di oltre 17mila iniziative, promosso dal Comune e dalla Camera di Commercio di Milano, che accompagnerà la vita culturale della città durante il semestre dell’Esposizione Universale. Un evento straordinario testimoniato anche dal catalogo edito da SKIRA. 30 aprile - 23 agosto 2015 Milano, Palazzo Reale - Sala delle Cariatidi
Inizio: 30/04/2015
Fine: 23/08/2015
Indirizzo: Milano, Palazzo Reale
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Titolo: Expo Milano 2015. Nutrire il pianeta
Introduzione: Expo Milano 2015. Nutrire il pianeta Expo Milano 2015 è l’Esposizione Universale che l’Italia ospiterà dal primo maggio al 31 ottobre 2015 e sarà il più grande evento mai realizzato sull’alimentazione e la nutrizione.
Descrizione: Per sei mesi Milano diventerà una vetrina mondiale in cui i Paesi mostreranno il meglio delle proprie tecnologie per dare una risposta concreta a un’esigenza vitale: riuscire a garantire cibo sano, sicuro e sufficiente per tutti i popoli, nel rispetto del Pianeta e dei suoi equilibri. Un’area espositiva di 1,1 milioni di metri quadri, più di 140 Paesi e Organizzazioni internazionali coinvolti, oltre 20 milioni di visitatori attesi. Sono questi i numeri dell’evento internazionale più importante che si terrà nel nostro Paese. 1° maggio – 31 ottobre 2015 www.expo2015.org
Inizio: 01/05/2015
Fine: 31/10/2015
Indirizzo: Rho,Lombardia
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Titolo: Dai Primitivi a Modigliani
Introduzione: Il Primato del disegno I disegni dei grandi maestri a confronto con i dipinti della Pinacoteca di Brera. Dai Primitivi a Modigliani La Pinacoteca di Brera, grazie al suo legame con l’Accademia di Belle Arti, conserva anche un ricco ma poco noto Gabinetto di Disegni.
Descrizione: Il Primato del disegno I disegni dei grandi maestri a confronto con i dipinti della Pinacoteca di Brera. Dai Primitivi a Modigliani La Pinacoteca di Brera, grazie al suo legame con l’Accademia di Belle Arti, conserva anche un ricco ma poco noto Gabinetto di Disegni. Una importante selezione di opere su carta di Brera viene proposta in mostra accanto a prestigiosi prestiti dalle più importanti collezioni pubbliche italiane e straniere: dal Louvre, dall’Albertina di Vienna, dal Metropolitan Museum, dalla Morgan Library, dagli Uffizi e da vari altri importanti musei. Il tema dell’esposizione è l’arte del Disegno come strumento fondamentale per leggere e comprendere la pittura e raduna infatti esemplari scelti espressamente perché strettamente correlati ai quadri della Pinacoteca. Il confronto fra opere su carta e opere su tela (o tavola), molte delle quali espressioni cruciali della storia dell’arte italiana, permette di comprendere il raffinato e poetico rapporto tra la fase dello studio preparatorio e la stesura finale. La mostra si prefigge infatti di dimostrare come il disegno, dal Trecento al Novecento, sia costante fondamentale per la genesi dell’opera pittorica. I magnifici disegni di celeberrimi maestri come Pisanello, Mantegna, Bellini, i leonardeschi, Bramantino, Raffaello, Parmigianino,Tintoretto, Veronese, i Campi, Barocci, i Carracci, Reni, Canaletto, Guardi, Crespi, Bossi, Appiani, Hayez, Fattori sino a Segantini, Modigliani, Carrà, Boccioni, Severini, Sironi, Morandi, Giacometti, Licini, messi a confronto con le loro splendide opere pittoriche. 09 maggio – 19 luglio 2015 Milano, Pinacoteca di Brera – via Brera, 28
Inizio: 09/05/2015
Fine: 19/07/2015
Indirizzo: Milano, Pinacoteca di Brera – via Brera, 28
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Area geografica: Milano
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Titolo: "Vanitas vs Veritas" opere su carta di Sandro Chia
Introduzione: Per il suo sesto anniversario la MAG ha voluto realizzare una mostra interamente su Sandro Chia. A Como dal 29 maggio in San Pietro in Atrio
Descrizione: Como, 19 maggio 2015 MAG presenta VANITAS vs veritas LAVORI SU CARTA DI SANDRO CHIA a cura di Salvatore Marsiglione Inaugurazione Venerdì 29 maggio ore 18:00 dal 29 maggio al 28 giugno 2015 SAN PIETRO IN ATRIO Via Odescalchi, 3 Como info: +39 3287521463 info@marsiglioneartsgallery.com www.magcomo.it Con il Patrocinio ed il sostegno del Comune di Como Con il Patrocinio di Padiglione Italia EXPO Milano 2015, di SistemaComo 2015, di Canto della Terra, Como Culture Capital 2015 e dell’Associazione Archivio Luigi Russolo. orari apertura: tutti i giorni dalle 10:30 alle 19:30, martedì, giovedì e sabato fino alle 23:00 La MAG - Marsiglione Arts Gallery, con il Patrocinio e il sostegno del Comune di Como, con il Patrocinio del Padiglione Italia EXPO Milano 2015, con il Patrocinio di SistemaComo 2015, con il Patrocinio del Canto della Terra, Como Culture Capital 2015, e con il Patrocinio dell’Associazione Archivio Luigi Russolo, presenta la prima mostra personale a Como di Sandro Chia nello spazio Istituzionale di San Pietro in Atrio, dal titolo Vanitas vs Veritas. Nel giorno del suo sesto anniversario la MAG, Vi vuole, e Si vuole regalare la mostra più importante della stagione comasca. In linea con l’evento dell’anno, l’EXPO di Milano, il curatore e direttore della MAG, Salvatore Marsiglione, ha fortemente voluto un artista italiano tra i più ambiti e richiesti al mondo, e il nome di quell’artista non poteva essere altro che quello di Sandro Chia. L’occasione di EXPO Milano 2015 è quella giusta per far ammirare al pubblico locale, nazionale e internazionale che si affaccerà nella città lariana, un artista di confermata e indubbia fama che da oltre trent'anni è sulla cima della scena artistica mondiale con la presenza delle sue opere in oltre 30 musei tra i più importanti del mondo, tra i quali citiamo solo il MOMA di New York, il Museum of Fine Art di Boston, il Museum of Fine Art di Chicago, il Museum of Fine Art di New Orleans, la TATE Gallery di Londra, il Kunstmuseum di Basilea, la Nationalgallerie di Berlino, il Museum of Art di Tel Aviv, il Castello di Rivoli, il MART di Rovereto, Palazzo Madama e moltissimi altri. La mostra concepita appositamente per i magici spazi della ex-chiesa di San Pietro in Atrio a Como, si caratterizza per un allestimento esclusivamente con solo opere inedite su carta, due grandi opere con un forte impatto e 30 di dimensioni più ridotte, ma della medesima forza e surreale immaginazione, il tutto ha una linea concettuale unica, dove ogni opera è un tassello di una grande istallazione. Come nella sua personalità, anche nelle sue Opere, Sandro Chia non si prende troppo sul serio, anzi con una dose marcata d’ironia, spiega l’uomo e le sue emozioni rivisitando il quotidiano attraverso pittura e filosofia, passato e presente, inserendo parte di se in ogni dipinto. Tutte insieme vogliono gridare al mondo il desiderio di verità sulla pittura con un espresso e dichiarato equilibrio con l’estetica. Il dualismo tra i soggetti classicheggianti e le figure ironiche, tra il colore acceso e la materia che appiattita si espande quasi a sembrare non dipinta. Protagonista indiscusso sin dagli anni ’80, Sandro Chia persegue da sempre l’importanza della pittura, ne valorizza tutti gli aspetti della comunicazione e del piacere estetico con le sue citazioni tecniche che rimarcano i colori dei futuristi Boccioni, Balla e Depero, senza tralasciare mai la poesia estetica fatta di uomini in azione o contemplazione. Salvatore Marsiglione
Inizio: 29/05/2015
Fine: 28/06/2015
Indirizzo: via Odescalchi 3, Como
Spazio: San Pietro in Atrio
Area geografica: Lombardia
Email: info@marsiglioneartsgallery.com
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Titolo: Un Museo ideale
Introduzione: Un Museo ideale Ospiti d’eccezione nelle collezioni del Novecento. Dal Futurismo al Contemporaneo Il Museo del Novecento presenta la grande arte italiana in “Un Museo Ideale. Ospiti d’eccezione nelle collezioni del Novecento
Descrizione: Un Museo ideale Ospiti d’eccezione nelle collezioni del Novecento. Dal Futurismo al Contemporaneo Il Museo del Novecento presenta la grande arte italiana in “Un Museo Ideale. Ospiti d’eccezione nelle collezioni del Novecento. Dal Futurismo al Contemporaneo”, una mostra promossa nell’ambito degli appuntamenti d’arte del palinsesto Expo in Città in programma durante il semestre dell’Esposizione Universale a Milano. Dal 15 maggio al 13 settembre il Museo del Novecento diventa per i sei mesi di Expo “Un Museo Ideale” con un percorso espositivo scandito da Ospiti d’eccezione, testimoni illustri della creatività e dell’avanguardia dell’arte italiana dal Futurismo al Contemporaneo, per restituire allo sguardo dei visitatori un patrimonio artistico unico al mondo. Il Museo del Novecento si è messo in rete con le più importanti istituzioni museali italiane quali la Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma, Galleria d’Arte Moderna di Torino, Mart di Rovereto, Cà Pesaro di Venezia, Museo Morandi di Bologna, Museo Revoltella di Trieste e Galleria d’Arte Moderna di Palermo. Al percorso dedicato al Novecento fa da contrappunto una selezione di opere d’arte contemporanea dei protagonisti italiani più significativi del panorama internazionale, recentemente donate al museo da ACACIA, l’Associazione Amici Arte Contemporanea Italiana. La mostra, a cura del Comitato Scientifico del Museo con l’allestimento di Paolo Giacomazzi, offre un’irripetibile occasione per ammirare alcune delle opere simbolo dell’arte italiana dal Futurismo all’Arte Povera in un dialogo aperto con il contemporaneo. La mostra è realizzata con il sostegno di SisalPay, brand del Gruppo Sisal che offre servizi di pagamento comodi, sicuri e veloci. Si ringrazia Sky Arte HD, media partner della mostra, che realizzerà il documentario Extra Art – Un Museo Ideale, in programma sul canale 120 e 400 di Sky. La mostra è realizzata con la Partnership Istituzionale di AMACI, l’Associazione dei Musei d’Arte Contemporanea Italiani di cui il Museo del Novecento è socio. Le mostre e le attività collaterali del Museo del Novecento sono possibili grazie alla sensibilità di Bank of America Merril Lynch e Finmeccanica, Main Sponsor del museo. Museo del Novecento Milano, Via Marconi, 1 Dal 15 maggio al 13 settembre
Inizio: 15/05/2015
Fine: 13/09/2015
Indirizzo: Milano, Via Marconi, 1
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Area geografica: Milano
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Titolo: NUOVI ARRIVI. Opere della donazione Bianca e Mario Bertolini
Introduzione: Il Museo del Novecento presenta la mostra “Nuovi Arrivi. Opere della donazione Bianca e Mario Bertolini” dal 15 maggio al 1 novembre.
Descrizione: NUOVI ARRIVI. Opere della donazione Bianca e Mario Bertolini Il Museo del Novecento presenta la mostra “Nuovi Arrivi. Opere della donazione Bianca e Mario Bertolini” dal 15 maggio al 1 novembre. La mostra, promossa nell’ambito degli appuntamenti d’arte del palinsesto Expo in Città in programma durante il semestre dell’Esposizione Universale a Milano, rende omaggio a una delle più significative donazioni alle Raccolte Civiche cresciute negli anni proprio grazie a importanti lasciti privati. I capolavori donati da Mario Bertolini arricchiscono il patrimonio del Museo del Novecento di oltre 600 opere realizzate dai protagonisti dell’arte italiana e internazionale del secolo scorso. Mario Bertolini inizia a interessarsi all’arte contemporanea negli anni sessanta a Milano, nelle più importanti gallerie della città. È proprio allora che nasce quella passione che per circa quattro decenni lo porterà a frequentare il mondo dell’arte internazionale e ad accrescere la sua collezione. La mostra “Nuovi Arrivi”, a cura di Cristina Baldacci e Danka Giacon. ricostruisce, in una selezione di circa cento opere, i capitoli fondamentali della raccolta. La rassegna si inserisce nel programma espositivo che il Museo del Novecento ha ideato in occasione di Expo 2015 insieme al percorso dedicato all’arte italiana del XX e XXI secolo “Un Museo Ideale. Ospiti d’eccezione nelle Collezioni del Novecento dal Futurismo al Contemporaneo”. MUSEO DEL NOVECENTO SPAZIO MOSTRE E ARCHIVI DEL NOVECENTO VIA MARCONI 1, MILANO 15 MAGGIO – 1 NOVEMBRE 2015
Inizio: 15/05/2015
Fine: 01/11/2015
Indirizzo: VIA MARCONI 1, MILANO
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Area geografica: Milano
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Titolo: David LaChapelle. Dopo il Diluvio
Introduzione: Al Palazzo delle Esposizioni torna dopo oltre quindici anni il grande artista fotografo americano David LaChapelle con una delle più importanti e vaste retrospettive a lui dedicate. Sono infatti esposte circa 100 opere di cui alcune totalmente inedite, altre presentate per la prima volta in un museo e molte di grande formato.
Descrizione: David LaChapelle. Dopo il Diluvio Al Palazzo delle Esposizioni torna dopo oltre quindici anni il grande artista fotografo americano David LaChapelle con una delle più importanti e vaste retrospettive a lui dedicate. Sono infatti esposte circa 100 opere di cui alcune totalmente inedite, altre presentate per la prima volta in un museo e molte di grande formato. Roma è stata una città fondamentale nella carriera artistica di LaChapelle. Nel 2006 infatti, durante un soggiorno nella Capitale, David LaChapelle ha occasione di visitare privatamente la Cappella Sistina; la sua sensibilità artistica è scossa dalla bellezza e dalla potenza dell’arte romana che danno il definitivo impulso alla necessità di imprimere una svolta alla sua produzione. Fino ad allora LaChapelle ha preferito che le sue foto viaggiassero sulle pagine di riviste di moda e di cataloghi senza testi. L’obiettivo non è mai stato fermarsi alla mera illustrazione, ma raggiungere un pubblico quanto più vasto possibile – è questo il suo modo di essere un artista pop – e portare la lettura dell’opera sul piano dello shock emotivo. Palazzo delle Esposizioni Roma, Via Nazionale 194 30 aprile - 13 settembre 2015 www.palazzoesposizioni.it
Inizio: 30/04/2015
Fine: 13/09/2015
Indirizzo: Roma, Via Nazionale 194
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Area geografica: Roma
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Titolo: All the World’s Futures
Introduzione: La Biennale di Venezia 56. Esposizione Internazionale d’Arte All the World’s Futures E' aperta al pubblico da sabato 9 maggio a domenica 22 novembre 2015, ai Giardini della Biennale e all’Arsenale, la 56. Esposizione Internazionale d’Arte dal titolo All the World’s Futures, diretta da Okwui Enwezor e organizzata dalla Biennale di Venezia presieduta da Paolo Baratta.
Descrizione: La Biennale di Venezia 56. Esposizione Internazionale d’Arte All the World’s Futures E' aperta al pubblico da sabato 9 maggio a domenica 22 novembre 2015, ai Giardini della Biennale e all’Arsenale, la 56. Esposizione Internazionale d’Arte dal titolo All the World’s Futures, diretta da Okwui Enwezor e organizzata dalla Biennale di Venezia presieduta da Paolo Baratta. La Mostra è affiancata da 89 Partecipazioni nazionali negli storici Padiglioni ai Giardini, all’Arsenale e nel centro storico di Venezia. Sono 5 i paesi presenti per la prima volta: Grenada, Mauritius, Mongolia, Repubblica del Mozambico, Repubblica delle Seychelles. Altri paesi partecipano quest’anno dopo una lunga assenza: Ecuador (1966, poi con l’IILA), Filippine (1964), Guatemala (1954, poi con l’IILA). Anche quest’anno la Santa Sede partecipa con una mostra allestita nelle Sale d’Armi, in quegli spazi che la Biennale ha restaurato per essere destinati a padiglioni durevoli. In Principio… la parola si fece carne è il titolo scelto dal Card. Gianfranco Ravasi (Presidente del Pontificio Consiglio della Cultura) per il Padiglione curato da Micol Forti (Direttore della Collezione d’Arte Contemporanea dei Musei Vaticani). Il Padiglione Italia in Arsenale, organizzato dal Ministero per i Beni e le Attività Culturali con la Direzione generale arte e architettura contemporanee e periferie urbane - è curato quest’anno da Vincenzo Trione. Sono 44 gli Eventi Collaterali ufficiali ammessi dal curatore e promossi da enti e istituzioni internazionali, che hanno allestito le loro mostre e le loro iniziative in vari luoghi della città. La Mostra All the World’s Futures forma un unico percorso espositivo che si articola dal Padiglione Centrale (Giardini) all’Arsenale, includendo 136 artisti dei quali 89 presenti per la prima volta, provenienti da 53 paesi. 159 sono le nuove produzioni realizzate per questa edizione. “La Biennale che compie 120 anni procede, e anno dopo anno continua a costruire anche la propria storia, che è fatta di molti ricordi, ma in particolare di un lungo susseguirsi di diversi punti di osservazione del fenomeno della creazione artistica nel contemporaneo.” Così Paolo Baratta introduce l’edizione di quest’anno, ricordando che “Bice Curiger ci portò il tema della percezione e Massimiliano Gioni fu interessato al fenomeno della creazione artistica dall’interno, alle forze interiori che spingono l’artista a creare.” Venezia (Arsenale e Giardini) 9 maggio – 22 novembre 2015 www.labiennale.org #biennalearte2015
Inizio: 09/05/2015
Fine: 22/11/2015
Indirizzo: Arsenale,Venezia
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Area geografica: Nord
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Titolo: Chagall. Love and Live
Introduzione: Dalla collezione dell’Israel Museum di Gerusalemme giungono per la prima volta in Italia 140 lavori di uno degli artisti più amati del Novecento, Marc Chagall, il cui linguaggio è così universale da essere amato da tutti e da tutti conosciuto e riconosciuto e che, tra tutti gli artisti del secolo scorso, è rimasto fedele a se stesso pur attraversando guerre, catastrofi, rivoluzioni politiche e tecnologiche.
Descrizione: Chagall. Love and Live Dalla collezione dell’Israel Museum di Gerusalemme giungono per la prima volta in Italia 140 lavori di uno degli artisti più amati del Novecento, Marc Chagall, il cui linguaggio è così universale da essere amato da tutti e da tutti conosciuto e riconosciuto e che, tra tutti gli artisti del secolo scorso, è rimasto fedele a se stesso pur attraversando guerre, catastrofi, rivoluzioni politiche e tecnologiche. Attraverso disegni, olii, gouache, litografie, acqueforti e acquerelli, la mostra racconta la sua poetica influenzata dal grande amore per la moglie Bella e dal dolore per la sua morte prematura avvenuta nel 1944, ripercorrendo la sua vita e la sua arte che fu commistione delle maggiori tradizioni occidentali europee - dall’originaria cultura ebraica a quella russa, all’incontro con la pittura francese delle avanguardie. Con il patrocinio di Roma Capitale, la mostra Chagall. Love and Life curata da Ronit Sorek è prodotta da DART Chiostro del Bramante e Arthemisia Group, in collaborazione con l’Israel Museum, e apre al Chiostro del Bramante dal 16 marzo fino al 26 luglio 2015. www.chiostrodelbramante.it
Inizio: 16/03/2015
Fine: 26/07/2015
Indirizzo: Chiostro del Bramante, Roma
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Titolo: Avanguardia Russa 1910-1930 Capolavori dalla Collezione Costakis Aleksandr Rodčenko. Fotografia
Introduzione: A Villa Manin di Passariano (UD) sarà possibile immergersi appieno in quella formidabile stagione di sperimentazioni, rivoluzioni, confronti con le nuove tecnologie e con i ritmi della modernità – una stagione di dialogo tra arte, artigianato, spettacolo e nascente fotografia - con due mostre che insieme danno vita a un evento eccezionale.
Descrizione: Avanguardia Russa 1910-1930 Capolavori dalla Collezione Costakis Aleksandr Rodčenko. Fotografia A Villa Manin di Passariano (UD) sarà possibile immergersi appieno in quella formidabile stagione di sperimentazioni, rivoluzioni, confronti con le nuove tecnologie e con i ritmi della modernità – una stagione di dialogo tra arte, artigianato, spettacolo e nascente fotografia - con due mostre che insieme danno vita a un evento eccezionale. L'Avanguardia russa del XX secolo rappresenta un fenomeno unico per la cultura mondiale. Dopo l’esposizione a Torino, oltre 300 opere della straordinaria collezione di George Costakis, per la prima volta in Italia dal Museo Statale d’Arte Contemporanea di Salonicco, sono esposte fino al 28 giugno nelle sale della splendida Villa dell’ultimo Doge di Venezia. Una mostra enciclopedica – curata da Maria Tsantsanoglou e Angeliki Charistou realizzata in collaborazione con il Museo e la Città di Salonicco e con il Ministero della Cultura e dello Sport della Repubblica Ellenica, con progetto espositivo dello Studio di architettura Sparch di Sakellaridou/Papanikolaou - capace di mettere in luce, grazie alla varietà e alla ricchezza dei lavori presentati, le diverse e ancora poco conosciute anime dell’arte sperimentale russa e di svelare la storia e la personalità di quell’uomo - quel “pazzo greco”- che sfidando i divieti del regime stalinista riuscì a collezionare migliaia di opere di artisti russi dei primi decenni del Novecento, evitandone la distruzione e la dispersione. Dipinti, gouaches, acquarelli, lavori d’arte applicata dei principali protagonisti di quella stagione, documenti e un nucleo importante di disegni sull’architettura costruttivista – per un’esposizione che a Passariano (Udine) si arricchisce si un focus speciale sulla ricerca fotografica di uno dei principali protagonisti di quella stagione. Alla complessa personalità artistica di Aleksandr Rodčenko (1891-1956) è infatti dedicata un’altra affascinante esposizione curata da Ol’ga Sviblova - allestita in contemporanea nelle ampie sale della dimora dei Manin - centrata sulla rivoluzionaria produzione fotografica dell’artista russo, che dal 1924 al 1930 abbandonò la pittura per dedicarsi totalmente a questa forma d’arte che fu capace di innovare profondamente. Cento opere tra fotografie originali, collage, fotomontaggi stampe vintage e pubblicità, provenienti dal Multimedia Complex of Actual Arts (Moscow House of Photography Museum), ci consegnanouno spaccato quanto mai significativo degli anni Venti e degli inizi degli anni Trenta in Russia: con i volti, le mode, le architetture, gli ideali e le finzioni di allora, magistralmente colti da Rodčenko con un linguaggio visivo assolutamente personale e nuovissimo. Le mostre promosse dall’Azienda Speciale Villa Manin di Passariano e dalla Regione Autonoma del Friuli Venezia Giulia, con il sostegno della Fondazione CRUP, sono incluse nello stesso biglietto (comprensivo di audioguida) e costituiscono dunque una proposta culturale assolutamente irripetibile in Italia. Ad arricchire ulteriormente la panoramica sull’Avanguardia Russa due rassegne cinematografiche internazionali: la prima “Immagini dell’Avanguardia Russa 1910 – 1930” è dedicata ai documentari d’arte, focus specifici sugli autori più importanti di questo periodo storico-artistico, con alcuni documenti inediti per l’Italia, come quelli diretti e prodotti da Michael Craig. La seconda rassegna, “Il Cine-occhio delle Avanguardie Russe”, curata da Lorenzo Codelli, Piero Colussi e Livio Jacob, offre un’interessante ricognizione sulle tendenze più innovative dell’arte cinematografica russa, dagli anni della rivoluzione fino all’inizio dell’era stalinista. Dal 7 marzo al 28 giugno 2015 Villa Manin (Passariano di Codroipo) Udine www. villamanin.it
Inizio: 07/03/2015
Fine: 28/06/2015
Indirizzo: Villa Manin, Udine
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Area geografica: Nord
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Titolo: La Milanesiana 2015 Letteratura Musica Cinema Scienza Arte Filosofia e Teatro
Introduzione: Ideata e diretta da Elisabetta Sgarbi XVI Edizione Sotto l’Alto patronato del Presidente della Repubblica, con il patrocinio di Expo Milano 2015 La Milanesiana è promossa dal Comune di Milano, Expo in Città e Milano Città del Libro 2015. È organizzata da I Pomeriggi Musicali/Teatro dal Verme
Descrizione: La Milanesiana 2015 Letteratura Musica Cinema Scienza Arte Filosofia e Teatro Ideata e diretta da Elisabetta Sgarbi XVI Edizione Sotto l’Alto patronato del Presidente della Repubblica, con il patrocinio di Expo Milano 2015 La Milanesiana è promossa dal Comune di Milano, Expo in Città e Milano Città del Libro 2015. È organizzata da I Pomeriggi Musicali/Teatro dal Verme Il tema di quest’anno è Manie/Ossessioni. In programma oltre 50 appuntamenti, con più di 160 ospiti internazionali e 15 Paesi coinvolti, 4 mostre, 7 appuntamenti teatrali (di cui 3 anteprime) con 6 registi, 21 concerti. In scena artisti pluripremiati, fra cui 2 Premi Nobel Per La Letteratura,1 Premio Pulitzer, 1 Man Booker Prize, 2 Premi Principe Delle Asturie, 1 Prix Médicis, 8 Premi Strega, 3 Premi Campiello, 1 Foam Magazine Talent, 2 Premi Oscar, 2 Golden Globe, 1 Orso D’argento Festival Di Berlino, 4 Nastri D'argento, 2 David Di Donatello, 2 Premi Eleonora Duse, 1 Premio Ubu, 2 Premi Tenco. La Milanesiana sarà come sempre contraddistinta da una forte vocazione internazionale, da una ricca proposta artistica che spazia tra diversi saperi e da una ancora maggiore diffusione nella città, nelle sue biblioteche, teatri, centri culturali, università, luoghi dell’impresa. Ai tradizionali appuntamenti in cartellone per la sedicesima edizione del Festival, si aggiungono quest’anno anche 4 mostre tra Milano Bergamo e Torino e 3 produzioni teatrali in anteprima commissionate da La Milanesiana e destinate ai teatri d’Europa. "La Milanesiana entra a pieno titolo nel programma di ExpoinCittà, il grande cartellone di oltre 17mila appuntamenti che accompagnerà la vita di Milano per tutto il semestre dell'Esposizione Universale” ha dichiarato l'Assessore alla Cultura del Comune di Milano Filippo Del Corno. Programma: 22 giugno – 16 luglio 2015 www.lamilanesiana.eu
Inizio: 22/06/2015
Fine: 16/07/2015
Indirizzo: Milano
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Titolo: 51° Ciclo di Rappresentazioni Classiche Teatro Greco di Siracusa (15 maggio- 28 giugno 2015)
Introduzione: 51° Ciclo di Rappresentazioni Classiche Teatro Greco di Siracusa (15 maggio- 28 giugno 2015) http://www.turismosiracusa.org/index.php/eventi-2015/rappresentazioni-classiche Siracusa, turismo, itinerari, servizi utili Teatro Greco di Siracusa
Descrizione: 51° Ciclo di Rappresentazioni Classiche Teatro Greco di Siracusa (15 maggio- 28 giugno 2015) www.turismosiracusa.org Siracusa, turismo, itinerari, servizi utili Teatro Greco di Siracusa foto video 51° Ciclo di Rappresentazioni Classiche Teatro Greco di Siracusa (15 maggio- 28 giugno 2015) MAGGIO inizio spettacoli h. 18,45 15 venerdi LE SUPPLICI di Eschilo 16 sabato IFIGENIA IN AULIDE di Euripide 17 domenica MEDEA di Seneca 18 lunedi LE SUPPLICI di Eschilo 19 martedi IFIGENIA IN AULIDE di Euripide 20 mercoledi MEDEA di Seneca 21 giovedi LE SUPPLICI di Eschilo 22 venerdi IFIGENIA IN AULIDE di Euripide 23 sabato MEDEA di Seneca 24 domenica LE SUPPLICI di Eschilo 25 lunedi IFIGENIA IN AULIDE di Euripide p.u. 26 martedi MEDEA di Seneca p.u. 27 mercoledi LE SUPPLICI di Eschilo p.u. 28 giovedi IFIGENIA IN AULIDE di Euripide 29 venerdi MEDEA di Seneca 30 sabato LE SUPPLICI di Eschilo 31 domenica IFIGENIA IN AULIDE di Euripide GIUGNO inizio spettacoli h. 19,00 01 lunedi MEDEA di Seneca 02 martedi LE SUPPLICI di Eschilo 03 mecoledi IFIGENIA IN AULIDE di Euripide 04 giovedi MEDEA di Seneca 05 venerdi LE SUPPLICI di Eschilo 06 sabato IFIGENIA IN AULIDE di Euripide 07 domenica MEDEA di Seneca 08 lunedi LE SUPPLICI di Eschilo p.u. 09 martedi IFIGENIA IN AULIDE di Euripide p.u. 10 mercoledi MEDEA di Seneca p.u. 11 giovedi LE SUPPLICI di Eschilo 12 venerdi IFIGENIA IN AULIDE di Euripide 13 sabato MEDEA di Seneca 14 domenica LE SUPPLICI di Eschilo 15 lunedi IFIGENIA IN AULIDE di Euripide 16 martedi MEDEA di Seneca 17 mercoledi LE SUPPLICI di Eschilo 18 giovedi IFIGENIA IN AULIDE di Euripide 19 venerdi MEDEA di Seneca 20 sabato LE SUPPLICI di Eschilo 21 domenica IFIGENIA IN AULIDE di Euripide 22 lunedi MEDEA di Seneca 23 martedi LE SUPPLICI di Eschilo 24 mercoledi IFIGENIA IN AULIDE di Euripide 25 giovedi MEDEA di Seneca 26 venerdi LE SUPPLICI di Eschilo 27 sabato IFIGENIA IN AULIDE di Euripide 28 domenica MEDEA di Seneca
Inizio: 15/05/2015
Fine: 28/06/2015
Indirizzo: Teatro Greco, Siracusa
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Titolo: Don’t Shoot the Painter. Dipinti dalla UBS Art Collection
Introduzione: Don’t Shoot the Painter. Dipinti dalla UBS Art Collection Da sempre l’Arte è stata veicolo di espressione e il “muro” il primo supporto ad accogliere la necessità umana di comunicare. Oggi questa antica tradizione trova un nuova dimensione espressiva: wallpepper, combinando il desiderio di grandi immagini con l’impiego di nuove tecnologie ecologiche, rende possibile infrangere i “confini” della cornice creando una superficie senza limiti, con la tecnica innovativa della carta da parati a figura intera, in cui l’opera diventa ambiente.
Descrizione: Don’t Shoot the Painter. Dipinti dalla UBS Art Collection Da sempre l’Arte è stata veicolo di espressione e il “muro” il primo supporto ad accogliere la necessità umana di comunicare. Oggi questa antica tradizione trova un nuova dimensione espressiva: wallpepper, combinando il desiderio di grandi immagini con l’impiego di nuove tecnologie ecologiche, rende possibile infrangere i “confini” della cornice creando una superficie senza limiti, con la tecnica innovativa della carta da parati a figura intera, in cui l’opera diventa ambiente. Proprio come è avvenuto per l’allestimento di “Don’t Shoot the Painter. Dipinti dalla UBS Art Collection”, la mostra che è ospitata alla GAM dal 17 giugno al 4 ottobre 2015. GAM ha la propria sede presso Villa Reale, splendida costruzione edificata su progetto di Leopoldo Pollack tra il 1790 e il 1796. L’allestimento della mostra è stato pensato per dialogare con la struttura ospitante, posizionando le tele su pannelli a tutta altezza per i quali wallpepper ha realizzato le coperture. Si tratta di enormi immagini fotografiche monocromatiche che ritraggono la Villa com’è quando ospita la sua collezione permanente, sulle quali le oltre 100 tele di 91 fra i maggiori artisti internazionali dagli anni ‘60 ad oggi sembrano quasi sospese creando, per il curatore Francesco Bonami, la magia suggestiva di un gioco di rimandi fra antico e moderno, fra realtà e riproduzione, fra architettura, fotografia e Un altro progetto speciale che mette in luce la capacità di wallpepper di gestire le immagini con la più alta resa qualitativa, utilizzando materiali di prima scelta e tecniche di stampa e di posa che rendono invisibili i confini fra un foglio e l’altro, tanto da saper trasformare ogni ambiente in qualcosa di speciale e persino dei semplici pannelli in pareti di prestigio. Milano, GAM (Galleria d'Arte Moderna) Via Palestro, 16 17 giugno ­ 4 ottobre 2015 www.gam­milano.com www.wallpeppertrend.it
Inizio: 17/06/2015
Fine: 04/10/2015
Indirizzo: Via Palestro, 16, Milano
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Titolo: Filippino Lippi. L’Annunciazione di San Gimignano
Introduzione: Filippino Lippi. L’Annunciazione di San Gimignano Dal 13 giugno la Pinacoteca di San Gimignano ospita una mostra dedicata al pittore fiorentino Filippino Lippi (1457c. - 1504). La mostra ha preso spunto dall'’Annunciazione, opera realizzata dall'artista in due tondi distinti raffiguranti l'uno l'Angelo Annunziante, l'altro l'Annunziata così come gli era stato richiesto dai Priori e Capitani di Parte Guelfa per il Palazzo Comunale di San Gimignano, che gliela commissionarono nel 1482.
Descrizione: Filippino Lippi. L’Annunciazione di San Gimignano Dal 13 giugno la Pinacoteca di San Gimignano ospita una mostra dedicata al pittore fiorentino Filippino Lippi (1457c. - 1504). La mostra ha preso spunto dall'’Annunciazione, opera realizzata dall'artista in due tondi distinti raffiguranti l'uno l'Angelo Annunziante, l'altro l'Annunziata così come gli era stato richiesto dai Priori e Capitani di Parte Guelfa per il Palazzo Comunale di San Gimignano, che gliela commissionarono nel 1482. Curata da Alessandro Cecchi, come il catalogo edito da Giunti arte mostre musei, grande studioso e conoscitore della pittura italiana, in particolare fiorentina del '500, oltre che curatore della fortunata mostra Filippino Lippi e Sandro Botticelli nella Firenze del '400 (Scuderie del Quirinale, Roma, 2011), l’esposizione è promossa dal Comune di San Gimignano e dalla Soprintendenza Belle Arti e Paesaggio delle Provincie di Siena, Grosseto e Arezzo in collaborazione con la Fondazione Musei Senesi. E' la seconda occasione che vede queste istituzioni riunite in un progetto di valorizzazione della collezione della Pinacoteca di San Gimignano che danno vita a piccole esposizioni temporanee di grande qualità, prendendo spunto da una delle opere che la compongono per approfondirne lo studio e diffonderne la conoscenza e il valore . L'anno passato fu la volta della pala con la Vergine Assunta tra i Santi Gregorio Magno e Benedetto del Pinturicchio attorno alla quale ruotò la mostra di grande successo di pubblico e critica, mentre quest'anno protagonisti del progetto espositivo sono questi due tondi dipinti tra il 1482 e il 1484 per la Sala dell’Udienza dei Signori. Figlio del noto pittore Filippo Lippi, Filippino nacque a Prato nel 1457. Giovanissimo entrò nella bottega di Sandro Botticelli, che seguì a Roma agli inizi degli anni Ottanta per aiutarlo nella realizzazione degli affreschi della Cappella Sistina. In quegli stessi anni Filippino iniziò a ricevere commissioni illustri e il suo stile, seppure di ascendenza botticelliana esplicita nell'insistito linearismo complesso e vibrante, risentì dell'eco della pittura fiamminga, come possiamo ben ammirare nelle opere in mostra. Nella primavera del 1483 infatti da Bruges era giunto a Firenze il Trittico Portinari di Hugo Van der Goes, opera che - esposta nell'altare maggiore della chiesa di Sant'Egidio - portò un sentito vento di rinnovamento e divenne oggetto di grande fascino e studio per tutti gli artisti fiorentini ed in particolare per i più giovani come Filippino. Non possiamo non cogliere nei due tondi di San Gimignano l'attenzione a proporre in modo attento brani di natura e di realtà che trovano puntuali riferimenti nell'Adorazione dei pastori dell'artista fiammingo, oggi alla Galleria degli Uffizi. In mostra assieme ai due tondi di Filippino, ripresentati vicini come dovevano essere originariamente al loro ingresso nella collezione della Pinacoteca, sono esposti anche disegni di grande qualità di mano del pittore, curati in ogni dettaglio, provenienti dal Gabinetto Disegni e Stampe della Galleria degli Uffizi e riferibili sempre agli anni 1482 - 1484. Si trovano esposti inoltre anche i documenti relativi alla commissione dell'Annunciazione, un materiale storico custodito da oltre cinque secoli nell'archivio Storico Comunale di San Gimignano che ci fa capire lo spirito civico e la volontà che animava i Priori e i Capitani di Parte Guelfa, appartenenti a importanti famiglie di San Gimignano, di abbellire la sede del governo cittadino, in modo analogo a quanto le medesime istituzioni fiorentine stavano facendo per Palazzo Vecchio. Nel XV secolo San Gimignano, sebbene non possedesse più l’antica forza economica e sociale del primo Trecento, continuò a manifestare una certa vivacità culturale che trovò un naturale riflesso anche nelle copiose committenze artistiche. La città, infatti, come rileva nel catalogo Barbara Gelli "continuò ad essere meta di artisti tra i più famosi del Rinascimento: alcuni senesi e, soprattutto a partire dalla metà del secolo, molti fiorentini. Artisti di indubbia levatura come Benozzo Gozzoli, Piero del Pollaiolo, Giuliano e Benedetto da Maiano, Domenico Ghirlandaio, Filippino Lippi, portatori di nuovi stilemi e di un cambio di cultura". Per la stessa Annunciazione, sei anni più tardi, furono realizzate le cornici in legno intagliato, dipinto oltre che dorato e argentato, forse da attribuire ad Antonio da Colle, il legnaiolo responsabile della fattura del pulpito (1469) e del coro ligneo (1490) della Collegiata. Le cornici imitano una corona con foglie di quercia e alloro con ghiande e bacche, legate insieme da un nastro e, proprio in occasione della mostra, sono state restaurate dallo “Studio Nadia Presenti” di Foiano della Chiana, Arezzo. "Un percorso breve ma volto a proseguire il processo di consolidamento e visibilità della nostra collezione, per renderla accessibile non solo ai nostri concittadini ma anche a un pubblico sempre più ampio offrendo agli esperti elementi rari di approfondimento scientifico. Un’opportunità, infine, per ripercorrere le tappe salienti della storia di San Gimignano, con particolare riferimento al suo legame con Firenze, così come approfondito dai saggi presentati nel catalogo che accompagna la mostra." (Giacomo Bassi, Sindaco di San Gimignano e Carolina Taddei, Assessore alla Cultura del Comune di San Gimignano). Anche questa mostra si collega ad una serie di iniziative culturali fortemente volute e promosse dal Sindaco di San Gimignano Giacomo Bassi e dall’Assessore alla Cultura Carolina Taddei con il coordinamento di Valerio Bartoloni, dirigente del settore Servizi alla Cultura del Comune, con l’intento di valorizzare e promuovere i Musei Civici della città. San Gimignano, Pinacoteca 13 giugno – 2 novembre 2015 www.sangimignanomusei.it
Inizio: 13/06/2015
Fine: 02/11/2015
Indirizzo: San Gimignano, Pinacoteca
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Numerazione: 10/06/2015 21.52.40
Titolo: Expo Moon di Giancarlo Rampazzo a "L'arte e il tempo" a Milano
Introduzione: Un’opera che crea un dialogo tra realtà e spazio surreale trasformando la materia in un insieme di colori e superfici planetari
Descrizione: L’artista padovano Giancarlo Rampazzo sarà uno dei protagonisti di “L’arte e il tempo”, l’official event di Expo a Milano, una grande mostra che si terrà al Palazzo dei Giureconsulti (Piazza dei Mercanti 2), dal 10 al 30 giugno. La manifestazione, ideata da Giulia Sillato, direttore artistico insieme a Giammarco Puntelli, propone in un contesto internazionale come quello dell’esposizione universale a Milano, una selezione degli artisti contemporanei più importanti attivi nel panorama nazionale e internazionale. L’evento è un’esposizione ragionata e storicizzata di 190 opere di 95 artisti, tra maestri e nuovi maestri, che pongono le loro opere a confronto con alcuni tra i più significativi protagonisti dell’arte di tutti i tempi. Le opere di 22 grandi nomi, da Giotto a Warhol, saranno riprodotte su gigantografie in bianco e nero, al fine di scandire le tappe di un percorso che le associa a opere di artisti viventi che a essi si sono ispirati. La manifestazione ruota attorno al quesito: Cos’è rimasto del passato nel presente? PAT, nome d’arte di Giancarlo Rampazzo, esporrà la sua opera EXPO MOON in Sala Burri durante tutta la durata dell’evento. Si tratta di un’installazione composta da un pannello (180x120 cm) con l’immagine di una superficie lunare sulla quale l’artista ha applicato tre lune, ognuna dipinta con uno dei colori della bandiera italiana. Nell’arte, in letteratura, nella musica e nel cinema, la luna è un tema ricorrente, che ha da sempre affascinato artisti di ogni epoca ed è inoltre ricca di significati e simbologie. E’ infatti legata a concetti quali la donna, l’acqua, la fertilità, la notte… Con EXPO MOON l’artista intende rappresentare un processo ciclico che implica un’idea di morte e allo stesso tempo di rinascita. Si tratta di un fenomeno che PAT associa al particolare periodo storico che stiamo vivendo, caratterizzato da una forte crisi economica, politica, sociale e spirituale ma che, nel contempo, offre un’occasione di ripresa e di rinascita. La luna è il mondo degli spiriti in attesa di una rinascita e, sembra dirci l’artista, quelle anime siamo proprio noi. “Expo Moon” fa parte del filone "Lune parlanti", in cui PAT crea un dialogo costante tra la realtà e lo spazio surreale trasformando la materia in un insieme di colori e superfici planetari. L’arte di Giancarlo Rampazzo, in tutte le sue declinazioni e varianti, appartiene alla corrente artistica della “Fusion Paint”, che consiste nel costruire e assemblare vari materiali che vengono fusi. È proprio la colatura a originare, modellare e dare forma all’opera, in seguito ritoccata con colori acrilici. Si tratta di una tecnica che si presta a identificare immagini fantastiche come mari tropicali, celesti galassie irraggiungibili, crateri lunari: EXPO MOON è una di queste. La mostra è visitabile tutti i giorni dalle 8,30 alle 18,30 (Sabato e domenica aperta solo in concomitanza di altri eventi presenti al palazzo).
Inizio: 10/06/2015
Fine: 30/06/2015
Indirizzo: Piazza dei Mercanti 2, Milano
Spazio: Palazzo dei Giureconsulti
Area geografica: Milano
Email: kingpack52@gmail.com
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Numerazione: 13/06/2015 13.03.34
Titolo: Überschuß
Introduzione: Il collettivo KleinEquipe e 22 “amanuensi” riscrivono “Das Kapital” di Marx al Teatro La Conigliera di Resana (TV) - 19 - 20 - 21 giugno.
Descrizione: Überschuß Il collettivo KleinEquipe presenta presso il Teatro La Conigliera il primo atto di Überschuß, un progetto artistico che si sviluppa in tre singole azioni e che avrà come risultato finale la copiatura a mano della prima edizione anastatica di “Das Kapital” di Karl Marx (ed. Verlag von Otto Meissner, Hamburg, 1867). Ventidue le persone scelte per la trascrizione del primo tomo, che avrà luogo il 19, 20 e 21 giugno nello spazio di Castelminio di Resana, in provincia di Treviso. Disposti intorno ad un tavolo di lavoro, undici amanuensi per parte, seduti a terra, incideranno fogli bianchi ricopiando i caratteri dell'originale, messo a loro disposizione in forma digitale. Non una ricopiatura con inchiostro, ma un semplice tratto inciso, che andrà ad imprimere la carta: una riproduzione bianco su bianco, a togliere senso al gesto dello scrivere, a duplicare ma allo stesso tempo a modificare, cancellare, e divenire qualcosa di diverso e nuovo. L'imitazione diventa così sperimentazione di ciò che non è ancora stato, e Das Kapital (Il Capitale), come manufatto di KleinEquipe, diviene un nuovo unico originale. Se nel Medioevo il libro era merce preziosa, prodotta dal faticoso e lungo lavoro di colti e qualificati amanuensi, l’invenzione della stampa ha ridotto in modo rapido e vertiginoso sia il valore-lavoro in esso contenuto, sia il costo di produzione, allargando enormemente il volume globale di realizzazione e fruizione dei libri. Prendendo le mosse da questo assunto si può sostenere che la forma-simulacro, che governa la relazione tra originale e copia, si genera all’interno delle società dominate dalla tecnologia. È la tecnologia, infatti, che definisce la progressiva inversione della relazione tra copia e originale. La copia va a prevalere sull’originale proprio attraverso la forma-simulacro, la quale porta in sé la promessa d’immortalità data dalla serialità delle copie. Il progetto di KleinEquipe consiste proprio in questo: invertire la prospettiva e creare un nuovo manoscritto originale partendo dalle copie. Ogni pagina completata verrà prelevata e inserita in una pressa da legatoria, che diverrà essa stessa l'opera finale, il risultato dell'azione performativa. Durante tutta la durata della performance, i 22 amanuensi vivranno alla Conigliera, si nutriranno, socializzeranno e riposeranno in un comune spazio di lavoro. In diversi orari della giornata avranno luogo alcune incursioni (sonore, visive, didattiche... ) da intendersi in prima battuta come impulso all'attività del gruppo e, indirettamente, come momento di ulteriore fruizione per l’eventuale spettatore. Il secondo e il terzo tomo dell'opera verranno realizzati da gruppi di copisti differenti in altre due occasioni e in location diverse: potranno dunque subire modifiche in base alle persone scelte, al contesto di lavoro, alle interazioni con lo spazio esterno e alla maturazione stessa del progetto. La Conigliera Teatro Via Palù 11 Resana (TV) Vernissage: venerdì 19 giugno ore 20. Chiusura: domenica 21 giugno ore 24. Eventi collaterali: 19 giugno ore 21.30 Nicola Manzan “con legittima Violenza” - Performance. 20 giugno ore 09.30 Rudy Favaro “La nemesi della Mimesi” - Lezione conferenza. KleinEquipe bio KleinEquipe è un collettivo di ricerca artistica che si forma nel 2014 a Castelfranco Veneto (Treviso), dall'incontro di idee, professioni e percorsi differenti, che spaziano dall'arte visiva, alla grafica, al design, all'architettura. Il collettivo sperimenta, indaga e reinterpreta temi quali la semantica, il linguaggio, la parola impressa, la stampa, la copia e la cancellazione, spesso sfruttando il corpo fisico come spazio concreto di studio, supporto “vivo” e materiale sul quale avviene l'atto artistico. KleinEquipe coinvolge di volta in volta il pubblico nel processo evolutivo dell'opera, mettendo in primo piano il “qui e ora”, prediligendo l'azione alla rappresentazione, il reale alla finzione. Un approccio eclettico, a tratti disorientante, che si manifesta attraverso l'uso di mezzi espressivi sempre diversi: performance e installazione, video, stampa e scultura, con un uso costante del suono come “respiro” e pulsione dell'opera in divenire.
Inizio: 19/06/2015
Fine: 21/06/2015
Indirizzo: Via Palù, n. 11, Castelminio di Resana (TV)
Spazio: Teatro La Conigliera
Area geografica: Nord
Email: info@kleinequipe.org
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Numerazione: 16/06/2015 13.01.18
Titolo: Artisti in Opera
Introduzione: Debutta il 20 e 21 giugno l’evento promosso da Arte in Arte, con il patrocino del Comune di Milano Cinquanta artisti, di cui il 50% internazionali, cinque diverse location in Milano: due giorni dedicati all’arte di fare arte
Descrizione: Milano, 10 giugno 2015 - Debutterà il 20 e 21 giugno, durante Expo Milano, la prima edizione di ‘Artisti in Opera’, un evento dedicato all’arte e promosso da Arte in Arte. Saranno una cinquantinagli artisti coinvolti, provenienti da tutto il mondo, che si esibiranno nella realizzazione delle proprie opere per due giorni, in cinque diverse location a Milano. Va in scena il processo creativo. Gli artisti mostreranno e si mostreranno durante tutte le fasi di realizzazione della propria opera, che eseguiranno con tecniche differenti, rimanendo tutti ugualmente legati al leit motiv di questa Prima Edizione: “Nutrizione, Benessere psico-fisico e Sostenibilità ambientale”. Il pubblico avrà la possibilità di vedere in diretta come si concepisce un’opera e come la si realizza progressivamente nel tempo. Tutte le attività saranno riprese e ritrasmesse in diretta sui diversi monitor presenti in ogni location, con il commento di un critico d’arte, per offrire la possibilità a ogni visitatore di osservare il lavoro di tutti gli artisti e comprenderne nell’intimo il relativo tratto. Artisti in Opera sarà ospitato presso: Spazio Cruciani all’interno di Expo, Studio Design Break, Società Umanitaria, Depuratore Nosedo, Palazzo Ca' Venino. Tutte le opere realizzate durante l’evento verranno messe all’asta e il ricavato sarà interamente devoluto al Consorzio VIALEDEIMILLE, il primo consorzio, promosso e sostenuto dal Comune di Milano, che mette insieme diverse cooperative operanti nel circuito penitenziario milanese, al fine di formare i detenuti all'acquisizione di competenze professionali che possano favorire il loro inserimento nel mercato del lavoro e di promuovere e dare visibilità all’economia carceraria. Artisti in Opera è l’evento con cui il Consorzio VIALEDEIMILLE fa il suo debutto e si presenta ufficialmente al pubblico. Già nelle giornate del 20 e 21 giugno sarà possibile far pervenire delle pre-offerte per aggiudicarsi le opere. L’asta vera e propria, invece, partirà da settembre sul sito della casa d’aste Mecenate Aste (www.mecenateaste.it) e si concluderà a novembre, presso i loft della stessa (via Mecenate 76/33 a Milano). Direttore artistico della manifestazione è topylabrys, al secolo Ornella Piluso, scultrice italiana, già fondatrice di ‘Arte da mangiare mangiare Arte’ movimento artistico nato presso la Società Umanitaria di Milano.
Inizio: 20/06/2015
Fine: 21/06/2015
Indirizzo: Milano
Spazio: Spazio Cruciani all’interno di Expo, Studio Design Break, Società Umanitaria, Depuratore Nosedo, Palazzo Ca' Venino.
Area geografica: Milano
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Numerazione: 2
Titolo: Brera, città aperta! Ciclo di conferenze
Introduzione: BRERA, CITTA' APERTA! dialoghi, progetti e visioni del contemporaneo 20 gennaio 2014-20 maggio 2015 a cura di Sandrina Bandera e Luca Molinari La Pinacoteca di Brera guarda al suo futuro accogliendo alcuni dei migliori architetti e autori italiani, che negli ultimi anni hanno fatto del progetto museale uno dei campi di riflessione e sperimentazione privilegiati della propria ricerca, offrendo loro l’occasione di confrontarsi con intellettuali, scrittori, artisti, protagonisti dello spettacolo, in un dialogo inedito sul ruolo civile del museo oggi.
Descrizione: BRERA, CITTA' APERTA! dialoghi, progetti e visioni del contemporaneo 20 gennaio 2014-20 maggio 2015 a cura di Sandrina Bandera e Luca Molinari La Pinacoteca di Brera guarda al suo futuro accogliendo alcuni dei migliori architetti e autori italiani, che negli ultimi anni hanno fatto del progetto museale uno dei campi di riflessione e sperimentazione privilegiati della propria ricerca, offrendo loro l’occasione di confrontarsi con intellettuali, scrittori, artisti, protagonisti dello spettacolo, in un dialogo inedito sul ruolo civile del museo oggi. Con cadenza regolare, presso una delle Pinacoteche più importanti d’Europa, coppie di progettisti e protagonisti della cultura italiana discuteranno i cambiamenti e le profonde trasformazioni simboliche e visive che stanno modificando il mondo del museo e degli spazi collettivi per la conoscenza e la creatività, all’interno della metropoli contemporanea. Ogni coppia di autori sarà chiamata a esaminare un tema, una parola chiave che qualifichi in modo originale un argomento vasto e complesso, aprendo scenari e visioni inaspettate e offrendo motivi di riflessione sui cambiamenti dei luoghi per la cultura nel mondo. Ci si propone di filmare, registrare e diffondere in rete gli eventi, moltiplicando la comunicazione e la condivisione degli interventi al di fuori dello spazio materiale della Pinacoteca di Brera e della città di Milano. Il corso intende offrire al pubblico gli strumenti per una crescita dello spirito critico personale di fronte a uno dei fenomeni culturali che in modo macroscopico caratterizza la città di Milano alle soglie dell'Expo: la nascita di nuovi musei. Lo spazio-museo concepito non solo come raccolta di opere, ma nei suoi tanti aspetti non unicamente strutturali, come l'illuminazione, la climatizzazione, le metodologie conservative, l'approccio alla visita, lo studio dei flussi, mettendo in rilievo il ruolo primario dell'architettura nella sua accezione più ampia e completa. In quest’ottica si è aperta una collaborazione attiva con la Scuola di Architettura e Società del Politecnico di Milano e con la sua Scuola di Dottorato PAUI che coinvolgerà direttamente gli studenti e il corpo docente offrendo ulteriori spunti di discussione e formazione su un argomento attuale professionalmente stimolante. La tipologia del progetto suddiviso per argomenti chiave, la Proposta d’incontri costruiti come dibattiti con la possibilità d’intervento da parte del pubblico, la pubblicazione sul web, rispecchiano la volontà di diffusione e comunicazione trasparente riguardo al tema Museo, che è un servizio per il pubblico. Il laboratorio contemporaneo per la Grande Brera aggiunge così un importante tassello al processo di trasformazione che renderà nei prossimi anni il complesso braidense uno dei più significativi poli museali italiani ed europei. CALENDARIO DEGLI INCONTRI: Brera, Sala della Passione - ore 18 20 gennaio 2014 Vittorio Gregotti e Carlo Bertelli Brera, in cammino verso la modernità Al primo incontro interverrà l’Assessore alla Cultura del Comune di Milano, Filippo Del Corno 3 febbraio 2014 Alessandro Mendini e Luca Doninelli Memoria, tradizione, tradimento 20 febbraio 2014 Stefano Boeri e Andrée Ruth Shammah Museo, Città, Cultura 20 marzo 2014 Mario Bellini e Vincenzo Trione Classico e anticlassico 2 aprile 2014 Cino Zucchi e Gabriella Belli Progetto, programma, committenza 14 maggio 2014 Italo Rota e Marco Belpoliti Universale 18 giugno 2014 Kuehn Malvezzi e Francesco Jodice Il progetto e il pubblico 17 settembre 2014 Italo Lupi e Francesco Cataluccio Labirinto - Guida 15 ottobre 2014 Michele De Lucchi e Anna Detheridge Pop 19 novembre 2014 Margherita Guccione e A12 Temporaneo 10 dicembre 2014 Mario Nanni e Ermanno Olmi Luce 21 gennaio 2015 Cherubino Gambardella e Serena Danna Materiale, immateriale 11 febbraio 2015 Rosa Barovier e Gisella Capponi Il museo laboratorio per la conservazione 18 marzo 2015 Beppe Finessi e Giulio Iachetti La vita degli oggetti 15 aprile 2015 Arnaldo Pomodoro e Pierluigi Cerri L’artista e il museo per gli artisti 20 maggio 2015 Caterina Bon Valsassina, Sandrina Bandera, Alberto Artioli e Luca Molinari, Brera-Citterio-Grande Brera: presente-passato-futuro www.brera.beniculturali.it
Inizio: 20/01/2013
Fine: 20/05/2015
Indirizzo: via Brera 28 Milano
Spazio: Brera
Area geografica: Milano
Email: chiara@luciacrespi.it
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Titolo: T.A.M. Mobil nr.15.
Introduzione: “TAVOR ART MOBIL” di Carlo Sain “Continuo a seguire e leggere con interesse gli scritti del giovane autore Mimmo Domenico Di Caterino, che insieme a Barbara Ardau compagna di vita e di arte hanno ideato Tavor Art Mobil che non è solo 'superficialmente' una automobile che diventa una galleria,come se fosse un'idea da 'supermercato' per fare pubblicità alla vendita di un prodotto, ma è ben altro. Se questa operazione di Tavor Art Mobil fosse stata fatta a New York city avrebbe avuto un successo enorme.
Descrizione: T. Art M. – Tam Tam Cagliari nr.15 http://youtu.be/8QrFJQpaf9I “Existential Travels” di Lucilla Esce, Guroga, Luigi Perna, Ina Ripari, Enzo Correnti, Priamo Pinna, Accademia Nomade (Geremia Renzi e Lucia Rosarno), Pierpaolo Mameli, Walter Santoni, Ivano Marchionne, Paolo Cervino, Giorgio Costantino e Di Fonzo Gerardo. “TAVOR ART MOBIL” di Carlo Sain “Continuo a seguire e leggere con interesse gli scritti del giovane autore Mimmo Domenico Di Caterino, che insieme a Barbara Ardau compagna di vita e di arte hanno ideato Tavor Art Mobil che non è solo 'superficialmente' una automobile che diventa una galleria,come se fosse un'idea da 'supermercato' per fare pubblicità alla vendita di un prodotto, ma è ben altro. Se questa operazione di Tavor Art Mobil fosse stata fatta a New York city avrebbe avuto un successo enorme. Il successo comunque l'ha avuto e io ho partecipato a diverse 'tappe' in un momento molto duro. A Mimmo riconosco il merito di avermi fatto prendere maggiore consapevolezza sulla realtà artistica che stiamo vivendo e subendo, nella stagnazione e nella omologazione commerciale. Lo ringrazio e ringrazio tutti gli artisti che hanno partecipato alle varie tappe di Tavor Art Mobil, di avere condiviso una battaglia. Invito gli 'addetti ai lavori' di seguire questo giovane autore, di leggerlo, ma anche di ascoltare quello che dice e di trovare un dialogo, perché lui lo vuole, altrimenti che ci stiamo a fare in Facebook?”
Inizio: 05/11/2014
Fine: 05/06/2015
Indirizzo: Via Antares 32, Capoterra, Cagliari.
Spazio: Tavor Art Mobil
Area geografica: Centro
Email: mariopesceafore@hotmail.it
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Numerazione: 2
Titolo: OPEN CALL | SUMMER SCHOOL IN CURATORIAL PRACTICE VENICE
Introduzione: SUMMER SCHOOL IN CURATORIAL PRACTICE VENICE OPEN CALL 8th June – 8th August 2015 The School for Curatorial Studies is an ambitious and challenging project promoted since 2004 and conceived as a school committed to experimentation and interdisciplinary thinking. The main goals are to spread the knowledge in the field of visual arts and to introduce the students to the professions related to the art world, focusing on contemporary curatorial theory and practice and contemporary museology.
Descrizione: SUMMER SCHOOL IN CURATORIAL PRACTICE VENICE OPEN CALL 8th June – 8th August 2015 The School for Curatorial Studies is an ambitious and challenging project promoted since 2004 and conceived as a school committed to experimentation and interdisciplinary thinking. The main goals are to spread the knowledge in the field of visual arts and to introduce the students to the professions related to the art world, focusing on contemporary curatorial theory and practice and contemporary museology. The School’s activities are meant for all those interested and passionate in art, graduated students or professionals who want to deepen their knowledge and improve their practical skills. The School’s teaching staff is formed by Italian and international professionals, scholars, historians and art critics of recognized experience. Among them: Agnes Kohlmeyer (curator), Angela Vettese (art critic), Luca Massimo Barbero (Peggy Guggenheim Collection), Francesca Colasante (Foundation Pinault), Andrea Goffo (Found. Prada), Tommaso Speretta. The program: The Summer School in Curatorial Practice will take place during the 56th International Art Biennale of Venice. With an interdisciplinary approach, the course provides practical training and experience within museums and exhibition settings. Its international faculty includes curators and museum professionals, artists and critics. The course is designed to increase students understanding of the intellectual and technical tasks of the curator figure. English-taught lectures cover both theoretical and practical topics that go from the history of contemporary visual arts and practices of exhibition-making, to Exhibition Management. The students will participate in weekly activities, such as artist studio visits, tours of exhibition spaces, networking events and workshops. The program culminates with the set up of the exhibition and the publication of a printed catalogue. The Summer School includes visits of specific art venues all over the city of Venice during the 56th International Art Biennale. A series of selected case studies will offer the students an opportunity to observe the development of contemporary art. The School’s goal is to align these specific theoretical lectures with a practical approach. Besides the theoretical lectures, a series of laboratories and workshops aims to introduce the students to the work of critical text writing, press releases and to structure all the different aspects of publishing. The students will be offered the possibility of a gallery training and of setting up together - with one of our tutors, their exhibition in Venice, as a final project of the course. The first module: June 8 – August 8, 2015 The first module involves 350 contact hours: 1. History of Curatorial Practices 2. Exhibition Design 3. Aesthetics and Cultural Theory 4. Contemporary Art History 5. Cultural Events Management and Organization 6. Curating Exhibitions 7. Fine Arts Management. 8. Fundraising and Marketing / Workshop 9. Communication Strategies and Artistic Events Promotion / Workshop 10. New Media and Digital Technologies 11. Workshop on Critical Writing 12. Artist Studio Visits and Visits of the 56th International Art Biennale The second module: August 19 – September 21, 2015 The second module is dedicated to researching and structuring the final project. The work will be discussed with the curators and project managers during several meetings hold once and twice a week. The weekly overhauls are moments of confrontation and examination of the theoretical and practical work produced by the students through autonomous research. During this period of time the students will have to face practical duties, such as coordinating the artists, managing transportation and insurance policies, promoting and curating the final publication. The third module: September 24 – 30, 2015 The last part of the course lies in the production of the event. During this period of time all the work concerning the final event will take place. The students will coordinate the arrival and the display of the works of art and supervise all the different aspects related to the event, such as promotion, organization, last details about the publication, opening. After the presentation to the public, the student will be given the tools to professionally document the event. Duration and structure The course has a duration of 450 hours. The participants will develop themes as well as concepts, organization, acquisition, communication and the concrete implementation of their skills together with the course director and international guests (artists, curators, architects, critics, fine arts scientists and publishers of art journals). Application deadline: March, 31th 2015. The application form must be sent by e-mail before the deadline (March 31th 2015) of the Curatorial Program to: Xac – School for Curatorial Studies San Marco, 3073, 30124 Venice Email: curatorialschool@gmail.com Tel: +39 3477122456 The application form can be downloaded at www.corsocuratori.com, where you can find more information about our curatorial program and your stay in Venice. Information: Press office:Sara Benetti info@corsocuratori.com
Inizio: 30/10/2014
Fine: 31/03/2015
Indirizzo: San Marco 3073 Venezia
Spazio:
Area geografica: Nord
Email: info@corsocuratori.com
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Titolo: Dirà l’argilla. la mano, la terra, il sacro
Introduzione: Dall’ 8 novembre 2014 al 15 febbraio 2015 (inaugurazione sabato 8 novembre ore 18) la settecentesca Mole Vanvitelliana di Ancona ospita nelle sale del Museo Omero la mostra di Paolo Annibali “DIRÀ L’ARGILLA la mano, la terra, il sacro”, con oltre 20 grandi sculture in terracotta realizzate negli ultimi tre anni, secondo un progetto unitario pensato per il Museo Omero.
Descrizione: Dall’ 8 novembre 2014 al 15 febbraio 2015 (inaugurazione sabato 8 novembre ore 18) la settecentesca Mole Vanvitelliana di Ancona ospita nelle sale del Museo Omero la mostra di Paolo Annibali “DIRÀ L’ARGILLA la mano, la terra, il sacro”, con oltre 20 grandi sculture in terracotta realizzate negli ultimi tre anni, secondo un progetto unitario pensato per il Museo Omero. Flaminio Gualdoni, curatore della mostra, così scrive in catalogo, “Come il plasticatore antico Annibali sceglie l’argilla, giungendo nel proprio gioco di suggestione archeologica a fingere le tracce del colorire antico, ancora una volta raccorciando la distanza rispetto al mito d’una bellezza assoluta e in odore di metafisica... La sceglie perché la terra è la materia disponibile a tutte le forme, ripostiglio di tutte le memorie.” Le grandi sculture in terracotta, collocate come a ricostruire un antico tempio, sono inconsuete, disperatamente attuali, prive di enfasi eppure fortemente attrattive e seducenti nel loro silenzio spaziale. Una sorta di “monumento al nulla” – così Annibali – senza miti e senza eroi; dove gesti e sguardi rivelano il vuoto del presente e la distanza impenetrabile delle figure femminili del frontone. Oltre alle sculture, tutte inedite, anche 21 splendidi disegni a china e un’immensità di schizzi e bozzetti. L'allestimento degli architetti Massimo Di Matteo e Mauro Tarsetti, si articola in modo da fondere la fatica quotidiana del lavoro della scultura con la solennità delle opere finite. Entrare in questa sorta di laboratorio invaso da strumenti, appunti e disegni (intuizioni a volte realizzate) che percorrono tutta la sua carriera, è come entrare nell’intimo repertorio dell’artista. Seguono poi gruppo di “acròteri” – Cariatide, Hestia, La fine delle cose, Eroe sfinito, Maschere – e tutti i 21 disegni a china Autoritratto, Disperdersi, Il mare lontano, Eva. Per poi arrivare al tempio impossibile con le 12 metope: singole scene teatrali incastonate con la loro profondità in moduli di terracotta, racconti intimi, ricordi, epifanie, visioni da Album di famiglia a Bambina che sogna il mare. Di forte impatto le cinque figure femminili del frontone, cinque donne colte nei loro gesti quotidiani come truccarsi o specchiarsi. Il gruppo scultoreo, sospeso nella sua raggelante fissità su una tavola di acero, rappresenta il fulcro di questa acropoli contemporanea. Una mostra ideata per il Museo Omero, (che già ha già in collezione permanente quattro opere di Annibali), da vedere e da toccare, fruibile da parte di visitatori vedenti e non vedenti. La terracotta può esser toccata, esplorata con le mani, accarezzata ed è il materiale ideale per una mostra tattile. Oltre alle sculture, di particolare interesse anche la traduzione a rilievo dei magnifici disegni. Il catalogo, edito da De Luca Editori d’Arte, con gli interventi dello stesso Gualdoni, di Erri De Luca, del presidente del Museo Omero, Aldo Grassini, e dell’artista, raccoglie le foto di tutte le opere realizzate da Domenico Campanelli. La mostra è promossa dal Museo Tattile Statale Omero, con il Patrocinio della Regione Marche, in collaborazione con l’Associazione Per il Museo Omero Tattile Statale Omero ONLUS. Sponsor tecnici: Adriatica Legnami s.r.l., Cotto Santa Maria della Petrella s.r.l., Mobilificio Binni s.n.c.
Inizio: 11/08/2014
Fine: 15/02/2015
Indirizzo: Banchina da Chio, 28 - Ancona
Spazio: Museo Tattile Statale Omero
Area geografica: Centro
Email: info@gabriellapapini.com
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Numerazione: 2
Titolo: RODOLFO ARICÒ UNO SGUARDO SENZA SOGGEZIONE
Introduzione: A ARTE INVERNIZZI RODOLFO ARICÒ UNO SGUARDO SENZA SOGGEZIONE INAUGURAZIONE GIOVEDÌ 13 NOVEMBRE 2014 ORE 18.30 Giovedì 13 novembre 2014 alle ore 18.30 inaugura la doppia mostra personale Rodolfo Aricò il cui percorso espositivo, pensato come un iter unitario che mette in relazione gli spazi della galleria A arte Invernizzi e della galleria Lorenzelli Arte, intende ripercorrere, attraverso la scelta di opere fondamentali, l’attività dell’artista a partire dalla metà degli anni Sessanta sino agli inizi degli anni Novanta
Descrizione: A ARTE INVERNIZZI RODOLFO ARICÒ UNO SGUARDO SENZA SOGGEZIONE INAUGURAZIONE GIOVEDÌ 13 NOVEMBRE 2014 ORE 18.30 Giovedì 13 novembre 2014 alle ore 18.30 inaugura la doppia mostra personale Rodolfo Aricò il cui percorso espositivo, pensato come un iter unitario che mette in relazione gli spazi della galleria A arte Invernizzi e della galleria Lorenzelli Arte, intende ripercorrere, attraverso la scelta di opere fondamentali, l’attività dell’artista a partire dalla metà degli anni Sessanta sino agli inizi degli anni Novanta. Negli spazi della galleria A arte Invernizzi saranno in mostra i Senza titolo del 1967, opere che lasciano emergere i tratti di una riflessione che interroga le potenzialità della riduzione espressiva formale. In quegli anni, ed anche nel decennio successivo, Aricò analizza e ricerca le diverse modulazioni strutturali ed espressive legate alle forme primarie, dedicandosi ad un tipo di indagine non solo spaziale ma anche dimensionale e cromatica, come emerge in un altro lavoro in mostra, Arco B (1970). Con l'opera Area/Prospettiva (1972), esposta nella personale del 1974 a Palazzo Grassi a Venezia, il modello geometrico originario diviene sequenza e definisce un insieme unitario, strutturalmente composito, sulla cui superficie il colore si qualifica come una stesura eterogenea fatta vibrare dalla luce. Gli anni Ottanta, che rappresentano uno snodo fondamentale nel percorso coerente e progressivo dell’artista e che generano opere come Cenere (1987), sempre esposta da A arte Invernizzi, si declinano nella decisa apertura ad una dimensione lirica, in cui vita e pittura creano un amalgama eterogeneo e totale. Aricò giunge a rendere in immagine il dramma dell’esistenza umana e le tele di questo periodo vengono strutturate in forme meno geometricamente definite rispetto alle precedenti assonometrie o proiezioni. La cognizione della tensione vitale come movimento atto alla rottura del limite finito, accentua nell’artista la necessità di trascrivere in pittura la totalità dell’assoluto racchiudendone la percezione in un solo istante, quello dell’evento dell’opera. A una variazione della sagomatura delle tele corrisponde anche una diversificazione della stesura del colore, che è molteplice ed irregolare e che si fa ancor più intensa nei lavori realizzati durante gli anni Novanta esposti sia presso A arte Invernizzi ­ quali Circumflex ed Aspro (1991), quest’ultimo caratterizzato da una struttura intensamente spigolosa ed irregolare ­ sia da Lorenzelli Arte. In questi ultimi lavori, che chiudono il percorso espositivo, le diverse modulazioni tonali vengono graffiate ed attraversate da linee irregolari e spezzate e si acuisce la sensazione che il colore, pur mostrandosi in modo evidente, celi qualcosa che sfugge allo sguardo, come se le opere fossero sospese in bilico nella descrizione del dramma dell’uomo. In occasione della mostra verrà pubblicata una monografia bilingue a cura di Luca Massimo Barbero, con la riproduzione delle opere esposte e un aggiornato apparato bio­bibliografico.
Inizio: 13/11/2014
Fine: 28/01/2015
Indirizzo: CORSO BUENOS AIRES 2 20124 MILANO
Spazio: A ARTE INVERNIZZI
Area geografica: Milano
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Numerazione: 2
Titolo: ALBERTO BIASI Exordiri/leTrame
Introduzione: Si inaugura alla MAAB Gallery, nella sede di Via Nerino 3 a Milano, una mostra di Alberto Biasi interamente dedicata al ciclo delle Trame. Alberto Biasi (Padova, 1937) è conosciuto a livello internazionale prevalentemente come protagonista dell’Arte Cinetica e Programmata, e più genericamente di tutto quel contesto di ricerca “al di là della pittura e della scultura” iniziato agli albori degli anni Sessanta. Questa mostra, apparentemente statica, mette in evidenza i suoi esordi e rivela la sua originale natura giocosa di ricercatore visivo che lo renderà uno dei protagonisti più poliedrici della storia dell’arte italiana del secondo dopoguerra.
Descrizione: Si inaugura alla MAAB Gallery, nella sede di Via Nerino 3 a Milano, una mostra di Alberto Biasi interamente dedicata al ciclo delle Trame. Alberto Biasi (Padova, 1937) è conosciuto a livello internazionale prevalentemente come protagonista dell’Arte Cinetica e Programmata, e più genericamente di tutto quel contesto di ricerca “al di là della pittura e della scultura” iniziato agli albori degli anni Sessanta. Questa mostra, apparentemente statica, mette in evidenza i suoi esordi e rivela la sua originale natura giocosa di ricercatore visivo che lo renderà uno dei protagonisti più poliedrici della storia dell’arte italiana del secondo dopoguerra. Per la maggior parte, le Trame sono opere in carta, molto rare perché eseguite per un breve periodo di tempo tra 1959 e il 1960, quando l’artista padovano, prima di fondare il Gruppo N, esponeva con Piero Manzoni, Enrico Castellani, Dadamaino e i milanesi che ruotavano attorno alla galleria Azimut. Trame è ovviamente il titolo ripetuto di ognuna di quelle opere e, nel titolo di questa mostra, è preceduto da Exordiri il cui originario significato latino corrisponde al nostro “cominciare a tessere”. L’accostamento vuole sottolineare e motivare l’esordio artistico di Biasi; il collegamento tra verbo e oggetto artistico diventa concettualmente ancor più suggestivo e ricco di significati se si pensa che le Trame altro non sono che le sovrapposizioni di quelle carte di paglia, prodotte e forate industrialmente negli anni Cinquanta, utilizzate negli allevamenti dei bachi da seta per obbligarli a rimanere sulle lettiere d’alimentazione fino al compimento dei loro cinque cicli vitali, accompagnandoli così all’imboscamento (che corrisponde al momento in cui ogni baco sale su quanto di più alto trova per filare la seta e racchiudersi nel proprio bozzolo): molto bello da vedersi, di una bellezza idealizzata da Biasi come una metafora del lavoro dell’artista. Biasi avvia la produzione delle Trame forse ancor prima del 1959, a volte introducendo, oltre alle carte forate, anche l’utilizzo di garze di cotone, di reti d’acciaio per setacci e di lamiere forate. Dalle loro sovrapposizioni e combinazioni traggono origine le prime immagini visivamente dinamiche che daranno poi vita alle sue opere successive, in particolare al ciclo degli Oggetti ottico-dinamici. La fase delle Trame, che comprende una sessantina di opere conosciute, in gran parte datate a partire dal 1959, è da considerarsi praticamente conclusa nel dicembre del 1960, quando Biasi forma il Gruppo N. La mostra è accompagnata da un importante catalogo ragionato dedicato al ciclo delle Trame, con testi critici di Marco Meneguzzo e Alberto Zanchetta. Il volume bilingue è arricchito dalla presenza di documenti e immagini storiche.
Inizio: 20/11/2014
Fine: 20/01/2015
Indirizzo: Via Nerino, 3, 20123, Milano.
Spazio: MAAB Gallery
Area geografica: Milano
Email: segreteria@artemaab.com
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Titolo: Vanishing Africa
Introduzione: “VANISHING AFRICA ” l'Africa che scompare Mostra fotografica di Anna Alberghina Inaugurazione Venerdì 28 novembre 2014 dalle ore 18.00 Dal 28 novembre 2014 al 13 gennaio 2015 A cura del Dott. Bruno Albertino Dal 28 Novembre 2014 al 13 Gennaio 2015, presso la Galleria Paola Meliga di via Maria Vittoria 46/C a Torino, Anna Alberghina, viaggiatrice e fotografa torinese, presenta 25 immagini di popoli africani che conservano, inalterati, valori, usanze e tradizioni ancestrali.
Descrizione: “VANISHING AFRICA ” l'Africa che scompare Mostra fotografica di Anna Alberghina Inaugurazione Venerdì 28 novembre 2014 dalle ore 18.00 Dal 28 novembre 2014 al 13 gennaio 2015 A cura del Dott. Bruno Albertino Dal 28 Novembre 2014 al 13 Gennaio 2015, presso la Galleria Paola Meliga di via Maria Vittoria 46/C a Torino, Anna Alberghina, viaggiatrice e fotografa torinese, presenta 25 immagini di popoli africani che conservano, inalterati, valori, usanze e tradizioni ancestrali. Una mostra fotografica che nasce dal bisogno di testimoniare un'Africa che scompare, lentamente si dilegua, travolta dal vortice della globalizzazione, dall'economia di mercato, dalle religioni importate e dal neocolonialismo economico. Dai Bororo del Niger ai Batwa dell'Uganda, dai Pokot e Rendille del Kenya ai Muchimba e Makawana dell'Angola, questi volti ci parlano di una “terra incognita” che non ha mai smesso di esercitare il suo fascino attirando, nei secoli, esploratori ed avventurieri, coloni e viaggiatori. Durante la mostra verrà presentato il libro “Maschere d'Africa” di Bruno Albertino ed Anna Alberghina, edito da Neos Edizioni e saranno esposte alcune maschere tribali africane appartenenti alla collezione privata degli Autori. Info Mostra: dal 28/11/2014 al 13/01/2015 Via Maria Vittoria 46/C – 10123 Torino Tel.Fax: 0112079983 mail: paolameliga@libero.it Orario: martedì – sabato 11.00/12.30 – 15.30/19.30 Festivi e lunedì chiuso. Apertura privata su appuntamento.
Inizio: 28/11/2014
Fine: 13/01/2015
Indirizzo: Via Maria Vittoria 46/C – 10123 Torino
Spazio: Galleria Paola Meliga
Area geografica: Nord
Email: brunoalbertino@virgilio.it
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Titolo: Giacomo Montanaro in mostra allo Spazio Open Art house di Ivrea
Introduzione: Si inaugurerà sabato 11 ottobre in occasione della decima giornata del Contemporaneo organizzata da A.M.A.C. I la mostra “ In the Middle of Nowhere” di Giacomo Montanaro presso lo Spazio Open Art house in collaborazione con la Galleria Il Ritrovo di Rob Shazar . Il nuovo progetto dell’artista napoletano , a quasi sei anni dal precedente Parete Lavica, si presenta con una novità sorprendente: l’assenza di ogni traccia di figura umana. Essa viene presunta ed evocata nelle 50 opere in mostra: edifici industriali abbandonati, relitti sociali, scorie economiche, persi in un deserto bianco e solitario.
Descrizione: Si inaugurerà sabato 11 ottobre in occasione della decima giornata del Contemporaneo organizzata da A.M.A.C. I la mostra “ In the Middle of Nowhere” di Giacomo Montanaro presso lo Spazio Open Art house in collaborazione con la Galleria Il Ritrovo di Rob Shazar . Il nuovo progetto dell’artista napoletano , a quasi sei anni dal precedente Parete Lavica, si presenta con una novità sorprendente: l’assenza di ogni traccia di figura umana. Essa viene presunta ed evocata nelle 50 opere in mostra: edifici industriali abbandonati, relitti sociali, scorie economiche, persi in un deserto bianco e solitario. Il percorso del Montanaro nasce dall’incontro con le “periferie” tedesche con quelle napoletane di li l’abbondo della figura e la nascita di in mondo immaginifico, che tende di raccontare un viaggio intimistico dell’artista potandoci oltre il limite , nel suo continuo ricercare e sperimentare. Come scrive Gloria Gradassi nel catalogo che accompagna il catalogo completo della mostra : “Questo spostamento ha avuto un suo doppio nell’evoluzione cromatica, che ha ora tutto un altro baricentro: il nuovo bianco del supporto si è sostituito al nero dei fondi e la pittura si è come invertita, dal negativo al positivo, il tocco non è più un graffito ma una velatura chiaroscurata, i colori, più contenuti danno corpo a volumi armonici, il dinamismo infine, non è nella ripetizione ma dentro la forma e nella pennellata. La gestualità, placata nelle nuove strutture, alimenta una composizione meno nervosa, come se l’urgenza espressiva, e quel senso epico che accompagnava la figura umana semplificata, si fosse tramutato in qualcosa di molto più contenuto e denso. Montanaro in questi lavori recenti usa l’acido a volte con la delicatezza di un acquarello, discostandosi dai gesti elettrici dei suoi precedenti lavori. Gli edifici industriali sono sagome geometriche attraverso le quali l’artista sonda tutte le sfumature cromatiche e le diverse profondità della sua pennellata. Messe a confronto con la descrittività analitica di un genere che ha dato molto nella fotografia, queste periferie appaiono come fantasmi inconsci, pure visioni pittoriche nelle quali la realtà è completamente trasfigurata e riletta secondo un codice capace di reinventarla e di creare un intrigo visivo che ha il sapore del nuovo e soprattutto che porta indelebile il segno di Giacomo Montanaro”. Spazio Open Art house - In occasione della decima giornata del Contemporaneo organizzata da A.M.A.C. I opening sabato 11 ottobre h. 12 / 22 - orario continuato dal 11 ottobre 2014 al 11 gennaio 2015 Via San Gaudenzio 10/b 10015 Ivrea (TO) Email: info@openarthouse.it Email: stampa@openarthouse.it Cellulare: +39 338 5093563 +39 338 5093563 - +39 01251897402 Skype: openarthouse Giovanni Cardone
Inizio: 10/11/2014
Fine: 01/11/2015
Indirizzo: Spazio Open Art house Via San Gaudenzio 10/b 10015 Ivrea (TO)
Spazio: Spazio Open Art
Area geografica: Nord
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Numerazione: 2
Titolo: META-ILLUSIONI ovvero Dallo scatto fotografico alla percezione della realtà
Introduzione: “la storia è quella certezza che prende consistenza là dove le imperfezioni della memoria incontrano le inadeguatezze della documentazione” (Julian Barnes : Il senso di una fine) oppure, per dirla con Magritte: “Ceci n’est pas une pipe” 5 artisti da 5 nazioni per una carrellata sulla fotografia contemporanea che ha per minimo comun denominatore la riproduzione della realtà in chiave surrealista e metafisica. Il surreale, il verso deformato della realtà, l’invenzione di uno scenario inesistente o esistente sotto forme differenti, entrano in gioco per soggettivizzare un messaggio.
Descrizione: Artisti: Nicola Evangelisti /Cynthia Greig/ Michal Macku/Pilar Soberon/ Philippe Soussan Tipologia: Mostra collettiva Curatore: Cynthia Penna Vernissage: 27 Novembre 2014 dalle 18 alle 22 Ufficio stampa: Valeria Valerio /ART1307 “la storia è quella certezza che prende consistenza là dove le imperfezioni della memoria incontrano le inadeguatezze della documentazione” (Julian Barnes : Il senso di una fine) oppure, per dirla con Magritte: “Ceci n’est pas une pipe” 5 artisti da 5 nazioni per una carrellata sulla fotografia contemporanea che ha per minimo comun denominatore la riproduzione della realtà in chiave surrealista e metafisica. Il surreale, il verso deformato della realtà, l’invenzione di uno scenario inesistente o esistente sotto forme differenti, entrano in gioco per soggettivizzare un messaggio. Un neosurrealismo, una meta-fotografia in cui il “concetto”, l’idea, diventano l’unico supporto e il fine stesso dello scatto fotografico. Si opera attraverso “visual Hybrids” cioè attraverso degli “ibridi visivi” che comportano trasformazione (C. Greig), distorsione e duplicazione della realtà (P. Soussan, M.Machu), per aderire ad una percezione nuova di una realtà diversa ; una fotografia “percettiva”, una fotografia che offre una nuova e inesplorata visione delle cose del mondo (P.Soberon). Una riflessione sullo spazio e le sue modificazioni,(N.Evangelisti), ma anche sulla modificazione dei tempi, o degli oggetti o della percezione degli stessi. Tutto si permea di sottili ambiguità e trasmutazioni; la visione gioca sulla dicotomia tra identità e ricordo: ricerca di identificazione di una realtà oggettuale, conosciuta e perdita continua di questa identificazione; la perdita di riferimenti oggettivi induce uno stravolgimento della codificazione della percezione.
Inizio: 27/11/2014
Fine: 01/10/2015
Indirizzo: Piazza S. Eframo Vecchio - Napoli
Spazio: Villa di Donato
Area geografica: Sud
Email: info@art1307.com
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Titolo: “Trincee ’14/18- La Grande Guerra negli occhi di un soldato”
Introduzione: Roma, 22 Maggio 2014- Si inaugura a Roma, presso la Galleria Tempi Moderni di via Giulia 80, la mostra “Trincee ’14/18- La Grande Guerra negli occhi di un soldato”. Promossa dalla Fondazione Moderni e inserita nel programma della Presidenza del Consiglio dei Ministri per il Centenario della Prima Guerra Mondiale, patrocinata inoltre, da Roma Capitale e dalla Regione Lazio, “Trincee ’14/18” permetterà al pubblico di vivere, come in presa diretta, l’inferno del fronte attraverso l’esperienza e lo sguardo dei protagonisti dell’epoca.
Descrizione: Roma, 22 Maggio 2014- Si inaugura a Roma, presso la Galleria Tempi Moderni di via Giulia 80, la mostra “Trincee ’14/18- La Grande Guerra negli occhi di un soldato”. Promossa dalla Fondazione Moderni e inserita nel programma della Presidenza del Consiglio dei Ministri per il Centenario della Prima Guerra Mondiale, patrocinata inoltre, da Roma Capitale e dalla Regione Lazio, “Trincee ’14/18” permetterà al pubblico di vivere, come in presa diretta, l’inferno del fronte attraverso l’esperienza e lo sguardo dei protagonisti dell’epoca. Un percorso unico che, grazie ad una esclusiva collezione di 1000 lastre fotografiche stereoscopiche tridimensionali, scattate proprio nelle prime linee, a distanza di cento anni, riattualizza - con la forza evocativa delle istantanee - la vita quotidiana dei soldati in 4 anni di fronte. L’ iniziativa, sponsorizzata dalla società di produzione Amygdala, si inserisce nel calendario delle commemorazioni dedicate ai 100 anni dallo scoppio della prima Guerra mondiale a cui hanno partecipato circa 6 milioni di italiani. Un evento che ha segnato profondamente la storia sociale, politica, economica e culturale del nostro Paese. Tra gli obiettivi principali della mostra, la diffusione nelle giovani generazioni di una maggiore conoscenza storica e della consapevolezza di uno degli eventi che hanno maggiormente influito sul processo di costruzione del nostro Paese. La mostra sarà gratuita e aperta al pubblico dal 24 maggio, tutti i giorni dalle 10:00 alle 19:00. Info e contatti: Website: www.galleriamoderni.it E-mail: info@galleriamoderni.it Tel: 06-32646109 Fax: 06-3220785 Facebook: Galleria Moderni Twitter: Grande Guerra IT (@100grandeguerra) Per utilizzare l’esclusivo materiale fotografico, vi invitiamo a visionare l’album sul nostro profilo Facebook “Materiale fotografico Trincee ‘14/18- La Grande Guerra”.
Inizio: 24/05/2014
Fine: 31/12/2014
Indirizzo: Via Giulia, 81 Roma
Spazio: Galleria Tempi Moderni
Area geografica: Roma
Email: info@galleriamoderni.it
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Titolo: ROBERT PETTENA. NOBLE EXPLOSION
Introduzione: Sabato 6 dicembre alle 18.00 la Galleria civica di Modena inaugura alla Palazzina dei Giardini la mostra “Robert Pettena. Noble Explosion”, a cura di Marco Pierini, coprodotta con la Fondazione Cassa di Risparmio di Modena con il patrocinio del Comune di Spilamberto. La mostra presenta, per la prima volta in Italia, un’ampia ricognizione fotografica compiuta sui siti SIPE-Nobel del territorio italiano da Robert Pettena.
Descrizione: ROBERT PETTENA. NOBLE EXPLOSION Palazzina dei Giardini, Corso Canalgrande, Modena 6 dicembre 2014-1 marzo 2015 Sabato 6 dicembre alle 18.00 la Galleria civica di Modena inaugura alla Palazzina dei Giardini la mostra “Robert Pettena. Noble Explosion”, a cura di Marco Pierini, coprodotta con la Fondazione Cassa di Risparmio di Modena con il patrocinio del Comune di Spilamberto. La mostra presenta, per la prima volta in Italia, un’ampia ricognizione fotografica compiuta sui siti SIPE-Nobel del territorio italiano da Robert Pettena. Alfred Nobel, noto come l’ideatore dell’omonimo premio, fu anche e soprattutto l’inventore della dinamite, collega e amico di Ascanio Sobrero, il chimico torinese che sintetizzò la nitroglicerina. Nei primi anni Settanta dell’Ottocento, dopo aver incontrato varie difficoltà in molti Paesi del nord Europa, Nobel giunse in Italia per installare i suoi impianti di produzione di esplosivi. Più tardi la sua società “Dynamite Nobel” stabilì una fruttuosa joint venture con la Società Italiana Prodotti Esplodenti, dando vita alla SIPE Nobel S.p.A. La dinamite, brevettata da Nobel nel 1867, fu largamente utilizzata per l’estrazione mineraria, nelle cave, nel settore delle costruzioni e delle demolizioni; dette anche notevole impulso allo sviluppo delle ferrovie, in particolare nelle zone alpine, facilitando lo scavo dei tunnel. La crescita della domanda di esplosivi fece proliferare l’industria a essi collegata. La fabbrica Dynamite Nobel di Avigliana (Torino) iniziò la sua attività nel 1879. Tra il 1888 e il 1900 la SIPE ha confezionato 120-130 tonnellate di dinamite. A partire dal 1891 ha iniziato a produrre a Forte dei Marmi polveri senza fumo per la Marina, poi nel 1901 a Spilamberto in provincia di Modena e, successivamente, nel 1903 a Cengio, al confine tra Piemonte e Liguria dove realizzava TNT per l’esercito italiano. Negli anni della prima guerra mondiale le fabbriche della SIPE Nobel sfornavano decine di tonnellate al giorno di polveri esplosive e munizioni. Da questi elementi ha inizio un’avvincente indagine sulla storia e sui paradossi di una delle figure più complesse del secondo Ottocento: inventore, imprenditore e filantropo. In mostra una selezione di circa 50 foto e una documentazione di varia natura (foto, disegni, materiale d’archivio) sui siti SIPE Nobel nel territorio italiano, con un approfondimento su quello di Spilamberto. Il lavoro fotografico di Pettena mette in risalto il valore compositivo delle architetture industriali di fine Ottocento e primo Novecento e le loro caratteristiche d’integrazione sul territorio, spesso ottenuta mediante una sorta di camouflage con la vegetazione, soprattutto allo scopo di evitare i bombardamenti aerei. “L’occhio dell’artista – scrive Marco Pierini nel testo in catalogo – osserva quasi clandestinamente l’aspetto odierno delle fabbriche e se indugia sullo stato d’abbandono delle costruzioni non è con l’intento di andare alla riscoperta di un anacronistico gusto per la rovina, ma per segnalare l’eccezionalità di luoghi (spesso ancora in attesa di essere bonificati) dove il tempo appare sospeso e la vita – non fosse per la vegetazione che riconquista il proprio spazio – assente”. La mostra sarà accompagnata da un catalogo bilingue che presenta testi critici di Angelo Bianco, Sandro Fuzzi, Francesco Galluzzi, Lorenza Pignatti, Angela Paine, Marco Pierini e Pier Luigi Tazzi. Robert Pettena Nato a Pembury (UK) nel 1970, vive e lavora a Firenze. Insegna fotografia all’Accademia di Belle Arti di Carrara. La sua ricerca artistica si basa sulla relazione tra gli opposti: archeologia industriale e natura, borghesia e valori anarchici, essere umano e oggetto artificiale. I linguaggi prediletti sono la fotografia, l’installazione e il video. Ha esposto in numerose mostre personali e collettive, in Italia e nel mondo. Fra queste si ricordano “Project Room – Scultura", CAMEC, La Spezia (2014), “Joan of Art: Towards a Free Education”, MACRO, Roma (2013), “Nobel Explosion & anti-hail rockets”, Uqbar Project Space, Berlino (2012), “Anno del Drago”, Centro per l’Arte Contemporanea Luigi Pecci, Prato (2012), "Zabriskie Point Reloaded”, Rhizomatic Project Space, Amsterdam (2011), "Kunsthalle Athena -The Bar", Kunsthalle Athena, Atene, “Robert Pettena”, Waseda University, Tokyo (2009). Ha partecipato a workshop, convegni e residenze; nel 2007 ha partecipato alla 52° Biennale di Venezia, "Pan Screening, Art Radio Live", WPS1.ORG Broadcasts; ha al suo attivo numerose pubblicazioni. Nella foto: Robert Pettena, Uffici S.I.P.E. Nobel, Spilamberto mostra Robert Pettena. Noble Explosion a cura di Marco Pierini sede Palazzina dei Giardini, corso Canalgrande, Modena periodo 6 dicembre 2014-1 marzo 2015 organizzazione e produzione Galleria civica di Modena, Fondazione Cassa di Risparmio di Modena con il patrocinio del Comune di Spilamberto inaugurazione sabato 6 dicembre 2014, ore 18.00 preview per la stampa giovedì 4 dicembre 2014, ore 11.30 orari mercoledì-venerdì 10.30-13.00 e 15.00-18.00; sabato, domenica e festivi 10.30-19.00. Lunedì e martedì chiuso. festività Lunedì 8 dicembre e venerdì 26 dicembre apertura festiva con orario continuato dalle 10.30 alle 19.00. Giovedì 25 dicembre e giovedì 1 gennaio apertura solo pomeridiana dalle 15.00 alle 19.00 ingresso gratuito ufficio stampa Clp Relazioni Pubbliche, Milano, Anna Defrancesco, tel. + 39 02 36755700, anna.defrancesco@clponline.it immagini e comunicati scaricabili www.clponline.it ufficio stampa Galleria civica di Modena, Cristiana Minelli tel. +39 059 2032883, galcivmo@comune.modena.it immagini e comunicati scaricabili nell’area giornalisti del sito della galleria informazioni Galleria civica di Modena, corso Canalgrande 103, 41121 Modena tel. +39 059 2032911/2032940 - fax +39 059 2032932 www.galleriacivicadimodena.it Museo Associato AMACI
Inizio: 06/12/2014
Fine: 01/03/2015
Indirizzo: Palazzina dei Giardini, Corso Canalgrande, Modena
Spazio: Palazzina dei Giardini
Area geografica: Nord
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Numerazione: 2
Titolo: FRANCESCA WOODMAN PROTAGONISTA DELLA STAGIONE ESPOSITIVA 2015 DI MERANO ARTE
Introduzione: L’appuntamento più atteso, in calendario da giugno a settembre, per la cura di Gabriele Schor, è dedicato a due grandi artiste scomparse in giovane età: Francesca Woodman e Birgit Jürgenssen. Le opere provenienti dalla Collezione Verbund di Vienna saranno in grado di fare luce sulle personalità di due autrici che hanno segnato fortemente la storia dell’arte negli anni settanta del secolo scorso.
Descrizione: FRANCESCA WOODMAN PROTAGONISTA DELLA STAGIONE ESPOSITIVA 2015 DI MERANO ARTE Fulcro del ricco programma sarà infatti la mostra dedicata a due grandi artiste scomparse in giovane età: Francesca Woodman e Birgit Jürgenssen. Non mancheranno iniziative dedicate ai nuovi talenti dell’arte, all’architettura, alla cultura del cibo e del gusto e molto altro. Sarà un 2015 ricco di iniziative quello che Merano Arte offrirà agli appassionati d’arte contemporanea. L’appuntamento più atteso, in calendario da giugno a settembre, per la cura di Gabriele Schor, è dedicato a due grandi artiste scomparse in giovane età: Francesca Woodman e Birgit Jürgenssen. Le opere provenienti dalla Collezione Verbund di Vienna saranno in grado di fare luce sulle personalità di due autrici che hanno segnato fortemente la storia dell’arte negli anni settanta del secolo scorso. Se in passato i soggetti femminili delle fotografie di Francesca Woodman (1958–1981), sono stati spesso interpretati quale preludio estetico del suo suicidio, gli studi di Gabriele Schor, Elizabeth Bronfen, John Mariz, Abigail Solomon-Godeau e Beate Söntgen, iscrivono la sua opera nella tradizione del tableau vivant. La rassegna proporrà 80 fotografie, esposte per la prima volta in versione originale, che approfondiranno la poesia e l'ambito metaforico che caratterizza il singolare utilizzo di oggetti di posa da parte della Woodman (specchi, guanti, carte da parati, ecc.), ma anche la sua messa in scena in uno spazio in cui le leggi della geometria sembrano non valere più. La pubblicazione realizzata in questa occasione include un testo scritto dalla compagna della Woodman, Betsy Berna, e la prima biografia completa illustrata dedicata all’artista, a cura di Katarina Jerinic. Birgit Jürgenssen (1949-2003), una delle più importanti esponenti dell’avanguardia femminista, ha lasciato un corpus davvero eterogeneo e complesso. Le circa 3.000 opere che ha realizzato nel corso della vita includono stampe, disegni, acquerelli, collage, dipinti, fotografie e sculture. A Merano Arte si potranno ammirarare 40 opere dell'artista austriaca, dedicate all’esplorazione di un corpo femminile che appare mascherato, frammentato, antropomorfo. Da febbraio ad aprile, a Merano Arte si terrà la mostra esito del progetto "FROM & TO", giunto alla terza edizione. Nelle edizioni precedenti (2007 e 2011) alcuni artisti italiani avevano invitato un artista straniero, a lavorare a quattro mani o a esprimersi su un tema comune. Al centro del progetto-mostra è la collaborazione e il confronto. Dentro e fuori, "From and To" è in questo senso una sorta di metafora degli scambi diretti o mediati che avvengono tra gli artisti nel tempo. In questa occasione, il progetto si è sviluppato in forma rinnovata ed è diventato un’occasione d’interscambio culturale tra Francia e Italia, che troverà esito in una mostra di cinque artisti italiani e cinque artisti francesi: Tony Fiorentino, Leander Schwazer, Sonia Leimer, Julia Frank, Roberto Pugliese, Diana Blondeau, Lorraine Chateaux, Quentin Derouet, Vivien Roubaud, Thomas Tourlai. L’iniziativa è curata da Eric Mangion, direttore di Villa Arson, Nizza e Valerio Dehò, direttore artistico di Merano Arte. FROM & TO rientra nel progetto PIANO, Piattaforma per l'Arte Contemporanea Francia-Italia 2014-2015, realizzato da d.c.a / Associazione Francese per lo Sviluppo dei Centri d'Arte; in collaborazione con l'Istituto Francese d'Italia, l'Ambasciata di Francia in Italia e l'Istituto Francese, con il sostegno del Ministero degli Affari Esteri e dello Sviluppo Internazionale, del Ministero per la Cultura e la Comunicazione, e della Fondazione Nuovi Mecenati. Da febbraio a marzo è in calendario la mostra Alpi Architettura Turismo all'ADES Architekturforum di Berlino, a cura di Susanne Waiz, che presenta una serie di progetti altoatesini che possono essere considerati d'esempio per una nuova formula di turismo sostenibile. Oltre alle strutture alberghiere in sé, la rassegna prende in considerazione le infrastrutture e la casistica di adeguamento di alcuni edifici storici. Da aprile a giugno, con la mostra "Green & Wild - cibo e natura nell'arte contemporanea", Merano Arte renderà protagonisti i valori culturali del cucinare e del mangiare, il tutto dal punto di vista dell'arte. Partendo dall’opera di Daniel Spoerri, inventore della "Eat Art", saranno proposte una decina di posizioni di artisti contemporanei internazionali che attraverso fotografie, video e installazioni proporranno una riflessione sul tema. L'esposizione esplora come l'approccio artistico che coinvolge l’ambito alimentare si esprima in tematiche fortemente attuali e rifletta allo stesso tempo sul nuovo modo di rapportarsi al cibo e di scegliere i prodotti per cucinare. Il cosidetto "foraging", termine che indica l’attività di raccogliere cibo selvatico adatto al nutrimento umano in vari ambienti naturali, è una nuova tendenza che riavvicina le persone alla natura, invitandoci a ripensare il valore delle colture spontanee e delle erbe selvatiche. Anne Schloen è stata la guest curator invitata a Merano Arte nel 2014. Ha fatto visita e approfondito il lavoro di 10 artisti altoatesini, tre dei quali sono stati scelti per rientrare nel progetto della mostra: Thomas Sterna, Stefan Tschurtschenthaler e Maria Walcher. In contemporanea alla mostra, in collaborazione con l'azienda di soggiorno di Merano, inaugura la Foodie Factory, un’officina del gusto e un laboratorio in cui si utilizzano prodotti selvatici e spontanei, sempre freschi, locali e di stagione, per creare cibi creativi, innovativi e sani, reinterpretando anche le antiche ricette. Da ottobre 2015 a gennaio 2016, in occasione del 50° anniversario della morte, si terrà la mostra dedicata a Luis Kuperion che approfondirà la sua figura di pittore-mendicante e i dipinti ispirati al paesaggio della sua terra natale: la Val Venosta. In contemporanea, Merano Arte ospiterà l’esposizione Architettura e pianificazione urbanistica nella Merano degli anni Trenta, a cura di Walter Gadner e Magdalene Schmidt, in collaborazione con il Museo della Città di Merano; attraverso planimetrie e fotografie d’epoca, il progetto esplorerà tematiche come ‘La progettazione e realizzazione di complessi residenziali’, ‘Lo sport e il tempo libero’, ‘Gli edifici pubblici, Municipio, Casa del Fascio’, ‘L'industria e sistemi tecnologici, ponti’. La mostra fornisce una panoramica storica approfondita della città di Merano e pone in rilievo l'importanza dell’architettura e dell’urbanistica per uno sviluppo urbano sostenibile. Merano Arte Edificio Cassa di Risparmio, Portici 163, 39012 Merano (BZ) www.kunstmeranoarte.org Uffici stampa: Anna Defrancesco CLP Relazioni Pubbliche tel. +39 02 36755700 anna.defrancesco@clponline.it Camilla Martinelli tel. +39 0473 212643 martinelli@kunstmeranoarte.org Merano Arte Programma 2015 Dal 6 Febbraio al 12 Aprile 2015 From & To Tony Fiorentino, Leander Schwazer, Sonia Leimer, Julia Frank, Roberto Pugliese, Diana Blondeau, Lorraine Chateaux, Quentin Derouet, Vivien Roubaud, Thomas Tourlai. A cura di: Eric Mangion, direttore di Villa Arson, Nizza e Valerio Dehò, direttore artistico di Merano Arte. 1 ° - 2° - 3° piano Dal 24 Aprile al 14 Giugno 2015 Green & Wild - cibo e natura nell'arte contemporanea In occasione della mostra: la Foodie Factory in collaborazione con l'Azienda di soggiorno di Merano A cura di: Anne Schloen 1 ° - 2° - 3° piano Dal 26 Giugno al 20 Settembre 2015 Francesca Woodman & Birgit Jürgenssen Opere dalla Collezione Verbund A cura di: Gabriele Schor 1 ° - 2° - 3° piano Dal 2 Ottobre 2015 al 10 Gennaio 2016 Luis Kuperion in occasione del 50. anniversario della morte 2° - 3° piano Dal 3 Ottobre 2015 al 10 Gennaio 2016 Architettura e pianificazione urbanistica nella Merano degli anni Trenta A cura degli Arch. Walter Gadner e Magdalene Schmidt 1 ° piano Dal 30 Gennaio al 26 Marzo 2015 Alpi Architettura Turismo all'ADES Architekturforum di Berlino A cura dell'Arch. Susanne Waiz Giugno 2015 Visita agli atelier: ricerca sul territorio Dal 1 Marzo al 1 Maggio 2015 La "Primavera meranese"
Inizio: 30/01/2015
Fine: 26/03/2015
Indirizzo: Edificio Cassa di Risparmio, Portici 163, 39012 Merano (BZ)
Spazio:
Area geografica: Nord
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tipo: Gallerie d'arte
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Numerazione: 2
Titolo: Piccole Gioie al Digitale
Introduzione: Gabriele Lorusso, in collaborazione con il GAM clan, porta le opere digitali nel mondo fisico Dalle contaminazioni di Schiele, Rothko e Jean-Michael Basquiat,ma anche di tutto il mondo della street art e dalle tendenze del mondo della grafica che ormai permea tutta la nostra vita quotidiana. Così le opere si presentano con uno stile molto semplice e definito, in cui spesso il soggetto è unico e centrale.
Descrizione: Gabriele Lorusso, in collaborazione con il GAM clan, porta le opere digitali nel mondo fisico Dalle contaminazioni di Schiele, Rothko e Jean-Michael Basquiat,ma anche di tutto il mondo della street art e dalle tendenze del mondo della grafica che ormai permea tutta la nostra vita quotidiana. Così le opere si presentano con uno stile molto semplice e definito, in cui spesso il soggetto è unico e centrale.
Inizio: 10/01/2015
Fine: 23/01/2015
Indirizzo: Viale Col di Lana,6 20136 Milano
Spazio: Sunny Side Up
Area geografica: Milano
Email: press.galleryssup@gmail.com
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Numerazione: 2
Titolo: ALTRIMENTI CHE ESSERE
Introduzione: Inaugura sabato 24 gennaio 2015 il progetto espositivo Altrimenti che essere, che affronta il tema dell'alterità, alla luce del saggio omonimo di Emmanuel Lévinas, secondo un'ottica che guarda alla sensibilità di genere.
Descrizione: In occasione di Arte Fiera 2015, la città di Bologna, per tradizione da sempre attenta alla riflessione sull’identità di genere anche grazie a manifestazioni del calibro di Gender Bender e all'attività più che trentennale del Circolo Arcigay Il Cassero, offre una mostra dedicata al tema dell’alterità. Sabato 24 gennaio, GALLLERIA PIU' è lieta di presentare Altrimenti che essere, progetto espositivo a cura di Andrea Bruciati, che mette in scena 10 artisti italiani e internazionali dotati di un’ottica “disturbante”, in grado di percepire una realtà meno omologata e coerente ma sicuramente più autentica. E di celebrare la diversità e l’unicità di ogni individuo. Patrick Angus, Tomaso De Luca, Didier Faustino, Joanna Piotrowska / Nefeli Skarmea, Elodie Pong, Prinz Gholam, Athi-Patra Ruga, Davide Savorani, Paul Mpagi Sepuya, Namsal Siedlecki. ALTRIMENTI CHE ESSERE a cura di Andrea Bruciati 22.01.15 > 04.04.15 Inaugurazione sabato 24.01.15 Inaugura sabato 24 gennaio 2015 il progetto espositivo Altrimenti che essere, che affronta il tema dell'alterità, alla luce del saggio omonimo di Emmanuel Lévinas, secondo un'ottica che guarda alla sensibilità di genere. Il soggetto è interpretato in una visione di apertura e dialogo, come Io desiderante che entra criticamente in comunione con ciò che è altro da sé. L’ambivalenza che ne deriva costituisce un segnale di resistenza contro l’omologazione della realtà, è frutto di un pragmatismo filosofico che può essere applicato sia all’arte che alla vita quotidiana, sia all’esperienza estetica che a quella pratica. Qui il processo creativo, inteso come fertile metamorfosi, si formalizza in trasformazione della vita stessa. L’approccio dell’arte intende interrompere il flusso omologato di segni, il suo compito è quello di essere critica e disturbante, di avere uno sguardo strabico che permette di percepire una realtà più autentica. Come dimostrano le opere in mostra, ciò è reso possibile solo riconoscendo la solitudine dell’altro, la sua unicità, ma anche il suo mistero e il valore del suo essere persona. Confutando Freud, secondo il quale l'alterità non è che una proiezione dell’Io, essa diventa totalmente estranea all'Ego producendo fratture esistenziali anche dal punto di vista iconografico, perché ogni esperienza è unica e mai paragonabile. Pure laddove gli artisti parlano di sentimento ed emotività li interpretano in una accezione antiromantica perché non implicano la fusione, l’identità totale, e dunque l’Eros non prevede possesso ma mistero verso l’altro, quasi in una accezione metafisica. Termini crudi come esposizione, vulnerabilità, prossimità, sostituzione, ostaggio, sono ricorrenti in ogni lavoro esposto e sono il risultato di un controllo concettuale prima che emotivo, che non consente abusi sulla sua interpretazione. In questo, tali espressioni confermano quei teoremi di Kurt Gödel sull’incompletezza, per cui la natura dell’arte si fonda sul bisogno soggettivo di interrompere l’equilibrio e l’apparente coerenza del mondo. Gli autori invitati perseguono questa prospettiva diversamente empatica su differenti registri e le loro espressioni assurgono a veri e propri campi d'azione per interventi di relazioni e scambio, finalizzati a quello che il filosofo lituano Emmanuel Lévinas definiva 'umanesimo dell'altro uomo'. Artisti: Patrick Angus Tomaso De Luca Didier Faustino Joanna Piotrowska / Nefeli Skarmea Elodie Pong Prinz Gholam Athi-Patra Ruga Davide Savorani Paul Mpagi Sepuya Namsal Siedlecki GALLLERIAPIÙ sede: Via del Porto 48 a/b, 40122 Bologna contact: +39 0516449537 info@gallleriapiu.com web: www.gallleriapiu.com social: www.facebook.com/OltreDimore; www.twitter.com/OltreDimore press: Irene Guzman +39 3491250956 press@gallleriapiu.com orari: martedì e mercoledì 14.30-19.30; giovedì e venerdì 12.00-20.00; sabato 11.00-19.00 e su appuntamento
Inizio: 24/01/2015
Fine: 04/04/2015
Indirizzo: Via del Porto 48 a/b, 40122 Bologna
Spazio: GALLLERIAPIÙ
Area geografica: Nord
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Titolo: LIQUID di Lia PASCANIUC
Introduzione: n occasione della terza edizione di SetUp Art Fair, la fiera indipendente di arte contemporanea che si svolge a Bologna dal 22 al 25 gennaio 2015, la giovane artista rumena Lia Pascaniuc presenta il progetto LIQUID, a cura di Chiara Canali, presso lo stand della galleria RezArte Contemporanea di Reggio Emilia.
Descrizione: LIQUID di Lia PASCANIUC I SetUp Art Fair I Bologna, 22-25 gennaio 2015 SetUp Art Fair Autostazione di Bologna, Piazza XX Settembre, 6 Stand n. 25, RezArte Dal 22 al 25 gennaio 2015 In occasione della terza edizione di SetUp Art Fair, la fiera indipendente di arte contemporanea che si svolge a Bologna dal 22 al 25 gennaio 2015, la giovane artista rumena Lia Pascaniuc presenta il progetto LIQUID, a cura di Chiara Canali, presso lo stand della galleria RezArte Contemporanea di Reggio Emilia. La ricerca di Lia Pascaniuc allieva del maestro Franco Fontana, si rivolge ai nuovi media come la fotografia, il video e le tecnologie multimediali per indagare tematiche ed emergenze dell’odierna società liquida: i cambiamenti climatici, le trasformazioni irreversibili della natura e il global warming. La mutevole e transitoria condizione dei fenomeni naturali, presupposto essenziale della vita umana, viene rapportata dall’artista alla situazione attuale, instabile ed incerta, che Zygmunt Bauman definisce “liquida”. Afferma infatti lo studioso: “Liquido è il tipo di vita che si tende a vivere nella società liquido-moderna. Una società può essere definita "liquido-moderna" se le situazioni in cui agiscono gli uomini si modificano prima che i loro modi di agire riescano a consolidarsi in abitudini e procedure”. Questo incessante e liquido fluire delle cose trova la sua più evidente rappresentazione nell’elemento dell’acqua che nelle sue varie accezioni richiama i concetti di mobilità, leggerezza, adattabilità, dinamicità, percorribilità e flessibilità. Nel ciclo fotografico “Luce liquida” di Lia Pascaniuc l’acqua è assoluta protagonista delle opere, “sostanza primordiale da cui scaturiscono tutte le forme” (Mircea Eliade), struttura visivo-formale declinata in differenti texture cromatiche e pattern geometrici che rimandano alla varietà dei passaggi e degli stati in cui è presente in natura. Con il progetto “Vita liquida” l’acqua invece è assente dall’inquadratura lasciando campo alla vita delle creature marine nel vuoto più assoluto di una spazialità condivisa. Le fotografie di questa serie, eseguite analogicamente all’interno del set di un acquario artificiosamente deprivato dell’acqua attraverso particolari strumentazioni ottiche, si concentrano unicamente sulle variopinte sfumature dei pesci, che spiccano dal buio più assoluto dello sfondo. La sottrazione dei liquidi diventa metafora della condizione di mutevolezza della società attuale, sempre più occupata a rendersi visibile attraverso forme virtuali che sostituiscono qualsiasi forma di relazione reale. Questa sensazione di incertezza e precarietà viene ancor più incarnata dalla scultura “Vita liquida”, installazione di un cubo olografico, realizzata con innovative tecnologie multimediali, che presenta al suo interno un video in 3D con le immagini in movimento di un pesce giallo fosforescente fluttuante nel vuoto, alla ricerca di un’instabile e pressoché impossibile stasi. Biografia Lia Pascaniuc, classe ’81, studia arti e mestieri contemporanei in Romania per proseguire poi dal ‘98 gli studi a Torino. Segue da assistente il maestro Franco Fontana nel workshop di fotografia presso il Politecnico di Torino. La natura è un’ispirazione costante, che si arricchisce durante i numerosi viaggi che documenta e cataloga. La fotografia creativa e sperimentale è il principale mezzo espressivo. Realizza anche istallazioni site-specific di vario genere attraverso le quali altera ed esalta spazi e contesti utilizzando le nuove tecnologie. Tra le principali esposizioni: nel 2013 è selezionata dalla curatrice Chiara Canali all’interno del Premio Artivisive San Fedele e partecipa a BAM ON TOUR 2013 - Biennale d'arte moderna e contemporanea del Piemonte, a cura di Edoardo di Mauro; nel 2012 viene invitata a far parte della collettiva The River Thames - The Great Wall – Embrace the World presso la Barbican Gallery di Londra ed espone ad H.OPE ART alla Reggia di Venaria (Torino). Nel 2011 partecipa alla collettiva Sweet Italy - Bunga Bunga Republic, presso la Galleria Abnormals, Berlino, a cura di Clarissa Tempestini. Nel 2010 è finalista del Premio Arte Laguna presso le Tese di San Cristoforo Arsenale, Venezia. Le sue opere fanno parte delle collezioni permanenti della Forever Olympic Art Center Beijing (China), della Galleria Civica del Museo di Modena e del Florean Contemporary Art Museum (Romania) oltre che di numerosi collezionisti privati.
Inizio: 22/01/2015
Fine: 25/01/2015
Indirizzo: Bologna, Piazza XX Settembre, 6
Spazio: Autostazione di Bologna, Piazza XX Settembre, 6
Area geografica: Nord
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Numerazione: 2
Titolo: MIC – MUSEO INTERATTIVO DEL CINEMA
Introduzione: MIC – MUSEO INTERATTIVO DEL CINEMA ROBERT ALTMAN, 90 ANNI DI UN MITO Dal 7 febbraio all’1 marzo 2015 Dal 7 febbraio all’1 marzo 2015 presso il MIC - Museo Interattivo del Cinema di Milano, Fondazione Cineteca Italiana presenta ROBERT ALTMAN, un’ampia retrospettiva in undici film a novant’anni dalla nascita del grande regista statunitense. Con l’occasione viene presentato in anteprima per Milano il documentario di Ron Mann Altman. Proposto alla 71. Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia (2014) nella sezione “Venezia Classici”, vanta un cast incredibile: Julianne Moore, Bruce Willis, Robin Williams, Keith Carradine e James
Descrizione: MIC – MUSEO INTERATTIVO DEL CINEMA ROBERT ALTMAN, 90 ANNI DI UN MITO Dal 7 febbraio all’1 marzo 2015 Dal 7 febbraio all’1 marzo 2015 presso il MIC - Museo Interattivo del Cinema di Milano, Fondazione Cineteca Italiana presenta ROBERT ALTMAN, un’ampia retrospettiva in undici film a novant’anni dalla nascita del grande regista statunitense. Con l’occasione viene presentato in anteprima per Milano il documentario di Ron Mann Altman. Proposto alla 71. Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia (2014) nella sezione “Venezia Classici”, vanta un cast incredibile: Julianne Moore, Bruce Willis, Robin Williams, Keith Carradine e James Caan. Il documentario offre uno sguardo intimo e profondo sulla vita e la carriera di uno degli autori più influenti della storia del cinema, il compianto Robert Altman (1925--‐2006). Attraverso interviste rare, scene di film rappresentativi, materiali d’archivio e testimonianze esclusive di familiari e collaboratori, il documentario di Ron Mann è un tributo sincero a uno degli autori più anticonvenzionali di Hollywood, creatore di uno stile unico e universalmente riconosciuto. Considerato il padre del cinema indipendente americano, Altman è tra i pochi registi a essersi aggiudicato il massimo riconoscimento nei tre principali festival europei (Palma D’Oro a Cannes nel 1970 con M*A*S*H*, orso d’oro a Berlino nel 1976 con Buffalo Bill e gli indiani, Leone d’oro a Venezia nel 1993 con America oggi), oltre all’Oscar alla carriera, firmando indimenticabili capolavori come Nashville, I protagonisti, Gosford Park. La Cineteca di Milano sceglie di proporre i più importanti risultati della carriera cinematografica del regista di Kansas City dando rilievo anche a un film mai distribuito in Italia, Anche gli uccelli uccidono, Tra i capolavori senza tempo in calendario: Una coppia perfetta, Il lungo addio, Radio America, Gang e il bellissimo Vincent e Theo, film che vanta la magistrale interpretazione di Tim Roth nei panni del tormentato pittore, qui messo in costante relazione con il fratello Theo che per anni lo mantenne e fu l’unico a stargli sempre accanto. PROGRAMMA e SCHEDE FILM Sabato 7 febbraio h 16.00 M.A.S.H. (Mobile Army Surgical Hospital) (Robert Altman, USA, 1970, 116’, con Robert Duvall e Sally Kellemann) In un ospedale militare da campo, durante la guerra di Corea, tre giovani ufficiali chirurghi, pur prestando la loro opera con destrezza e abnegazione, sono insofferenti della disciplina militare, irriverenti verso i superiori, pronti alla beffa sia nei riguardi dei colleghi che delle piacenti infermiere. Domenica 8 febbraio h 17.00 Anche gli uccelli uccidono (Robert Altman, USA, 1970, 105') Brewster McCloud è uno stravagante adolescente che vive in un rifugio antiaereo nello stadio "Astrodome" di Houston, e qui, incoraggiato dalla sua amica Louise, studia un sistema per volare in autonomia, come se fosse un uccello. Tutti coloro che criticano od ostacolano il suo lavoro vengono misteriosamente trovati uccisi. h 19.00 Nashville (Robert Altman, USA, 1975, 158’, con Geraldine Chaplin e Roonee Blakley) Per cinque giorni la città di Nashville diventa il centro attorno al quale gravita una serie di storie intrecciate fra loro. Sullo sfondo un raduno di musicisti pop e country, organizzato per sostenere la campagna elettorale di un candidato ambiguo e populista. Alla fine una delle cantanti morirà sul palco, nell'indifferenza generale. Venerdì 13 febbraio h 15.00 Il lungo addio (Robert Altman, USA, 1973, 110’, con Elliott Gould e David Arkin) Il detective Philip Marlowe accetta di accompagnare un amico, Terry, al confine con il Messico. Non trascorrono molte ore e Marlowe viene fermato dalla polizia che lo accusa di aver favorito la fuga di un omicida: la moglie di Terry, infatti, è stata uccisa. Ma la detenzione dura poco perché dal Messico giunge la notizia del suicidio di Terry. Il detective inizierà ad occuparsi di un nuovo caso, ma in realtà Terry non è del tutto uscito dalla sua vita. trascorrono molte ore e Marlowe viene fermato dalla polizia che lo accusa di aver favorito la fuga di un dura poco perché dal Messico giunge la notizia del suicidio di Terry. Il detective inizierà ad occuparsi di un nuovo caso, ma in realtà Terry non è del h 17.00 Anche gli uccelli uccidono (Robert Altman, USA, 1970, 105') Replica h 19.00 I protagonisti (Robert Altman, USA, 1992, 124’, con Tim Robbins e Woopi Golberg) Griffin Mill (Robbins, premiato con la Palma d'oro a Cannes), che lavora per una major di Hollywood, ha una doppia preoccupazione: l'arrivo di un possibile rivale nell'organico dello studio e una serie di lettere minatorie. Credendo di aver individuato il nemico anonimo, Mill lo uccide, riuscendo poi a cavarsela nell'indagine che ne segue, benché spesso sia sul punto di crollare. Produrrà poi un film che narra più o meno la sua storia. Per tutta la giornata di San Valentino ingresso libero per chi interpreta alla presenza di un addetto/a del MIC una dichiarazione d’amore ispirata a un celebre film della storia del cinema. h 16.00 Una coppia perfetta (Robert Altman, USA, 1979, 109’, con Paul Dooley e Martha Heflin) Alex (numero 207) è il maturo rampollo di una famiglia di antiquari greci rigorosi e tradizionalisti diretti dal padre-padrone Panos Theodopoulos. Sheila (numero 312) vive in comunità con i membri del gruppo musicale "Salviamoli per strada". I numeri 207 e 312 sono quelli attribuiti ai due giovani da un'agenzia matrimoniale. I primi appuntamenti fra Sheila e Alex sono, nonostante qualche equivoco, incoraggianti. La storia è quella di una piccola stazione radio del Minnesota che trasmette lo stesso spettacolo di musica e pubblicità da moltissimi anni; ma la radio viene assorbita da una grossa compagnia che decide di liquidare tutto il personale, chiudere la frequenza e demolire il teatro dal quale lo show viene trasmesso. Si assiste quindi alla messa in onda dell'ultimo spettacolo seguendo l'evolversi della serata attraverso i vari personaggi h 15.00 Gang (Robert Altman, USA, 1974, 120’, con Louise Fletcher e Keith Carradine) In America, durante la grande depressione, Bowie Bowers, in galera per omicidio, riesce a evadere insieme con due ergastolani: Ted e Chicamaw. In breve i tre diverranno compagni di vita e di rapina. h 17.30 Gosford Park (Robert Altman, USA, 2001, 137’, con Maggie Smith e Stephen Fry) A Gosford Park bellissima tenuta di campagna sir William McCordle e la moglie Sylvia organizzano una festa destinata a durare tutto il weekend. Una contessa, un eroe della Prima guerra mondiale, un idolo delle folle e il produttore americano dei film di Charlie Chan sono gli ospiti che affollano la villa. Tutto sembra procedere per h 17.00 America oggi (Robert Altman, USA, 1993, 193’, con Tim Rpobbins e Jack Lemmon) Nella Los Angeles contemporanea seguiamo le storie di alcune persone concatenate da apparenti casualità. Earl, autista di una limousine da noleggio, è sposato con Doreen, cameriera in un fast food. Un giorno Doreen investe un ragazzo che, per questo, finisce all'ospedale. Qui seguiamo le vicende di altri ricoverati e di alcuni medici, tra cui il dottor Wyman che ha non pochi problemi con la moglie. Da quest'ultima si passa a sua h 16.00 Vincent e Theo (Robert Altman, USA, 1990, 137', v.o.sott.it., con Tim Roth e Paul Rhys) Nel raccontare la vicenda biografica del pittore Vincent Van Gogh (1853-90) Altman si sofferma, in particolare, sul rapporto dell'artista con il fratello Théo, gallerista. Il risultato è un film che ci racconta il lato più nascosto di Vincent: quello delle relazioni umane e familiari lontane dalla grandiosità del Van Gogh artista. L’arte del racconto è obliqua per natura, ovvero mentre si racconta qualcosa si racconta sempre insieme un’altra storia, quella delle reazioni di chi è stato testimone, protagonista, spettatore di quella storia. La storia per Ron Mann è quella di Robert Altman, svolta in novantacinque minuti dalla sua famiglia, quella biologica e quella artistica. Irreperibile agli occhi dello spettatore, Robert Altman era un attore senza apparenze, un narratore impassibile, onnipotente, polimorfo, che film dopo film dimostrò la libertà che hanno le cose di Presentato alla 71. Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia (2014) nella sezione “Venezia h 19.00 M.A.S.H. (Mobile Army Surgical Hospital) (Robert Altman, USA, 1970, 116’) Replica h 16.00 Anche gli uccelli uccidono (Robert Altman, USA, 1970, 105') Replica Cristiana Ferrari ufficiostampa@cinetecamilano.it – 0287242114 – M 3337357510
Inizio: 07/02/2015
Fine: 01/03/2015
Indirizzo: MIC - Museo Interattivo del Cinema di Milano,
Spazio: MIC - Museo Interattivo del Cinema di Milano,
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Numerazione: 2
Titolo: "FROM & TO"
Introduzione: "FROM & TO" è un'iniziativa nata dalla volontà di supportare da vicino la crescita dei giovani artisti, dando loro la possibilità di instaurare nuove relazioni e confrontarsi con il panorama internazionale. Al centro del progetto è la collaborazione e il confronto. Dentro e fuori, "from" and "to" è in questo senso una sorta di metafora degli scambi diretti o mediati che avvengono tra gli artisti ogni giorno nel tempo. Il progetto è giunto quest'anno alla sua terza edizione.
Descrizione: Merano Arte e il Centro Nazionale per l'Arte Contemporanea Villa Arson di Nizza (F) presentano la mostra "FROM & TO" DIANE BLONDEAU LORRAINE CHÂTEAUX QUENTIN DEROUET TONY FIORENTINO JULIA FRANK SONIA LEIMER ROBERTO PUGLIESE VIVIEN ROUBAUD LEANDER SCHWAZER THOMAS TEURLAI a Merano Arte dal 7 Febbraio al 12 Aprile 2015 A cura di Valerio Dehò e Éric Mangion La mostra, curata da Éric Mangion, direttore del centro d’arte di Villa Arson e Valerio Dehò, direttore artistico di Merano Arte, presenta le opere di cinque giovani artisti italiani e cinque giovani artisti francesi: Tony Fiorentino, Leander Schwazer, Sonia Leimer, Julia Frank, Roberto Pugliese, Diane Blondeau, Lorraine Châteaux, Quentin Derouet, Vivien Roubaud, Thomas Teurlai. "FROM & TO" è un'iniziativa nata dalla volontà di supportare da vicino la crescita dei giovani artisti, dando loro la possibilità di instaurare nuove relazioni e confrontarsi con il panorama internazionale. Al centro del progetto è la collaborazione e il confronto. Dentro e fuori, "from" and "to" è in questo senso una sorta di metafora degli scambi diretti o mediati che avvengono tra gli artisti ogni giorno nel tempo. Il progetto è giunto quest'anno alla sua terza edizione. Nei due appuntamenti precedenti (2007 e 2011) alcuni artisti italiani selezionati, avevano invitato un artista straniero a lavorare a quattro mani o ad esprimersi su un tema comune. In occasione di questa nuova edizione 2014-2015 "FROM & TO" si è sviluppato in forma rinnovata ed è diventato un'occasione d'interscambio culturale tra Francia e Italia. I dieci artisti, selezionati dai direttori dei due musei, hanno dato vita a una mostra che è stata ospitata da Novembre 2014 a Gennaio 2015 a Villa Arson, Nizza e che a partire da Febbraio fino ad Aprile 2015 viene presentata negli spazi di Merano Arte. La collaborazione tra artisti italiani e artisti francesi è avvenuta attraverso un confronto sia teorico che pratico avviato con il primo incontro avvenuto a Nizza a Luglio 2013, e proseguito con l’incontro meranese ad Ottobre dello stesso anno. Una piattaforma web è stata creata per facilitare il dialogo e gli scambi. Gli artisti hanno talvolta collaborato tra loro, ponendo in essere opere collettive, d'altra parte sono stati liberi di esprimere il proprio singolare linguaggio artistico. I direttori artistici dei due musei, non hanno imposto alcun vincolo o tematica particolare, lasciando libero sfogo alla creatività dei giovani artisti e ai loro approcci individuali, che si sono espressi sin dal principio in funzione alla diversità sostanziale della loro pratica espressiva. L'esposizione propone opere appositamente pensate e realizzate per i due spazi espositivi: dipinti, sculture e fotografie, ma anche sound art, arte relazionale, processing art e videoinstallazioni. È un esempio delle nuove ricerche nel campo dell'arte contemporanea e del plurilinguismo caratteristico del panorama creativo attuale. Il visitatore è accolto a Merano Arte da una grande installazione sonora dell'artista Roberto Pugliese, realizzata con 50 tubi di plexiglas appesi nel vuoto dell'androne del museo. Di diverso diame­tro e lunghezza i tubi agiscono come casse di risonanza della composizione. I suoni emessi nell'atmosfera sono stati generati dall'artista, che ispirandosi alla Teoria generale dei sistemi del biologo austriaco Ludwig von Bertalanffy, si è servito di alcuni dati numerici del museo per definire le basi della propria composizione elettroacus­tica. Al primo piano introduce le sale dell'esposizione la scultura "Statthalter" (luogotenente), un'opera dell'artista altoatesino Leander Schwazer, ispirata a un concetto della Teoria Estetica di Theodor W. Adorno. L'elemento è un segnavia, un’asta su cui sono apposti numerosi cartelli segnaletici. Ma sono cartelli vuoti, riquadri fatti di tubi, alcuni con lastre di vetro, che incorniciano l'hic et nunc in immagine e rivelano allo stesso tempo sia il presente che l'avvenire. È un segnavia della globalizzazione, rivolto ad ogni direzione e ad alcun luogo. Nelle prime sale Julia Frank propone un'installazione che ci invita ad esplorare attraverso un video ed altri oggetti, gli esiti di un progetto partecipativo realizzato a Londra e adattato per Villa Arson. Sviluppa poi il suo approccio volto alla riflessione sulle relazioni che intercorrono tra caratteristiche ambientali e prese di coscienza individuale, con un lavoro scultoreo pensato per Merano Arte, dedicato al tema dell'esistenza e reperibilità delle risorse energetiche. Ad accoglierci nella sala che segue, è una grande installazione esito della collaborazione tra gli artisti francesi Diane Blondeau, Vivien Roubaud, Thomas Teurlai. La scultura, lunga oltre cinque metri, è frutto di un assemblaggio realizzato con tanti materiali diversi, e s'ispira al concetto di "bootleg", termine che designa il traffico delle registrazioni audio e video contrabbandate dagli studi, altresì impiegato per esprimere l’arte di mixare due pezzi per realizzarne un terzo. Al secondo piano del museo la mostra continua con una grande tavola rotonda realizzata dall'artista Sonia Leimer, compostada tavoli di epoche diverse incastonati in un grande piano in cemento. Alle pareti l’opera "1959 (2012)" è la riproduzione di una delle prime fotografie della terra realizzate nel 1959 dal satellite americano "Explorer VI". L'immagine è stata stampata su una lastra di alluminio mai utilizzata e prodotta per una navetta spaziale nel 2012. Sia il soggetto che il materiale utilizzato, rappresentano una riflessione rispetto a cosa sia davvero definibile, quantificabile, utile. Le opere della Leimer dialogano in mostra con una serie di nuovi lavori dell'artista Leander Schwazer. L'artista francese Lorraine Châteaux stravolge la stanza successiva con tintura e moquette, configurando una dimensione visiva fatta di sculture collocate alle pareti e distribuite nello spazio. L'installazione "The Cloud" delinea un luogo completamente "altro", dove vengono accostati elementi eterogenei, ma in cui la fugacità e le dissonanze, agiscono da ostacolo alla loro categorizzazione. È una superficie magica che rientra in precise coordinate spazio-temporali, disegnando allo stesso tempo una sorta di "collage surrealista". L'ultimo piano si apre con il lavoro di Tony Fiorentino, che ha coinvolto gli artisti di "FROM & TO"nel suo progetto "Dominium Melancholiae", chiedendo loro di alterare una lastra di zinco con le stesse misure di "Melancolia I", incisione realizzata da Albrecht Dürer nel 1514. Dopo essere stata manipolata nella sua forma dagli artisti, la lastra è stata immersa in una soluzione di acqua distillata mista ad acetato di piombo. L’unione di questi elementi ha dato origine a una vegetazione chimica di piombo che ricopre tutta la superficie di zinco con imprevedibili e delicate ramificazioni, che con il passare del tempo si autodistruggono, rivelandone la forma originale. La mostra termina con una serie di lavori del francese Quentin Derouet, intitolata "I colori nascono e muoiono". L'artista ha trascorso vari momenti del quotidiano in prossimità di un fuoco. Al termine di vari incontri/accadimenti ha gettato nelle fiamme dei pigmenti colorati e ha soffocato il fuoco con una tela. Da questo processo sono nate le tele in mostra: superfici astratte, segnate da bruciature, carbone e pigmenti. In dialogo con queste tele, l'artista espone una serie di sculture in ceramica che ha realizzato immergendo dei peluche nella porcellana liquida e cuocendoli in forno. La terra si è cotta e i peluche sono bruciati, dando vita a delle strane sculture bianche, dagli occhi vuoti e neri. FROM & TO rientra nel progetto PIANO, Piattaforma preparata per l’Arte Contemporanea Francia-Italia, 2014-2015, creata su iniziativa di d.c.a / association française de développement des centres d’art (associazione per lo sviluppo dei centri d’arte contemporanea), in collaborazione con l’Istituto Francese d’Italia, l’Ambasciata di Francia in Italia e l’Istituto Francese, con il sostegno del Ministero degli Affari Esteri e dello Sviluppo Internazionale, del Ministero per la Cultura e la Comunicazione, e della Fondazione Nuovi Mecenati. Merano, gennaio 2015 FROM & TO DIANE BLONDEAU, LORRAINE CHÂTEAUX , QUENTIN DEROUET, TONY FIORENTINO, JULIA FRANK , SONIA LEIMER, ROBERTO PUGLIESE, VIVIEN ROUBAUD, LEANDER SCHWAZER, THOMAS TEURLAI Conferenza stampa: 6 Febbraio 2015, ore 11.00 Inaugurazione: 6 Febbraio 2015, ore 19.00 a seguire performance musicale dell'artista Roberto Pugliese Durata della mostra: 7 Febbraio - 12 Aprile 2015 Catalogo: La mostra è accompagnata da un catalogo/giornale edito per l'occasione Orari: 10.00 – 18.00, lunedì chiuso Biglietti: intero 6,00 ridotto per over 65/guestcard/gruppi/persone diversamente abili Euro 5,00 gratuito per under 14, stampa, soci Amaci Info: Merano Arte - Edificio Cassa di Risparmio Portici 163, 39012 Merano (BZ) www.kunstmeranoarte.org
Inizio: 07/02/2015
Fine: 12/04/2015
Indirizzo: Merano Arte
Spazio: Merano Arte
Area geografica: Nord
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tipo: Gallerie d'arte
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Numerazione: 2
Titolo: FABRIZIO CARNELUTTI OPTICAL GAME
Introduzione: Si apre la nuova stagione espositiva con la personale di Fabrizio Carnelutti (Desio, 1960) presso lo Studio del Dr. Guido delli Ponti, in collaborazione con l’Associazione Culturale Ponti x l’Arte. Apprezzato fotografo, negli Anni ’80 ha collaborato con prestigiose riviste come Chi, Sorrisi Canzoni TV, Tutto Musica & Spettacolo, Oggi, Gente.
Descrizione: Ponti x l’Arte Associazione Culturale www.pontixlarte.eu Studio Dr. Guido delli Ponti Via Luigi Vitali 1, angolo Piazza Duse, Milano tel. 02798500 da lunedì a venerdì, dalle 10.30 alle 18.30 (escluso mercoledì) Ingresso libero FABRIZIO CARNELUTTI OPTICAL GAME a cura di Stefano Bianchi Milano, dal 24 febbraio al 23 aprile 2015 Inaugurazione: martedì 24 febbraio dalle 18 alle 20 Si apre la nuova stagione espositiva con la personale di Fabrizio Carnelutti (Desio, 1960) presso lo Studio del Dr. Guido delli Ponti, in collaborazione con l’Associazione Culturale Ponti x l’Arte. Apprezzato fotografo, negli Anni ’80 ha collaborato con prestigiose riviste come Chi, Sorrisi Canzoni TV, Tutto Musica & Spettacolo, Oggi, Gente. Ma siccome Fabrizio è uno che si appassiona e l’arte, per lui, vuol dire diversificare, ha preso tele, smalti, colori, si è messo a dipingere e non s’è più fermato. Giallo, rosso, blu. Colori primari, ai quali aggiungere il nero. Colori incorniciati dai telaietti delle diapositive. Fabrizio Carnelutti ha fotografato i grandi della musica, dello spettacolo, della cultura, dello sport. In ogni diapositiva c’era un volto noto, una figura in posa. Ma il suo desiderio più grande è sempre stato quello di dipingere: mescolando, “non plus ultra” della soddisfazione, lavoro e passione. Ecco, allora, che quei cromatismi a smalto lasciati dapprima correre in libertà sulla tela si sono indirizzati al cuore di quei bianchi telaietti annullando di fatto ogni singolo scatto fotografico. Al posto dell’immagine, ecco materializzarsi il colore puro, minuziosamente pennellato. E altrettanto scrupoloso è l’ordine di queste caleidoscopiche diapositive: a decine, posizionate sulle tele una accanto all’altra; coi 4 colori che interagiscono fra loro, oppure si scorporano producendo sfumate composizioni monocromatiche. L’effetto, collegato con efficacia a quell’Optical Art nata negli Anni ’60 e sviluppatasi nei ‘70, innesca un giocoso rapporto attivo fra opera d’arte e spettatore. L’immagine “inganna l’occhio”: prende cioè a modificarsi a seconda di come chi la osserva si sposta nello spazio. Stefano Bianchi Ponti x l’Arte è l'Associazione Culturale fondata da Eleonora Tarantino (giornalista pubblicista/art consultant) e Stefano Bianchi (giornalista professionista/critico d’arte). Con il coinvolgimento diretto degli artisti, è il risultato di anni di passione e dedizione che ne fanno una realtà unica e versatile quanto a tematiche e allestimenti. Scopo dell’associazione, è organizzare e promuovere mostre personali e collettive anche in locations inconsuete, riservate a tutti coloro che desiderano conoscere e collezionare Arte Contemporanea. Il Dr. Guido delli Ponti e Chiara Minoli, hanno messo a disposizione degli artisti (no-profit) la sala d’attesa dello studio dentistico ubicato in un prestigioso palazzo degli Anni ‘30. Per informazioni: Press&Media Eleonora Tarantino mob. 3356926106 - pressmedia@coolmag.it
Inizio: 24/02/2015
Fine: 23/04/2015
Indirizzo: Via Luigi Vitali 1, Milano
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Area geografica: Milano
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Numerazione: 2
Titolo: Jammin' Drama Project
Introduzione: dal 23 gennaio, in occasione di ART CITY Bologna e fino al 15 febbraio 2015, Villa delle Rose (via Saragozza 228/230 - Bologna) ospita una mostra di Marinella Senatore che riunisce tre sue video-installazioni nelle sale espositive della sede esterna del MAMbo. L'esposizione ha come fulcro Jammin' Drama Project (2014), opera prodotta nell'ambito di Museo Chiama Artista, seconda edizione del progetto a cura di Ludovico Pratesi e Angela Tecce, promosso dal Servizio architettura e arte contemporanee della ex PaBAAC - Direzione Generale per il paesaggio, le belle arti, l'architettura e l'arte contemporanee,
Descrizione: dal 23 gennaio, in occasione di ART CITY Bologna e fino al 15 febbraio 2015, Villa delle Rose (via Saragozza 228/230 - Bologna) ospita una mostra di Marinella Senatore che riunisce tre sue video-installazioni nelle sale espositive della sede esterna del MAMbo. L'esposizione ha come fulcro Jammin' Drama Project (2014), opera prodotta nell'ambito di Museo Chiama Artista, seconda edizione del progetto a cura di Ludovico Pratesi e Angela Tecce, promosso dal Servizio architettura e arte contemporanee della ex PaBAAC - Direzione Generale per il paesaggio, le belle arti, l'architettura e l'arte contemporanee, Ministero dei beni e delle attività culturali e del turismo e AMACI - Associazione dei Musei d'Arte Contemporanea Italiana. La altre due video-installazioni in mostra sono How Do U Kill the Chemist? (2009), e Variations (2011).
Inizio: 23/01/2015
Fine: 15/02/2015
Indirizzo: (via Saragozza 228/230 - Bologna
Spazio: Villa delle Rose
Area geografica: Nord
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Titolo: Zahir e La Rosa - Roberto Goldoni
Introduzione: La personale di Roberto Goldoni (1971) prende il titolo da un racconto di Borges contenuto nell’Aleph. La riflessione in arte sul potere di un pensiero che diventa ossessione.
Descrizione: La personale di Roberto Goldoni (1971) prende il titolo da un racconto di Borges contenuto nell’Aleph. La riflessione sul potere di un pensiero che diventa ossessione. “Secondo la dottrina idealista, i verbi ‘vivere’ e ‘sognare’ sono rigorosamente sinonimi; se di migliaia di apparenze, ne rimarrà una, da un sogno molto complesso, si arriverà a uno molto semplice…..Quando tutti gli uomini della terra penseranno, giorno e notte, allo Zahir, quale sarà il sogno e quale la realtà, la terra o lo Zahir?” Le opere di Goldoni sembrano accumulare in piani differenti, sovrapposti, affiancati, gli esiti della nostra percezione di ciò che ci circonda (a maggior ragione nei casi in cui Goldoni dipinge dal vero, con un gesto classico, in cui riflessi, situazioni contingenti della luce, delle ombre, delle forme vanno ad aggiungersi all’opera in costruzione). La sovrapposizione di percezioni, diventa concreta, trasformata direttamente in colore, in righe, in forme … in realtà? Quando abbiamo osservato per la prima volta l’opera "24 Righe Rosso" (2014) abbiamo avuto la sensazione di osservare un paesaggio quotidiano, ma con qualcosa di non immediatamente definibile, come fosse imperfetto. La sensazione di un luogo ove si è certi di esser stati, ma senza ricordare se in realtà o in sogno. Una realtà che contiene una imperfezione, tale da farci dubitare sulla sua “effettiva” esistenza: è lo spaesamento, in termini cinematografici, dei luoghi fisicamente impossibili (ad oggi) ma forse possibili, del Nolan di Inception e Interstellar o dei piani e stratificazioni di Memento. Il suggerimento è allargare le palpebre, farsi accecare, con un unico sguardo, dall’opera di Goldoni, ingoiarne l’immagine tutta insieme e scendere, tra le vertigini, attratti da una dimensione differente: "...chi ha visto lo Zahir presto vedrà la rosa (...), lo Zahir è l'ombra della rosa."
Inizio: 05/02/2015
Fine: 03/04/2015
Indirizzo: Via Sacchini 18 - Milano
Spazio: Rossosegnale
Area geografica: Milano
Email: info@rossosegnale.it
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tipo: Gallerie d'arte
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Numerazione: 2
Titolo: CONOSCERE E AMARE L’ITALIA
Introduzione: Le trasformazioni del Paese attraverso le fotografie di Renato Bazzoni, padre del FAI Il nostro Paese reca importantissime stratificazioni di antiche civiltà. Noi non possiamo ignorarlo, non possiamo distruggere queste vestigia. Anzi, dobbiamo farle nostre, in modo che non vengano conservati dei cimiteri, ma delle sedi umane perfettamente vitali. Renato Bazzoni
Descrizione: Il FAI – Fondo Ambiente Italiano presenta la mostra fotografica CONOSCERE E AMARE L’ITALIA Le trasformazioni del Paese attraverso le fotografie di Renato Bazzoni, padre del FAI 30 gennaio 2015 – 1 marzo 2015 La Cavallerizza, via Carlo Foldi 2 – Milano INGRESSO LIBERO Il nostro Paese reca importantissime stratificazioni di antiche civiltà. Noi non possiamo ignorarlo, non possiamo distruggere queste vestigia. Anzi, dobbiamo farle nostre, in modo che non vengano conservati dei cimiteri, ma delle sedi umane perfettamente vitali. Renato Bazzoni Da venerdì 30 gennaio a domenica 1 marzo 2015 la Cavallerizza di via Carlo Foldi 2, sede operativa del FAI – Fondo Ambiente Italiano, ospita Conoscere e amare l’Italia: le trasformazioni del Paese attraverso le fotografie di Renato Bazzoni, padre del FAI, mostra che raccoglie gli scatti dell’architetto milanese e ripercorre le tappe del suo impegno civile per la tutela dell’ambiente e del patrimonio culturale italiano a partire dagli anni Cinquanta. Architetto nella Milano della ricostruzione e del boom economico, Renato Bazzoni progettò edifici industriali e alberghieri, abitazioni e ospedali ma la sua passione fu da sempre l’architettura rurale – “creata dalla gente dei campi, delle montagne, delle coste” come amava definirla – che lo portò in giro per l’Italia alla ricerca di testimonianze di un mondo che andava scomparendo. In questo viaggio nell’Italia minore Bazzoni si affida alla sua macchina fotografica per registrare, descrivere e interpretare le grandi trasformazioni del Paese, quando da agricolo divenne industriale e postindustriale. Curata da Alberto Saibene, la mostra è divisa in sei sezioni – a ciascuna corrisponde un monitor su cui scorrono le immagini fotografiche – e comprende circa 300 scatti, parte di un immenso corpus donato al FAI dalla signora Bazzoni. La prima sezione è dedicata all’Architettura spontanea o rustica, frutto delle ricognizioni di Renato Bazzoni nei primi anni Cinquanta alla scoperta di un’Italia “minuta” e produttiva – dalle fattorie fortificate medievali ai primi esempi di edilizia industriale ottocentesca. Le alluvioni di Firenze e di gran parte del Veneto nel 1966 stimolarono il lavoro di indagine che confluì nella mostra Italia da salvare, curata nel 1967 da Italia Nostra e Touring Club: il progetto, che per la prima volta ha posto l’opinione pubblica di fronte ai disastri del dissesto ambientale, ha visto la partecipazione di Bazzoni come primo motore della mostra e coordinatore della ricerca iconografica. La storia di questo evento costituisce la seconda sezione. La terza invece affronta il tema del fragile habitat di Venezia e della “bellezza accattivante e splendente, direi sfacciata” della Laguna che Bazzoni considerava non sufficientemente salvaguardata. Le fotografie della quarta sezione, dal titolo Tutti al mare, sono scatti aerei che testimoniano gli scempi edilizi nelle zone costiere nel periodo del boom economico e della nascita del turismo di massa. Una visione in chiaroscuro, tra il documento, la divulgazione e la denuncia, che precede le ultime due sezioni - Nel solco di Romolo: leggere il territorio, che propone la lettura della storia dell’uomo attraverso il paesaggio che per Bazzoni è “un corpo vivo che traduce in forme i contenuti delle civiltà che vi si svolgono” e Verde Lombardia, perché nonostante avesse conosciuto l’Italia così in profondità, visitando ogni regione, i suoi luoghi del cuore erano lombardi. A completare la mostra due dossier di documenti sull’attività professionale e sull’impegno nelle associazioni (Italia nostra, FAI) di cui è stato dirigente e fondatore. Durante la mostra il FAI promuove l’iniziativa “Tu, come la vedi?” per condividere l’Italia che gli italiani amano e quella che non vorrebbero vedere. Sarà infatti possibile inviare attraverso il sito www.mostrabazzoni.it gli scatti che raccontano l’Italia che emoziona, che piace o quella che rattrista, dimenticata e umiliata affinché la mostra sia aperta a tutti. A tutte le persone che vogliono combattere contro il degrado, che si indignano e che riconoscono l’importanza della bellezza. Le persone che Bazzoni definiva “italiani vivi”. Le foto andranno inviate specificando “L’Italia che amo” per gli scatti che emozionano positivamente o “L’Italia che non vorrei vedere” per tutti gli altri: il FAI le pubblicherà nella gallery del sito della mostra. Renato Bazzoni è morto improvvisamente il 9 dicembre 1996, nel pieno delle sue battaglie, lasciando un testamento morale che il FAI ha fatto proprio negli anni. Renato Bazzoni è stato un grande italiano e il FAI, anche in occasione dei quarant’anni d’attività della Fondazione (1975 – 2015), intende con questa mostra ricordare e omaggiare uno dei suoi fondatori. Questa testimonianza si pone in continuità con la pubblicazione della raccolta degli scritti di Bazzoni Tutta questa bellezza (Rizzoli, 2014). La mostra è organizzata con il fondamentale contributo e sostegno degli Amici del FAI. Orari Ingresso libero. Dal lunedì al venerdì dalle ore 10.00 alle ore 13.00 e dalle ore 14.30 alle 17.30 (ultimo ingresso). Sabato e domenica dalle ore 10.00 alle ore 17.30 (ultimo ingresso). Per ulteriori informazioni: 02.467615348; www.fondoambiente.it; www.mostrabazzoni.it Ufficio Stampa FAI Francesca Decaroli – 02.467615276 – f.decaroli@fondoambiente.it
Inizio: 30/01/2015
Fine: 01/03/2015
Indirizzo: via Carlo Foldi 2 – Milano
Spazio: La Cavallerizza
Area geografica: Milano
Email: f.lorenzon@fondoambiente.it
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tipo: Gallerie d'arte
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Numerazione: 2
Titolo: Essenzialismo astratto Mostra personale di pittura di: Giovanni Citro
Introduzione: “Essenzialismo astratto” Mostra personale di pittura di: Giovanni Citro A cura di Massimiliano Bisazza -Opening: 25 febbraio 2015 dalle h 18,30 alle h 21,00 In mostra fino al 10 marzo 2015 mattino Presso: Galleria d’Arte Contemporanea Statuto13 Via Statuto, 13 (corte int.) – 20121 Milano Apertura al pubblico: dalle h 11 alle h 19 dal martedì al sabato L'essenza è uno dei concetti filosofici più complessi da illustrare, in virtù dei suoi profondi significati, nonché affascinanti, oggetto di speculazioni fin dalle origini della filosofia; già lo stesso Platone prima di Aristotele ci illustrò l’indivisibilità delle idee che hanno permeato tutto la filosofia greca fina dalle sue origini. Con la su arte, Giovanni Citro, riesce con grande abilità a contaminare i due concetti – astrazione ed essenzialità – che sono così collegabili tra loro nei contenuti. Riesce a disegnare amabilmente su tele bianche delle immagini elementari e semplici che, a parer mio, sono ampiamente riconducibili ai disegni primitivi (si pensi a quelli scoperti nelle note grotte di Lescaux, uno degli esempi più belli di arte preistorica). L’artista ricerca nel profondo l’essenza dell’essere umano grazie al “grafismo”, volutamente elementare, che ha deciso di utilizzare scientemente per condurci quasi per mano a ragionare - in modo aulico - sulla cagionevolezza delle cose, sulla caducità della vita, sulle molteplicità di esseri e di caratteri. I disegni e i dipinti di Giovanni Citro sono frutto di quello spirito che parte da una profonda ricerca di purezza, di minimale, di esistenziale; di essenziale più che mai. Per informazioni: Cell. +39 347 2265227 info@statuto13.it www.statuto13.it www.facebook.com/statuto13
Descrizione: “Essenzialismo astratto” Mostra personale di pittura di: Giovanni Citro A cura di Massimiliano Bisazza -Opening: 25 febbraio 2015 dalle h 18,30 alle h 21,00 In mostra fino al 10 marzo 2015 mattino Presso: Galleria d’Arte Contemporanea Statuto13 Via Statuto, 13 (corte int.) – 20121 Milano Apertura al pubblico: dalle h 11 alle h 19 dal martedì al sabato L'essenza è uno dei concetti filosofici più complessi da illustrare, in virtù dei suoi profondi significati, nonché affascinanti, oggetto di speculazioni fin dalle origini della filosofia; già lo stesso Platone prima di Aristotele ci illustrò l’indivisibilità delle idee che hanno permeato tutto la filosofia greca fina dalle sue origini. Con la su arte, Giovanni Citro, riesce con grande abilità a contaminare i due concetti – astrazione ed essenzialità – che sono così collegabili tra loro nei contenuti. Riesce a disegnare amabilmente su tele bianche delle immagini elementari e semplici che, a parer mio, sono ampiamente riconducibili ai disegni primitivi (si pensi a quelli scoperti nelle note grotte di Lescaux, uno degli esempi più belli di arte preistorica). L’artista ricerca nel profondo l’essenza dell’essere umano grazie al “grafismo”, volutamente elementare, che ha deciso di utilizzare scientemente per condurci quasi per mano a ragionare - in modo aulico - sulla cagionevolezza delle cose, sulla caducità della vita, sulle molteplicità di esseri e di caratteri. I disegni e i dipinti di Giovanni Citro sono frutto di quello spirito che parte da una profonda ricerca di purezza, di minimale, di esistenziale; di essenziale più che mai. Per informazioni: Cell. +39 347 2265227 info@statuto13.it www.statuto13.it www.facebook.com/statuto13
Inizio: 25/02/2015
Fine: 10/03/2015
Indirizzo: Via Statuto, 13 Milano
Spazio: Galleria d'Arte Contemporanea STATUTO13
Area geografica: Milano
Email: info@statuto13.it
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tipo: Gallerie d'arte
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Numerazione: 2
Titolo: Bed & Break..Art - 3rd Collective Exhibition
Introduzione: Esposizione collettiva: Lennys, Lunicu e Grigio 3 spazi x 3 artisti in 1 contenitore.... ... BED & BREAK ART 3rd Colletive Exhibition
Descrizione: Siamo pronti anche quest'anno a celebrare la White Night 2015 la Notte Bianca dell'Arte a Bologna!!! Il B&B Belle Arti ospiterà fino al 24 febbraio un esposizione collettiva composta da tre artisti classe 80, Lennys, Lunicu e Grigio, affini fra loro per l'approccio visionario ed un estetica più vicina al'illustrazione che alla pittura! Ogni spazio è un mondo, ogni mondo ha le sue regole! "La funzione dell’artista creativo consiste nel creare delle leggi, non nel seguire quelle già formulate" Ferruccio Busoni. 3 spazi x 3 artisti in 1 contenitore.... ... Bed & Break Art 3rd Colletive Exhibition Ingresso libero...Vi aspettiamo
Inizio: 24/01/2015
Fine: 24/02/2015
Indirizzo: via delle belle arti 48 - Bologna
Spazio: B&B BELLE ARTI
Area geografica: Nord
Email: lunicu@yahoo.it
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tipo: Gallerie d'arte
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Numerazione: 2
Titolo: Du’ etti de sonetti
Introduzione: Du’ etti de sonetti nasce un paio di anni fa da una bancarella al mercato di Santa Marinella, dove c’era un volumetto con alcuni sonetti del Belli che mi ha incuriosito. L’ho comprato e non ho più smesso di leggere e scrivere sonetti romaneschi dice Filippo Santi, autore.
Descrizione: Du’ etti de sonetti nasce un paio di anni fa da una bancarella al mercato di Santa Marinella, dove c’era un volumetto con alcuni sonetti del Belli che mi ha incuriosito. L’ho comprato e non ho più smesso di leggere e scrivere sonetti romaneschi dice Filippo Santi, autore. “Belli, Trilussa ma anche Bartolomeo Rossetti, quello di Er Vangelo seconnonoantri, o Nonna Minestra di Aldo Fabrizi, quello che sento più vicino a me come temi trattati, e girovita. In nessun modo voglio paragonarmi a loro, nemmeno per scherzo, ma leggendoli ho scoperto, o forse riscoperto, le grandi potenzialità comunicative del dialetto romanesco, la schiettezza, la sincerità, la franchezza sfacciata, l’andare dritti al punto senza giri di parole, una libertà d’espressione che la lingua italiana ha un po’ congelato nel tempo”. Lo spettacolo Du’ etti de sonetti (and OneMeatball) si focalizza solo sui sonetti a tema “cibo”, ma in realtà i Du’ etti de sonetti parlano di tutto e di tutti, di cibo certo, ma anche di immigrazione, guerre, amore, morte, amici, vita di paese e pensieri sparsi. Sono una specie di diario segreto che un giorno Alessandro Sciortino ha deciso di rendere pubblico, al Festival della Letteratura di Città della Pieve. E così è nato lo spettacolo Du’ etti de sonetti (and OneMeatball), che ha da subito coinvolto:Alessandro Sciortino, che suona e canta, Marco Carnevale, unico lettore possibile di questi sonetti, Riccardo Cimino, unico compositore possibile per musicare questi sonetti, e Marco Re, unico sovrano ammesso in questa meravigliosa democrazia che sono i Coffee Killers, dove nessuno conta più degli altri, nessuno è più importante degli altri, nessuno è qualcosa senza gli altri, nessuno ha dà rompe…..…. (come direbbero i romaneschi) Amici prima di tutto, compagni di viaggio poi. Lo spettacolo porta in scena la romanità e la internazionalizza accostandola a musiche americane, lontane nel tempo e nello spazio, e musiche italiane, più vicine sia nel tempo che nello spazio, tutte in qualche modo a tema cibo, dando vita a un vagabondaggio in versi ghiotti fra Trastevere e il Texas, un viaggio che parte da un’osteria, gira per il mondo, per poi tornare immancabilmente all’osteria. Perché i romani sono così, bello ermonno, bello tutto, ma Roma è Roma. E per un pomeriggio tra arte cibo e musica i Coffee Killers approdano alla Gnam per passare con noi un pomeriggio goloso. L’1 febbraio 2015 in Galleria Nazionale d’Arte Moderna – Salone del Mito – Viale delle Belle Arti 131 Roma –alle ore 17,00 Ingresso libero “Fateje largo che arrivano loro”, direbbero a Roma. E proprio da Roma arrivano i Coffe Killers, letteralmente gli Ammazzacaffè, con lo spettacolo “Du’ etti de sonetti (and onemeatball)”, una passeggiata in versi ghiotti tra i vicoli di Trastevere e le grandi strade del Texas, un’ora e poco più per immergersi nell’atmosfera di quella Roma mangereccia e godereccia, quella Roma cinica e sarcastica, la Roma pungente e golosa che o magna o parla de magnà ,e che per una sera incontra la grande musica italiana e americana che parla di cibo anche lei. Un incontro sorprendente da cui nasce uno spettacolo sorprendente, e che per un po’ vi farà vivere l’esperienza ormai sempre più rara di godersi un’oretta all’osteria. Ufficio stampa Maddalena Santeroni 3926323491 maddalenasanteroni@hotmail.com
Inizio: 01/02/2015
Fine: 01/02/2015
Indirizzo: Viale delle Belle Arti 131 Roma
Spazio: Galleria Nazionale d'Arte Moderna
Area geografica: Roma
Email: salvatore_puzella@hotmail.it
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Numerazione: 2
Titolo: Etnik - Gravità
Introduzione: La Galleria Varsi inaugura Gravità, ospita per la prima volta nel suo percorso le geometrie e le architetture, grazie alla ricerca sulla tridimensionalità dell’artista italiano ETNIK. Le sue produzioni riflettono dal principio una ricerca che verte integralmente sull’analisi dei nuclei volumetrici e sulla loro possibilità di aggregazione e disgregazione.
Descrizione: La Galleria Varsi inaugura Gravità, ospita per la prima volta nel suo percorso le geometrie e le architetture, grazie alla ricerca sulla tridimensionalità dell’artista italiano ETNIK. Le sue produzioni riflettono dal principio una ricerca che verte integralmente sull’analisi dei nuclei volumetrici e sulla loro possibilità di aggregazione e disgregazione. Il lavoro di Etnik riflette sulle possibilità dei moti che portano le forme a infinite realtà compositive e a nuove tridimensionalità. Sculture, istallazioni e opere a parete svilupperanno all’interno dello spazio una dimensione dinamica, dove la gravità e di conseguenza il magnetismo sono alla base delle diverse tecniche scelte dall’artista per realizzare i molteplici elementi che danno forma al percorso espositivo. Lo spettatore graviterà nello spazio muovendosi verso un punto o girando intorno ad esso, sarà come camminare in un campo magnetico. La galleria condivide con voi una nuova esperienza, Etnik dopo l’inaugurazione, proseguirà il suo lavoro su un muro pubblico, una facciata nel quartiere di Tor Pignattara, dove la galleria con i curatori Marta Gargiulo e Massimo Scrocca sta cercando di dar forma ad un vero e proprio percorso cittadino.
Inizio: 31/01/2015
Fine: 15/03/2015
Indirizzo: via di s. salvatore in campo, 51, roma
Spazio: Galleria Varsi
Area geografica: Roma
Email: info@galleriavarsi.it
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tipo: Gallerie d'arte
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Numerazione: 2
Titolo: SIGNATURES AND COLORS COLLECTION
Introduzione: Sabato 24 gennaio dalle ore 18,00 alle ore 24,00, nello Showroom di Cartarredo Design di Via dal Luzzo 6/C, verrà inaugurata la mostra "SIGNATURES AND COLORS COLLECTION" a cura di Laura Villani. L’evento rientra all’interno del circuito ART CITY WHITE NIGHT . Cartarredo Design da sempre sostiene e promuove le attività di giovani artisti sviluppando connessioni interessanti tra il mondo dell’interior design e quello dell’arte. Claudio Volta e Marta Franceschini, consulenti nella progettazione di interni, trasformano, per questa occasione, lo showroom in una vera e propria galleria d’arte, fondendo le loro preziose collezioni di tessuti e di oggetti di arredo con le opere a tiratura limitata della giovane azienda bolognese www.gamberiniitalia.it
Descrizione:
Inizio: 24/01/2015
Fine: 26/01/2015
Indirizzo: Via Dal Luzzo 6/c, Bologna
Spazio: Cartarredo Design Showroom
Area geografica: Nord
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tipo: Gallerie d'arte
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Numerazione: 2
Titolo: LOST & FOUND
Introduzione: LOST & FOUND ovvero come solleticare la vista e la mente con oggetti del quotidiano passato, una mostra di oggetti e della loro rappresentazione fotografica Inaugura a Bologna per la Notte bianca, sabato 24 gennaio alle ore 21, con un cocktail party aperto al pubblico, alla Galleria Freak Andò di Maurizio Marzadori (via delle Moline, 14/c) in occasione di Arte Fiera, un’insolita mostra, LOST & FOUND, arricchita da una sezione fotografica a cura del fotografo inglese Joseph Nemeth. Rimarrà aperta ad ingresso gratuito fino al 31 gennaio, dalle ore 9 alle ore 19.
Descrizione: Inaugura a Bologna per la Notte bianca, sabato 24 gennaio alle ore 21, con un cocktail party aperto al pubblico, alla Galleria Freak Andò di Maurizio Marzadori (via delle Moline, 14/c) in occasione di Arte Fiera, un’insolita mostra, LOST & FOUND, arricchita da una sezione fotografica a cura del fotografo inglese Joseph Nemeth. A seguire alle ore 22 un incontro conferenza dal titolo LOST versus FOUND a cura di Roberto Grandi, docente di Sociologia dei processi culturali e comunicativi all’Università di Bologna, di Sociologia dell'Informazione alla Scuola Superiore di Giornalismo e presidente dell'Associazione Collegio di Cina. Maurizio Marzadori e Antonio Mastrorocco presentano in questa occasione Persi e Ritrovati, una mostra, ma anche una vera e propria indagine sulla funzione estetica di oggetti del quotidiano passato, selezionati dall’archivio Freak Andò e realizzati nel laboratorio One Off. Antonio Mastrorocco ha sviluppato all’interno del laboratorio One Off, un approccio molto personale che utilizza il design come strumento di comunicazione che non si limita alla sola creazione del messaggio, ma genera nuovi canali per garantire che questo raggiunga il pubblico desiderato. Con LOST & FOUND si attribuisce agli oggetti in esposizione una funzione non solamente prettamente estetica, ma mutuati dalla sensibilità dell’ autore, nasce spontanea una relazione dialogante fra gli oggetti delle sue collezioni con gli spazi nei quali sono inseriti, e soprattutto con i sentimenti e la memoria di chi fruisce, anche con l’occhio interiore, delle immagini. Le sue realizzazioni sono quindi concepite per sollecitare e stimolare la percezione del visitatore e, al tempo stesso, per comunicare comunque il concept design di ciascun singolo oggetto in modo più efficace. L’estrema varietà delle soluzioni adottate per l’esecuzione degli artworks testimonia l’ecletticità e la capacità di governo delle tecniche artistiche di Antonio Mastrorocco. Il percorso della memoria che diventa a volte giocosa a volte velata di malinconie, viene poi documentato con un occhio poetico dal fotografo Joseph Nemeth, che crea una galleria di ritratti di oggetti esposti a una luce reale, non del ricordo, in una mostra nella mostra che accompagnano gli oggetti riscoperti e riproposti al visitatore. Joseph Nemeth, inglese di nascita, ma modenese d’adozione ormai da alcuni anni per cultura, ha iniziato la sua carriera di fotografo come osservatore della realtà, anche la realtà più difficile come quella delle grandi metropoli. Nei suoi scatti però ha sempre proposto angoli inediti che nella loro geometrica semplicità danno un momento di riposo dallo squallore dell’ambiente. Quel momento di incanto, di meraviglia e di riposo che si prova davanti ai suoi ritratti di alcuni celebri personaggi modenesi. In questa mostra, gli oggetti presentati vivono perché riscoperti dall’artista, e poi vivono nell’occhio del fotografo che li indaga con una diversa sensibilità e per concludere spetterà ai visitatori compiere l’ultima indagine, quella che metterà questi oggetti in comunione con i ricordi di tanta case passate. La mostra rimarrà aperta dal 24 al 31 gennaio dalle 9 alle 19, tutti i giorni con ingresso gratuito. Per maggiori informazioni telefonare al numero 051 271 404
Inizio: 24/01/2015
Fine: 31/01/2015
Indirizzo: Via delle Moline 14, Bologna
Spazio: Freak Andò showroom
Area geografica: Nord
Email: paola@paolaferrari.it
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Numerazione: 2
Titolo: Florian Underground a Venezia
Introduzione: Si chiama “Florian Underground a Venezia” la mostra che apre la nuova stagione artistica e culturale del Caffè Florian di Piazza San Marco. Fino al 22 febbraio il Caffè Florian di Venezia ospita nella Sala delle Stagioni l’installazione dal titolo “Non noti” dell’artista e writer fiorentino Freno Persciacalli. Il titolo del progetto curato da Stefano Stipitivich, “Florian Underground”, è riferito alla collocazione originaria dell’opera, precedentemente esposta nei sotterranei del Caffè Florian di Firenze in via del Parione, a testimonianza del fil rouge che lega il locale fiorentino a quello veneziano. s.
Descrizione: Si chiama “Florian Underground a Venezia” la mostra che apre la nuova stagione artistica e culturale del Caffè Florian di Piazza San Marco. Fino al 22 febbraio il Caffè Florian di Venezia ospita nella Sala delle Stagioni l’installazione dal titolo “Non noti” dell’artista e writer fiorentino Freno Persciacalli. Il titolo del progetto curato da Stefano Stipitivich, “Florian Underground”, è riferito alla collocazione originaria dell’opera, precedentemente esposta nei sotterranei del Caffè Florian di Firenze in via del Parione, a testimonianza del fil rouge che lega il locale fiorentino a quello veneziano. L’installazione consiste in una serie di piatti industriali per torte posizionati su una delle pareti della sala, all’interno dei quali l’artista disegna con l’inchiostro di china alcuni volti frammentati di personaggi immaginari, non riconoscibili e non conosciuti. Da qui il titolo dell’opera, derivante dall’usanza di un tempo di trascrivere sulle carte di identità i nomi dei genitori; nei documenti degli orfani veniva riportato invece il simbolo NN (non noti), espressione ripresa dall’artista per classificare i suoi personaggi. L’opera del Florian diventa quindi un omaggio a quel popolo silenzioso che anima i Caffè intesi come spazi di aggregazione, in una società dove il web sembra esser l’unica piazza virtuale in cui è possibile comunicare. Nella stessa sala saranno esposte anche delle tazze del Caffè Florian dipinte dall’artista stesso, sulle quali è raffigurato un personaggio in pose diverse e visto da differenti angolazioni. Contestualmente alla mostra l’artista disseminerà alcune opere tra le calli di Venezia, come ha fatto anche a Firenze e come spesso usa fare dopo le sue mostre: piccole installazioni che Freno Persciacalli chiama “Abbandoni” e che potranno rimanere in possesso di chi le troverà. In questo modo l’artista interagisce con un pubblico diversificato e non soltanto con i frequentatori del noto locale veneziano. E’ inoltre un modo, da parte dell’artista, per lanciare il suo personale messaggio a un mondo dell’Arte a suo giudizio sempre più legato al business.
Inizio: 22/01/2015
Fine: 22/02/2015
Indirizzo: Piazza San Marco, Venezia
Spazio: Caffè Florian
Area geografica: Nord
Email: info@caffeflorian.com
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Numerazione: 2
Titolo: ALFONSO BORGHI MATERIA RITMO MUSICA
Introduzione: “Pensare le forme come scrittura pittorica densa di materia e di colore, piena di ritmo, dialogando con la musica” Domenica 1 FEBBRAIO alle ore 18.00 Inaugurazione a cura dell'On. Giuseppe Amadei La mostra è patrocinata dal Comune di San Benedetto Po (MN)
Descrizione: MOSTRA PERSONALE del GRANDE MAESTRO ALFONSO BORGHI MATERIA RITMO MUSICA “Pensare le forme come scrittura pittorica densa di materia e di colore, piena di ritmo, dialogando con la musica” Domenica 1 FEBBRAIO alle ore 18.00 Inaugurazione a cura dell'On. Giuseppe Amadei La mostra è patrocinata dal Comune di San Benedetto Po (MN) Durata della Mostra: 1 Febbraio - 29 Marzo 2015 Alfonso Borghi nasce a Campegine di Reggio Emilia il 3 dicembre del '44. Espone per la prima volta a 18 anni grazie all'aiuto di un collezionista, con il quale più tardi si reca a Parigi, dove soggiorna per breve tempo studiando in particolare Picasso e il Cubismo. Tornato a casa incontra George Pielmann, allievo di Kokoschka, e scopre attraverso l'espressionismo le possibilità della materia e della gestualità. Autodidatta, dotato di grande sensibilità e rigore tecnico, Borghi, in quarant'anni ininterrotti di attività, è approdato ad una sintesi pittorica di indiscutibile fascino. Passando dal figurativo morandiano dei primi anni a un surrealismo lacerante degli anni Ottanta, quindi a un astrattismo di impronta futurista del decennio successivo, Borghi è arrivato oggi a una sintesi in cui un uso sontuoso e abilissimo della materia si associa ad un senso del colore di estrema e suprema sensibilità. La sua pittura sta conquistando i collezionisti e gli esperti di tutto il mondo. Dopo le mostre nelle più prestigiose gallerie italiane, Borghi si è imposto all'attenzione degli esperti un po' in tutt'Europa (Marsiglia, Berlino, Barcellona, Madrid, Lugano, Anversa e Parigi) e negli Stati Uniti New York e di Los Angeles. Lo scorso anno Borghi ha partecipato solamente a mostre istituzionali: Roma Chiostrio del Bramante, Genova Museo della Commenda, Firenze Palazzo Medici Riccardi, Perugia Rocca Paolina. Al primo sguardo è colore e materia. Ti lacera dentro, ti fa sentire vivo e devastato, in procinto di urlare ma incapace di parlare, svuotato del superfluo e riempito di una sostanza spesso solo apparentemente senza forma. Alfonso Borghi è fatto di pura emozione, di entusiasmo inarrestabile e di tragedia interiore. Rosso, blu, giallo: le tinte forti del Rinascimento. Oppure toni morbidi che si compenetrano nell’apparente rispetto di una dinamica tutta interna al quadro, ma che inesorabili sempre imprigionano. Sì, perché già un secondo sguardo riesce a cogliere, o piuttosto a sentire nelle viscere, l’uomo/donna – Santi o cardinali? Forse solo essenza umana – che lotta, spinge o che si veste del proprio ruolo per uscire, per liberarsi dal colore e abbandonare la tela stessa. E questa tensione rende viva l’opera di Borghi, così viva sempre e comunque da risultare a volte insopportabile. Ma solo per chi teme un’intensa suggestione, oppure per chi ha orecchio esclusivamente per la narrazione e non si raccapezza in una realtà mai descritta ma evocata con raro rigore. Oggi Vittorio Sgarbi chiama Alfonso Borghi Neo-Informale. “Sono dieci anni, ormai, che Borghi – scrive Sgarbi, curatore della mostra dell’artista che ha avuto come cornice lo splendido Palazzo Ducale di Sabbioneta – ha trovato nell’Informale il porto sicuro in cui far approdare il meglio del suo talento artistico. Un Informale che sicuramente si potrebbe far precedere dal Neo, sia per l’onestà e il coraggio con i quali viene proposto, incurante di mode artistiche che oggi gli sono certamente poco favorevoli, sia per l’insolita schiettezza con cui, a dieci anni dalle sue prime apparizioni, è ancora in grado di rivelarsi” Via Virgilio 7, San Benedetto Po (Mantova) Tutti i giorni: 10-12 / 15.30-19.00 zaninicontemporary@gmail.com / 360.952089 – 335.6716531 www.zaniniarte.com Facebook: Art Gallery Zanini Arte
Inizio: 01/02/2015
Fine: 29/03/2015
Indirizzo: Via Virgilio 7, San Benedetto Po (Mantova)
Spazio:
Area geografica: Nord
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tipo: Gallerie d'arte
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Numerazione: 2
Titolo: C’era una volta...e poi: le fiabe pittoriche di Massimo Fontanini
Introduzione: Fino al 19 aprile all’interno dell’Alp&Wellness Sport Hotel Panorama i quadri dell’artista lombardo C’era una volta...e poi: le fiabe pittoriche di Massimo Fontanini esposte a Fai della Paganella L’art hotel in provincia di Trento inaugura il 2015 con tre mesi di esposizione aperta al pubblico Fai della Paganella, gennaio 2015 – C’era una volta...e poi. Le fiabe viste con gli occhi di un artista. Questo il titolo dell’esposizione del pittore milanese Massimo Fontanini che, fino al 19 aprile 2015 sarà ospitata in uno dei più famosi art hotel trentini: l’Alp&Wellness Sport Hotel Panorama di Fai della Paganella.
Descrizione: Fino al 19 aprile all’interno dell’Alp&Wellness Sport Hotel Panorama i quadri dell’artista lombardo C’era una volta...e poi: le fiabe pittoriche di Massimo Fontanini esposte a Fai della Paganella L’art hotel in provincia di Trento inaugura il 2015 con tre mesi di esposizione aperta al pubblico Fai della Paganella, gennaio 2015 – C’era una volta...e poi. Le fiabe viste con gli occhi di un artista. Questo il titolo dell’esposizione del pittore milanese Massimo Fontanini che, fino al 19 aprile 2015 sarà ospitata in uno dei più famosi art hotel trentini: l’Alp&Wellness Sport Hotel Panorama di Fai della Paganella. Le tele di Massimo Fontanini, artista giovane ma dal lungo curriculum, formatosi alla scuola del Maestro Vittorio Emanuele e i cui lavori sono già stati esposti in importanti gallerie, costituiscono un ciclo dedicato ai protagonisti di alcune delle più famose favole per bambini visti, però, nella loro età matura e con i segni che la vita ha lasciato su loro e sulle loro storie. Ecco quindi che, fra le opere esposte a Fai, si potrà ammirare la grande tela (160x140 cm) dedicata a Cappuccetto Rosso che, ritratta di spalle in un vestito ancora di colore vermiglio, guarda con nostalgia al bosco dove si è svolta la sua vicenda; o quella di dimensioni più piccole (50x70 cm) dedicata ad Hansel e Gretel che, finalmente grandi, si ricongiungono al padre in uno stretto abbraccio al contempo liberatorio e pacificatore. Altri protagonisti rappresentati nel ciclo, in parte ospitato nella mostra visitabile gratuitamente all’Alp&Wellness Sport Hotel Panorama, sono Peter Pan, Alice nel Paese delle meraviglie, Cenerentola, La Sirenetta, La bella addormentata nel bosco. La mostra, gratuita ed aperta al pubblico, include anche una piccola selezione di altri lavori di Fontanini e si svolge nella cornice di una delle strutture più affascinanti del Trentino Alto Adige, già conosciuta dagli amanti dell’arte per le esposizioni e le installazioni ospitate periodicamente, oltre che per la presenza di lavori di artisti famosi come Marco Lodola o Bruno Lucchi. Con la mostra C’era una volta...e poi. Le fiabe viste con gli occhi di un artista l’Alp&Wellness Sport Hotel Panorama ha inaugurato ufficialmente anche la stagione espositiva 2015 offrendo non solo ai suoi ospiti, ma anche a tutti i cittadini di Fai e ai turisti in visita sulle dolomiti trentine, la possibilità di ammirare le opere di uno dei pittori più promettenti dell’attuale panorama italiano.
Inizio:
Fine:
Indirizzo: Alp&Wellness Sport Hotel Panorama,Trento
Spazio:
Area geografica: Nord
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tipo: Gallerie d'arte
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Numerazione: 2
Titolo: Frido, una mostra personale di Rojo Sache
Introduzione: AND Gallery, con il patrocinio della Real Academia de España en Roma e dell'Istituto Cervantes, inaugura venerdì 6 febbraio ore 18.30 la prima mostra fotografica personale di Rojo Sache con la presenza dei due artisti durante la serata inaugurale.
Descrizione: Nell’aprire le porte alla sua prima mostra oltre confine, la AND Gallery ha scelto di espandersi accogliendo il duo spagnolo Rojo Sache con il progetto fotografico “FRIDO”, una selezione di dieci opere che sembrano restituire dimensione e significato materiale alla memoria. Rojo Sache identifica la coppia di artisti Rosa Isabel Vazquez (Madrid, 1971) e Jose Antonio Fernandez (Murcia, 1976), formatisi entrambi presso la Escuela de Fotografía y Centro de Imagen di Madrid (EFTI) con il Corso Professionale in Fotografia e in seguito, rispettivamente, il Master Internazionale di Fotografia e il Corso di Esperto in Illuminazione Professionale. Conosciuti all’estero grazie ad alcuni importanti riconoscimenti quali il Primo premio agli IPA’s (Intenational Photography Competition - USA) e il Primo premio nella categoria “Nature and flowers” in occasione del Worldwide Photography Gala Awards (UK), in Italia, dopo la partecipazione a diverse competizioni artistiche, Rojo Sache ha conquistato il Terzo Premio nel XVIII Concorso Nazionale d’Arte Contemporanea SaturArte (2013) e il Premio della Critica durante la Biennale GenovArte (2013), esponendo per la sezione Fotografia Artistica “Frido II”, un’opera del loro ultimo progetto che sarà in mostra presso la AND Gallery a partire dal 6 febbraio nella loro prima personale italiana. La AND Gallery abbraccia il progetto “FRIDO” per la sua straordinaria capacità nel ritrarre la “fotografia dell’oblio” e riconsegnare delle immagini eteree e impalpabili come il ricordo che scompare nel passaggio labile dalla memoria al silenzio della dimenticanza. Tutte le opere del progetto “FRIDO” rappresentano scene reali e sono state scattate in maniera tradizionale, senza subire alcuna manipolazione digitale né l’utilizzo di programmi di post-produzione. Con il Patrocinio della Real Academia de España en Roma e dell'Istituto Cervantes, la prima mostra fotografica personale di Rojo Sache inaugurerà presso la AND Gallery di Via Lorenzo Il Magnifico il prossimo 6 febbraio 2015 e sarà fruibile al pubblico fino al 21 febbraio. Vernissage: venerdì 6 febbraio ore 18,30 Con la presenza dei due artisti Rosa Isabel Vazquez e Jose Antonio Fernandez Per informazioni e accrediti: Ufficio Stampa hello@andarte.it www.andarte.it Orari: Lun 17:00 – 20:00 Mar - Sab 10:00 - 13:00 17:00 - 20:00 aperture straordinarie su appuntamento
Inizio: 06/02/2015
Fine: 21/02/2015
Indirizzo: Via Lorenzo Il Magnifico 97, Roma
Spazio: AND Gallery
Area geografica: Roma
Email: hello@andarte.it
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Numerazione: 2
Titolo: MODEL SHARING con Carolina Rosini
Introduzione: NotEventi Noleggio Abiti D'epoca e Photoevento Emozioni Fotografiche presentano: Model Sharing con Carolina Rosini, dal 30 Gennaio al 1 Febbraio 2015 presso salaposabari.it.
Descrizione: NotEventi Noleggio Abiti D'epoca e Photoevento Emozioni Fotografiche presentano: MODEL SHARING con Carolina Rosini, dal 30 Gennaio al 1 Febbraio 2015 presso salaposabari.it ------------------------------------------------------------------------------- GENERI FOTOGRAFICI: Fashion e Glamour (al massimo intimo, senza nudo, senza trasparenze) FOTOGRAFO che scatta da solo 80,00€/ora – 50,00€/ora se prenota x3 ore Massimo tempo prenotabile per foto singolo fotografo ore 3 MODEL SHARING (gruppo di max. 5 fotografi) genere glamour no nudo 50,00€/h a fotografo. Per 2 ore o piu’ 40,00€/h Compreso: Abiti NotEventi – Luci sia flash che continua – Fondali - assistenza per visionare l'attrezzatura: http://www.salaposabari.it/attrezzatura.html
Inizio: 30/01/2015
Fine: 01/02/2015
Indirizzo: Via Mariano Santo 19 Bari
Spazio: NotEventi
Area geografica: Sud
Email: direzione@noteventi.it
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tipo: Gallerie d'arte
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Numerazione: 2
Titolo: Apre a Milano il Centro Leonardo Da Vinci
Introduzione: Milano, 26 gennaio 2015 Il CENTRO LEONARDO DA VINCI aprirà giovedì 5 febbraio 2015 dalle 17.30 alle 20 - con festeggiamenti che si protrarranno, negli stessi orari, fino al 7 febbraio – in via Ambrogio Binda 56, nei pressi dei Navigli e non distante da Via Tortona. Saranno presenti alle tre serate importanti ospiti e rappresentanti dell'arte e della cultura, tra cui i critici Giorgio Grasso e Giammarco Puntelli, Francesco Tadini della Casa Museo Spazio Tadini, il fotografo di Alda Merini Giuliano Grittini, Federico Caloi presentatore tv e curatore d'arte, la giornalista Cristina Merlino. Il Centro Leonardo da Vinci è un nuovo punto di riferimento a Milano per l'Arte, la Cultura e la Scienza, secondo i principi del Nuovo Rinascimento ideato dall'artista Davide Foschi. Un luogo dove confrontarsi e rimettere in collegamento, sulle orme del genio di Leonardo, le tante discipline e specializzazioni in cui è oggi scisso il sapere umano, dal campo umanistico a quello scientifico. Un luogo dove è possibile confrontarsi per esempio davanti ad una nota opera d'arte, ascoltare intanto dei musicisti e partecipare poco dopo ad un seminario di astronomia, alla presentazione di un libro o partecipare ad un corso di formazione, senza dimenticare il semplice e sereno incontro e dialogo tra i frequentatori e gli importanti ospiti del Centro, cosa ormai rara nella virtualità tecnologica attuale.  All'interno del Centro Leonardo da Vinci troverete tra l'altro due sale espositive: la Sala della Gioconda e la Sala del Cenacolo, predisposta quest'ultima anche per corsi e seminari, proiezioni, musica e recitazione. All'interno del Centro vi è anche la "Foschi Factory" presso cui ogni artista o appassionato ha modo di incontrare o lavorare direttamente con il maestro; e poi l'atelier di Joe Russo, artisti come Michele Cea e Fulvio Vanacore; il salotto letterario dello scrittore ed editore Michele Miano con il poeta Pasquale Addisi e la Metaformazione e Metacoaching di Rosella Maspero.  Il Centro Leonardo da Vinci è anche la sede nazionale del Movimento artistico e culturale del Metateismo che qui, periodicamente, tiene i propri incontri nel nome del Manifesto Evoluzionario sottoscritto da migliaia di persone, enti e istituzioni in tutto il mondo.  Il Centro Leonardo da Vinci: un luogo dove vivere appieno il sacro fuoco dell'Arte, della Cultura e della Scienza, dal cuore di Milano a tutto il mondo. In occasione dell'inaugurazione, importanti ristoratori italiani presenteranno le ricette ispirate al Manifesto della Cucina Metateista – che ci sarà modo di approfondire durante EXPO2015 – e si potranno gustare particolari buffet basati sulla genuinità della carne del Ristorante Antica Macelleria Turba, sulla raffinatezza delle pietanze di Ostriche e Vino e de I Malavoglia, sulla bontà naturale del cibo vegano di Cibò e – in anteprima – le speciali proposte del bartender Daniele Losquadro. Fino al 23 febbraio saranno in esposizione le opere pittoriche e il design metateista, saranno consultabili i libri e verranno presentate tutte le attività che si troveranno protagoniste del Catalogo Giorgio Mondadori di prossima pubblicazione. Due iniziative alle quali prestare attenzione saranno gli importanti premi internazionali di arte e letteratura, di cui sarà disponibile a breve il regolamento, i cui vincitori saranno annunciati a giugno nel prestigioso Museo d’Arte e Scienza di fronte al Castello Sforzesco e all’EXPOGate. Davide Foschi, fondatore del Metateismo, il cui Manifesto ha richiamato sottoscrittori da tutto il mondo, guarda al passato e punta al futuro, per arricchire il suo cammino artistico, affiancato da preziosi compagni di viaggio, artisti che contribuiranno a realizzare il grande progetto di crescita insieme verso un Nuovo Rinascimento. Dopo le esposizioni nelle più importanti città d'arte italiane, la permanente al Castello di Murat in Calabria e il grande evento de La Pietà – Opera del Mistero, presentata con l’Assessorato alla Cultura del Comune di Trento, l'apertura del Centro Leonardo da Vinci rappresenta una nuova realtà artistica e culturale di valenza internazionale, un centro che sarà punto di riferimento per gli appassionati del Bello e dell'Arte. In attesa di conoscere i dettagli del coinvolgimento di Davide Foschi in EXPO2015, l'appuntamento è fissato per giovedì 5 febbraio dalle ore 17.30 alle 20 e i successivi giorni 6 e 7 febbraio negli stessi orari, in via Ambrogio Binda 56 a Milano. Ringraziamo quanti di voi vorranno dare spazio alla notizia. Per organizzare interviste Ufficio Stampa Freelance Centro Leonardo da Vinci Violetta Serreli – E20WebTv Tel. 3405250155 e20webtv@gmail.com
Descrizione:
Inizio: 05/02/2015
Fine: 08/02/2015
Indirizzo: via Ambrogio binda, n 56, Milano
Spazio: Centro Leonardo da Vinci
Area geografica: Milano
Email: e20webtv@gmail.com
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Numerazione: 2
Titolo: La scoperta di Ebla e il dramma del patrimonio artistico in Siria
Introduzione: La Fondazione Ragghianti di Lucca ospiterà venerdì 6 febbraio alle ore 17 Paolo Matthiae, membro dell’ Accademia Nazionale dei Lincei, professore di Archeologia e Storia dell’Arte del Vicino Oriente Antico alla Sapienza di Roma e direttore della Missione Archeologica Italiana in Siria.
Descrizione: Matthiae, che è l’ unico archeologo al mondo ad aver scoperto, nella seconda metà del Novecento, una nuova città ed una civiltà antica, terrà una conferenza dal titolo “La scoperta di Ebla e il dramma del patrimonio artistico in Siria”. Gli scavi dell'Università "La Sapienza" di Roma, intrapresi nel 1964 da Paolo Matthiae e tuttora in corso a Ebla in Siria, hanno portato alla luce una delle massime scoperte archeologiche del Novecento meravigliando il mondo scientifico internazionale e impressionando fortemente l’opinione pubblica mondiale. Fiorita tra il 2500 e il 1600 a.C., Ebla, tre volte distrutta, con i suoi straordinari Archivi Reali del 2400-2300 a.C., i numerosi monumenti secolari e religiosi e le notevolissime opere artistiche tra il 2000 e il 1600 a.C. è la più significativa testimonianza archeologica della seconda urbanizzazione dell'Oriente antico e del grande significato che questa rivoluzionaria fase storica ebbe per il trionfo del modello della città nella storia dell'umanità. Il patrimonio archeologico della Siria, crocevia tra Oriente e Occidente, è da circa trenta anni, a causa dei conflitti che impegnano queste zone, particolarmente a rischio tra bombardamenti, furti, saccheggi, scavi illegali; le aree archeologiche i musei le moschee, le chiese e i monasteri sono costantemente nel mirino di militari, predoni e tombaroli poiché nelle situazioni di conflitto vengono meno le condizioni per garantire la conservazione e la tutela dei patrimoni archeologici e storico artistici. Matthiae ha da sempre sottolineato nel corso dei suoi interventi e nelle sue numerose pubblicazioni l’importanza del valore universale di qualunque opera e della loro salvaguardia a prescindere dalla collocazione affermando che «Popolazione, beni culturali e paesaggio sono elementi della stessa catena e vanno salvati assieme. Proteggere le persone, ma abbandonare i monumenti distruggerebbe l’identità culturale di quel popolo e la stessa ripresa economica postbellica». Gli incontri organizzati dalla Fondazione Ragghianti con il sostegno della Fondazione Cassa di Risparmio di Lucca sono ad ingresso libero e si tengono presso la sala conferenze del Complesso Monumentale di San Micheletto, in via san Micheletto, 3 a Lucca
Inizio: 06/02/2015
Fine: 06/02/2015
Indirizzo: via san micheletto 3 - 55100 Lucca
Spazio: Fondazione Centro Studi sull’Arte Licia e Carlo Ludovico Ragghianti
Area geografica: Centro
Email: info@fondazioneragghianti.it
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Numerazione: 2
Titolo: Aleksander Velišček
 gullivers
Introduzione: La galleria AplusA inaugura il nuovo anno con gullivers, la personale di Aleksander Velišček, in mostra dal 21 febbraio al 26 aprile 2015. A cura di Aurora Fonda. L’esposizione presenta una selezione dei lavori più recenti del giovane artista sloveno, ovvero sette quadri che raffigurano, in maniera non convenzionale, diverse personalità tra cui intellettuali, scrittori, giornalisti e politici come per esempio la giornalista Anna Stepanovna Politkovskaja, Edward Snowden e Bradley Manning.
Dai marcati tratti di ognuno di questi volti emergono violentemente i segni di una lotta politica, la difesa di una causa, di un’intera vita dedicata a inseguire un ideale.
Come il Gulliver di Swift, la figura umana, dipinta dall’artista sloveno, appare intrappolata, non da corde, ma da strutture organiche e da giunture metalliche simili a supporti ortopedici.
Il titolo polisemico della personale di Velišček non rievoca soltanto il noto protagonista del romanzo di Jonathan Swift, la parola gulliver viene infatti utilizzata con il significato di “testa” anche dai personaggi del romanzo A Clockwork Orange, dello scrittore Anthony Burgess.
gulliver è un lemma della terminologia “Nasdat” inventata dallo scrittore per il romanzo del 1962, e poi riproposto nel celebre adattamento cinematografico di Stanley Kubrik.
Il linguaggio “Nasdat” deriva dalla fusione di termini della lingua inglese e russa, i due idiomi che rappresentano le principali forze politiche di quell’epoca: così, la violenza gratuita che pervade il romanzo e il film è contestualizzata da un lessico capace di rilevarne le cause politiche-sociali, proprio come succede nella ricerca e nella pittura di Velišček. Aleksander Velišček, nato a Šempeter pri Gorici nel 1982 è attivo tra Venezia e Gorizia. L’artista appartiene alla generazione che ha vissuto in prima persona le trasformazioni sociologiche, economiche e ideologiche della Jugoslavia e di una giovane Slovenia. Al centro della sua arte si colloca la figura umana, il ritratto e la fisicità del corpo, il suo gesto e le sue proporzioni, una ricerca che si manifesta sin dai tempi dell’Accademia di belle Arti di Venezia e dell’atelier alla fondazione Bevilacqua la Masa.
È un pittore dalle tematiche forti, con modalità che ricordano un espressionismo materico che carica di reale fisicità i visi e i corpi dei suoi personaggi. Attraverso un processo di stratificazione del colore, la superficie pittorica si trasforma in scultura, tra lo sfondo nero e il vetro della spessa cornice. Tra i gullivers ritratti dall’artista anche Joseph Beuys e Papa Giovanni Paolo II, i filosofi Noam Chomsky e Dario Fusaro.
Nel novembre del 2014 l’artista ha partecipato alla mostra Shit and Die curata da Maurizio Cattelan, Myriam Ben Salah e Marta Papini, presso Palazzo Cavour a Torino, in cui è invitato – insieme a Thomas Braida, Valerio Nicolai ed Emiliano Troco – a ritrarre ironicamente alcune celebrità cittadine come Umberto Tozzi e Marco Travaglio.
Descrizione: La galleria AplusA inaugura il nuovo anno con gullivers, la personale di Aleksander Velišček, in mostra dal 21 febbraio al 26 aprile 2015. A cura di Aurora Fonda. L’esposizione presenta una selezione dei lavori più recenti del giovane artista sloveno, ovvero sette quadri che raffigurano, in maniera non convenzionale, diverse personalità tra cui intellettuali, scrittori, giornalisti e politici come per esempio la giornalista Anna Stepanovna Politkovskaja, Edward Snowden e Bradley Manning.
Dai marcati tratti di ognuno di questi volti emergono violentemente i segni di una lotta politica, la difesa di una causa, di un’intera vita dedicata a inseguire un ideale.
Come il Gulliver di Swift, la figura umana, dipinta dall’artista sloveno, appare intrappolata, non da corde, ma da strutture organiche e da giunture metalliche simili a supporti ortopedici.
Il titolo polisemico della personale di Velišček non rievoca soltanto il noto protagonista del romanzo di Jonathan Swift, la parola gulliver viene infatti utilizzata con il significato di “testa” anche dai personaggi del romanzo A Clockwork Orange, dello scrittore Anthony Burgess.
gulliver è un lemma della terminologia “Nasdat” inventata dallo scrittore per il romanzo del 1962, e poi riproposto nel celebre adattamento cinematografico di Stanley Kubrik.
Il linguaggio “Nasdat” deriva dalla fusione di termini della lingua inglese e russa, i due idiomi che rappresentano le principali forze politiche di quell’epoca: così, la violenza gratuita che pervade il romanzo e il film è contestualizzata da un lessico capace di rilevarne le cause politiche-sociali, proprio come succede nella ricerca e nella pittura di Velišček. Aleksander Velišček, nato a Šempeter pri Gorici nel 1982 è attivo tra Venezia e Gorizia. L’artista appartiene alla generazione che ha vissuto in prima persona le trasformazioni sociologiche, economiche e ideologiche della Jugoslavia e di una giovane Slovenia. Al centro della sua arte si colloca la figura umana, il ritratto e la fisicità del corpo, il suo gesto e le sue proporzioni, una ricerca che si manifesta sin dai tempi dell’Accademia di belle Arti di Venezia e dell’atelier alla fondazione Bevilacqua la Masa.
È un pittore dalle tematiche forti, con modalità che ricordano un espressionismo materico che carica di reale fisicità i visi e i corpi dei suoi personaggi. Attraverso un processo di stratificazione del colore, la superficie pittorica si trasforma in scultura, tra lo sfondo nero e il vetro della spessa cornice. Tra i gullivers ritratti dall’artista anche Joseph Beuys e Papa Giovanni Paolo II, i filosofi Noam Chomsky e Dario Fusaro.
Nel novembre del 2014 l’artista ha partecipato alla mostra Shit and Die curata da Maurizio Cattelan, Myriam Ben Salah e Marta Papini, presso Palazzo Cavour a Torino, in cui è invitato – insieme a Thomas Braida, Valerio Nicolai ed Emiliano Troco – a ritrarre ironicamente alcune celebrità cittadine come Umberto Tozzi e Marco Travaglio.
Inizio: 21/02/2015
Fine: 26/04/2015
Indirizzo: Calle Malipiero, San Marco 3073, VENEZIA
Spazio: Galleria AplusA
Area geografica: Nord
Email: aplusagallery@gmail.com
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Numerazione: 2
Titolo: ANTONIO MAZZOTTI
Introduzione: Inaugura sabato 14 febbraio alle ore 16 nella Sala d’Ercole di Palazzo d’Accursio la mostra ANTONIO MAZZOTTI, a cura di Renato Barilli e organizzata in occasione del centenario della nascita dell’artista bolognese, scomparso prematuramente nel 1985.
Descrizione: ANTONIO MAZZOTTI Mostra retrospettiva nel centenario della nascita a cura di Renato Barilli 14 febbraio - 12 marzo 2015 vernice sabato 14 febbraio ore 16 Sala d’Ercole, Palazzo d’Accursio Piazza Maggiore 6, Bologna Inaugura sabato 14 febbraio alle ore 16 nella Sala d’Ercole di Palazzo d’Accursio la mostra ANTONIO MAZZOTTI, a cura di Renato Barilli e organizzata in occasione del centenario della nascita dell’artista bolognese, scomparso prematuramente nel 1985. Antonio Mazzotti, il quale negli anni della ricostruzione post-bellica aveva messo il proprio rigore nel disegno geometrico a disposizione di alcuni importanti architetti bolognesi, primo fra tutti Alberto Legnani (stringendo rapporti di amicizia anche con Luigi Vignali e Enzo Zacchiroli, suo mentore e collezionista), si avvicina successivamente alla pittura, prima post-impressionista, poi post-cubista, cominciando a creare quel suo “mondo immaginario” di labirinti fantastici, percorsi incantati a metà tra l’optical e l’astratto-architettonico, in cui perdersi. Nasce qui l’idea di concepire un mondo diversamente strutturato, forse per un bisogno congenito dell’artista di scavarsi tunnel, vie di fuga, uscite di sicurezza, in una serie di innumerevoli varianti di linee e costellazioni. Forme immobilizzate sulla tela, associate ad un cangiantismo cromatico, ad un succedersi ritmico di perfette campiture di colori brillanti ora caldi e solari, ora freddi e notturni. Quello di Mazzotti è un astrattismo geometrico sereno e meditato, libero e allo stesso tempo calibratissimo, debitore alla figura di Mondrian, non tanto per la scansione degli spazi troppo rarefatta di quest’ultimo ma piuttosto per la produzione più tarda dell’artista olandese, maggiormente libera e sciolta. Accanto alle linee artificiali e alle figure inorganiche, ossessivamente costruite, agglomerate, incastrate le une nelle altre, è pure largamente presente la componente iconica: corpi di donne, o di altri oggetti preziosi, da collezione, forse residui passivi di cui Antonio Mazzotti non sapeva, o non voleva, disfarsi. Intenso è l’interesse di Mazzotti anche per i sistemi di scrittura: segni, simboli, monogrammi, intrecci semantici, che ricordano quella che sarà la produzione dei graffitisti newyorkesi, i cosiddetti Writers. Alla produzione di opere pittoriche Mazzotti affianca una vivace attività grafica. I suoi dipinti a olio, infatti, sono spesso il risultato finale di idee che trovano il loro sviluppo iniziale in lavori di formato più ridotto ma del tutto autonomi. Il legame fortissimo con Bologna, da cui raramente si allontanava, e la sua indole riservata hanno portato l’artista a tenersi volutamente lontano dai riflettori della scena artistica sua contemporanea, senza però mai interrompere i rapporti intensi e costanti con i molti amici artisti e intellettuali come Giuseppe Raimondi, Marcello Venturoli, Renzo Biasion, Giovanni Ciangottini. In occasione della mostra sarà pubblicato il catalogo ANTONIO MAZZOTTI (Editrice Zona, Arezzo, 2015). Breve nota biografica Dopo una lunga carriera di insegnante di disegno ed educazione artistica, con incarichi a Venezia e Bologna dal 1934 al 1972, Antonio Mazzotti inaugura la sua prima mostra personale nel novembre 1972 presso la Galleria Forni di Bologna, con la presentazione di Francesco Arcangeli. Dal 1973 espone in mostre personali e collettive in varie città italiane ed europee. Nel settembre 1979 viene organizzata presso il Palazzo dei Diamanti a Ferrara la prima retrospettiva in uno spazio istituzionale, intitolata “Dalla figura alle forme inventate”, dove sono raccolte 31 opere dipinte da Mazzotti fra il 1963 e il 1979. Il testo critico è firmato da Franco Solmi, dal 1972 al 1987 direttore della Galleria d’Arte Moderna di Bologna. Fra l’aprile e il maggio 1983 la Galleria d’Arte Moderna di Bologna ospita la prima grande mostra antologica: la più importante per dimensioni e per ampiezza del progetto espositivo, a cura di Marilena Pasquali, autrice anche della presentazione. Gli ampi spazi della G.A.M. accolgono circa 80 dipinti e circa 20 disegni dell’autore. Dopo la sua scomparsa vengono organizzate mostre personali e collettive a Bologna e provincia, Udine, L’Aquila. ANTONIO MAZZOTTI Mostra retrospettiva nel centenario della nascita a cura di Renato Barilli 14 febbraio - 12 marzo 2015 vernice 14 febbraio ore 16 Sala d’Ercole, Palazzo d’Accursio Piazza Maggiore 6, Bologna Ingresso libero Aperta tutti i giorni dalle 10 alle 18,30 Con il patrocinio del Comune di Bologna e di Alma Mater Studiorum Università di Bologna Ufficio stampa Irene Guzman antoniomazzotti.press@gmail.com tel. + 39 349 1250956 Info: www.antoniomazzotti.it
Inizio: 14/02/2015
Fine: 12/03/2015
Indirizzo: Piazza Maggiore 6, Bologna
Spazio:
Area geografica: Nord
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tipo: Gallerie d'arte
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Numerazione: 2
Titolo: Movievalley Bazzacinema
Introduzione: Quarta edizione del festival di cortometraggi: quest'anno in gara fiction e web series, a tema libero. Il bando scade il 16 febbraio. Info e modalità d'iscrizione sul sito http://bazzanocinefestival.xoom.it/
Descrizione: La quarta edizione di Movievalley è dedicata a Federico Fellini, con un riicco calendario di eventi per ricordarlo dal 5 marzo. Domenica 15 marzo proiezione dei cortometraggi finalisti e premiazione al CineMax di Bazzano. In gara fiction e web series, a tema libero.
Inizio: 05/03/2015
Fine: 15/03/2015
Indirizzo: Valsamoggia
Spazio:
Area geografica: Nord
Email: segreteria.mvb@gmail.com
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tipo: Gallerie d'arte
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Numerazione: 2
Titolo: Ied Arti Visive a Body Worlds
Introduzione: La pittura, la fotografia e la scienza si fondono così in un unico equilibrio creativo.
Descrizione: A meno di due settimane dalla data di chiusura, prevista per il 15 febbraio, non smette di diminuire il numero di visitatori che quotidianamente affolla le sale del SET di via Tirso 14 per ammirare dal vivo e nel dettaglio la perfetta macchina del corpo umano. Apprezzata da milioni di persone, tra esperti, attenti osservatori e curiosi, tra cui personaggi noti del mondo della cultura e dello spettacolo, la mostra BODY WORLDS non smette di attrarre visitatori da ogni parte d’Italia e prevede ancora diversi interessanti appuntamenti a latere. Da venerdì 6 febbraio la mostra originale sul corpo umano propone ai suoi visitatori un nuovo evento artistico che va ad arricchire di significato il tema portante dell’esibizione incentrata quest’anno su IL CICLO DELLA VITA. I protagonisti indiscussi questa volta sono due: la fotografia e i polmoni. Gli studenti del dipartimento dello IED Arti Visive, in collaborazione con il progetto Transcorpus a cura di Olga Bachschmidt, hanno tradotto in immagine la propria interpretazione dell’evoluzione e del mutamento del corpo umano soggetto alla caducità del tempo e agli agenti esterni. Il trittico prescelto per essere ammirato, perfettamente in linea con l’allestimento, è “The Smoker” realizzato dalla studentessa Valeria Trasatti che trae la sua ispirazione da una nota cromatica: il turchese. Il concept focalizza l’attenzione sulla sezione dedicata al fumo all’interno della mostra BODY WORLDS: gli effetti che esso provoca sugli organi interni e, in particolare, sui polmoni. Avvalendosi della collaborazione di Manuel Fazzini, studente del secondo anno di Illustrazione, ha creato un’armonia tra il colore diafano della modella Verdiana Meneghini, diplomata IED Moda, e la matericità dell’acrilico turchese, fissandoli in tre scatti che riproducono il gesto e ne evidenziano i risultati. La pittura, la fotografia e la scienza si fondono così in un unico equilibrio creativo. Saranno inoltre proiettati sul monitor del SET, nell’area dedicata, i lavori di libera interpretazione fotografica sulla vulnerabilità del corpo umano, realizzati dagli studenti del secondo e terzo anno di Fotografia. Per ulteriori dettagli consultare il sito www.bodyworldsinthecity.it
Inizio: 06/02/2015
Fine: 15/02/2015
Indirizzo: Via Tirso 14 Roma
Spazio: SET
Area geografica: Roma
Email: danielaperozzi@email.it
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Numerazione: 2
Titolo: Interno 14: “GRADUS” di Arianna Bonamore
Introduzione: Il giorno 12 Febbraio 2015 alle 18.30 Interno 14_lo spazio dell’AIAC – Associazione Italiana di Architettura e Critica presenta “GRADUS” di Arianna Bonamore a cura di Paolo Aita.
Descrizione: Il giorno 12 Febbraio 2015 alle 18.30 Interno 14_lo spazio dell’AIAC – Associazione Italiana di Architettura e Critica presenta “GRADUS” di Arianna Bonamore a cura di Paolo Aita. “… Arianna Bonamore ha (ri)scoperto che l’opera ha la stessa forma dell’artista, ma non nel vecchio senso secondo cui l’opera racconta il vissuto, ma nel senso della demoltiplicazione: l’opera deve contenere tanti livelli e prospettive quanti ne contiene l’artista. … Se nell’installazione al MAAM Arianna Bonamore ha lavorato sulla ripetizione e sulla serialità, quindi il progetto sembrava orientare la creatività, con l’opera di Interno 14 la sfida è rilanciata, così ciò che è organizzato, la matrice ripetuta, diventa la griglia con cui catturare anche l’esistenziale... Ogni elemento del quadro e della sua formazione sono inseriti in un gradus, in una procedura elettiva, in cui sia il formale che il simbolico, come l’immaginario e la composizione, sono sfruttati e incontrano la loro classificazione. Progetto e inventio viaggiano finalmente insieme, così nell’opera di Interno 14 la griglia coincide col simbolo. … Tutto può essere innesco per l’arte, tutto può essere distrutto dal linguaggio. L’opera di Arianna Bonamore ci suggerisce che ogni lavoro di proiezione contiene un’essenza amorosa, un reciproco dedursi, che se mancasse vanificherebbe l’opera dal suo interno. Sta a noi meritare la visione, farla accadere, renderla ispirazione, viatico, e remunerarla con l’opera.” (Paolo Aita) La mostra è visitabile dal 13 al 20 Febbraio su appuntamento: t. 338.2992228 L'iniziativa non si prefigge finalità commerciali di alcun genere, ma fa parte delle attività culturali dell'associazione. L'evento sarà strettamente su invito e prenotazione: mandare una mail a uffstampaaiac@presstletter.com Interno 14 è a Roma in via Carlo Alberto 63. Associazione Italiana di Architettura e Critica www.architetturaecritica.it UFFICIO STAMPA AIAC Roberta Melasecca uffstampaaiac@presstletter.com tel. 349 4945612 per info eventi: www.presstletter.com
Inizio: 12/02/2015
Fine: 20/02/2015
Indirizzo: Via Carlo Alberto 63, Roma
Spazio: Interno 14
Area geografica: Roma
Email: roberta.melasecca@gmail.com
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tipo: Gallerie d'arte
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Numerazione: 2
Titolo: L’identità ritrovata: dai Surrealisti alla Street Art
Introduzione: Un percorso alla scoperta della relazione tra l’uomo e l’ambiente contemporaneo partendo dalle opere di Haiek e Pizzorno fino alla collettiva di Street Artist e i collage dell’artista colombiano Coronado con la Pubblicittà.
Descrizione: L’identità ritrovata: dai Surrealisti alla Street Art Un percorso alla scoperta della relazione tra l’uomo e l’ambiente contemporaneo partendo dalle opere di Haiek e Pizzorno fino alla collettiva di Street Artist e i collage dell’artista colombiano Coronado con la Pubblicittà. Haiek, Pizzorno, Luz, Coronado L’arte tra Novecento e Duemila ha abbandonato sempre più l’impegno della raffigurazione del reale per diventare espressione della contaminazione tra mondo esteriore e mondo interiore dando vita all’astrattismo e ad altre correnti pittoriche che hanno fatto la storia dell’arte di fine Novecento. La scoperta dell’inconscio e l’applicazione della psicoanalisi furono determinanti in questo cambiamento tanto quanto, in misura diversa, lo fu la diffusione della fotografia. Il movimento surrealista è il risultato più evidente dell’influenza della psicoanalisi nel mondo dell’arte e ha visto tra i suoi esponenti più interessanti Andrè Breton, Joan Mirò, Marx Ernest, Magritte. In ognuno di loro si trova l’esternazione di un mondo interiore fatto di segni, di forme, di personaggi, di situazioni al confine tra la realtà e il sogno. Il tema ricorrente è il rapporto tra interno ed esterno, tra soggettivo e oggettivo, tra fantasia e realtà, tra mondo interiore ed esteriore. Anche i cambiamenti sociali ed economici del Novecento hanno portato ad una profonda riflessione sull’identità individuale e sociale fino ai giorni nostri (vedasi per esempio la letteratura di Pirandello: Uno nessuno e centomila). La metà del Novecento si connota per uno straordinario stravolgimento dell’economia e delle abitudini di vita con migliaia di persone che abbandonano le campagne per trasferirsi nei centri urbani inseguendo benessere e sviluppo tecnologico. Le città crescono a ritmi vertiginosi trascurando l'estetica e la qualità della vita. Luoghi sempre più anonimi e inospitali dove l’uomo perde radici, identità. L'ambiente circostante perde le forme e i colori della Natura, perde il vuoto degli orizzonti dove è possibile liberare la fantasia per riempirsi di muri e cemento interrotti solo dal colore dei cartelloni pubblicitari. L’arte racconta di questo scenario con opere sempre più incentrate sulla città, ma non c'è più la dinamicità futurista alla Boccioni, ma la sconfinata anomia alla Guaitamacchi. Solo la fine del Novecento svela l’illusione dell’eterno benessere e del potere tecnologico dell’Uomo sulla Natura, vede la crisi della grande industria, porta le conseguenze dello sradicamento territoriale e sociale e inventa un nuovo modo di comunicare e “vivere” attraverso lo sviluppo delle telecomunicazioni e del web. Le città diventano metropoli e queste sembrano tutte uguali per problematiche, servizi e territorio: sono un prodotto della globalizzazione. In questi luoghi dove domina l’entropia urbanistica e l'individuo si sente un estraneo a casa propria nasce il Graffitismo e poi la Street Art. Un segno che è innanzitutto ribellione, un’azione di forza per riprendersi l’identità tant'è che il Graffitismo è spesso una firma, una sorta di marchiatura del territorio. La Street Art compie un passo avanti importante verso la sottrazione di spazi pubblici alla cartellonistica pubblicitaria. Cambia la visione del quotidiano restituendo spazi alla fantasia, alla creatività, all’ironia. L’arte, attraverso la Street Art, diventa, ancora una volta, il gesto che scaturisce da un bisogno, da un’urgenza: restituire all’uomo una casa in cui riconoscersi. Un'azione di recupero dell’identità e, con essa, di tutto il mondo onirico e ludico che gli appartiene. Le mostre che Spazio Tadini propone dal 10 febbraio al 7 marzo ripercorrono queste tappe. Nella mostra di Ivana Haiek troviamo il dramma della perdita delle proprie radici (l’artista scappa dal suo Paese la Cecoslovacchia in piena guerra Fredda) e della riscoperta dell’equilibrio interiore in Italia dove trova una nuova casa. Nelle opere di Marilisa Pizzorno, il curatore, Giorgio Seveso dice: “ le .. figure giocano con l’ambiente, con gli elementi architettonici di una sorta di spazio vitale surreale, comunque antropizzato, che segna la definitiva precarietà identitaria delle relazioni tra l’uomo contemporaneo e l’ambiente della sua vita”. Nella collettiva di Street Artists si è raccolto un gruppo vario di artisti che oggi lavorano anche per il design e l'arredo urbano. L'artista colombiano Rafael Coronado, invece, attraverso i suoi collage, usa il linguaggio e le immagini della pubblicità con disincanto ed ironia sottolineando che fotografie, parole, significati e significanti, segni e forme, ormai formano un linguaggio comune condiviso tra diverse culture. Melina Scalise Per informazioni e altre immagini Melina Scalise ms@spaziotadini.it cell.3664584532
Inizio: 10/02/2015
Fine: 07/03/2015
Indirizzo: Spazio Tadini, Via Jommelli 24, 20131 Milano
Spazio: Spazio Tadini
Area geografica: Milano
Email: ms@spaziotadini.it
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Numerazione: 2
Titolo: Arte in Tabaccheria
Introduzione: Mostra personale di Liviana Busani
Descrizione: Mostra personale di Liviana Busani, pittrice reggiana, dal 4 al 18 Febbraio 2015, arte informale nell'ambito di “Arte in Tabaccheria, Tabaccheria in Arte”, con il patrocinio della Provincia di Modena, presso la Tabaccheria Vento di Manuel Frassinetti in Via del Perugino 2/4 a Modena, dal Lunedì al Sabato orari 7:30-13:00 e 15:30-19:30. Dal 07 Gennaio 2015 al 05 Gennaio 2016 ventiquattro esposizioni d'arte contemporanea, durante le quali il grande pubblico potrà ammirare opere di artisti locali. Maggiori info: http://www.riv197mo.altervista.org email: riv197mo@gmail.com
Inizio: 04/02/2015
Fine: 18/02/2015
Indirizzo: via del Perugino, 2, Modena
Spazio: Tabaccheria Vento di Manuel Frassinetti
Area geografica: Nord
Email: riv197mo@gmail.com
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Titolo: D.Di Poce - M.Rea, La Stanza di Arles
Introduzione: LA STANZA DI ARLES, Cfr Edizioni, Piateda(SO), 2014. EURO 9,00 -Donato Di Poce- Mauro Rea. Prefazione di Sandro Montalto. Una favola di Maria Filippone Colonna e interventi di Maurizio Cavaliere, Tommaso Evangelista, Peppe Renne, Aleardo Rubini, Leo Strozzieri, Antonio Picariello, Il libro E' DISPONIBILE! Per acquisti scrivere a MARINA MARCHIORI a questa mail: norminiax@gmail.com
Descrizione: Arte Musica Poesia
Inizio: 20/11/2014
Fine: 28/02/2015
Indirizzo: Piateda(SO)
Spazio: Marea Servizi per l'arte
Area geografica: Nord
Email: maurorea2014@libero.it
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Titolo: Premio Art Caffè letterario - terzo step
Introduzione: terza edizione del Premio art Caffè letterario, sezione dedicata ai giovani artisti
Descrizione: Esposizione ed Evento di Arte Contemporanea: Terzo Step Espositivo e Performativo Premio Art Caffè Letterario Terza Edizione. Direzione Artistica: Pamela Cento, Ilenia Costanza. Commissione Artistica: Giulia Antonelli, Laura Ammendola, Luisella Frigerio, Ileana Matriciani, Vincenzo Pultrone, Noemi Smorra, AKA DJ ThinnY, Lorena Vetro. Giuria Tecnica: Pamela Cento, Ilenia Costanza, Jerry Cutillo, Livia De Pietro, DJ Thinny, Rosalia Misseri, Liana Orfei, Toni Trupia. Special Guest 6 febbraio: Ivan Bacchilega, Melissa Monti, Lillo Sorce. ARTISTI SEZIONE ARTE VISIVA (Dal 6 al 20 febbraio 2015): Paco Falco, Cristina Giammaria, Maria Grazia Lunghi, Malika, Anna Maria Penna Coda, Giulia Pex, Antonio Presti, Fulvio Tornese, Sofia Venturini Del Greco, Viora. PERFORMANCE ARTE VISIVA: (Fuori Concorso) Pablo Lombardo. ARTISTI SEZIONE SCRITTURA (dalle ore 19.00 alle 20.00): ROBERTA AMBRISI, SIMONE POLVERINI, ELEONORA RUGOLO. ARTISTI SEZIONE MUSICA (dalle 20.00 alle 21.00): LINDA B., GIADA TOMMASSETTI. ARTISTI SEZIONE TEATRO (dalle 22.00 alle 23.00): ARIANNA MOSCONI, FILIPPO ROSANO. SEZIONE VIDEO E CORTOMETRAGGIO (dalle 23.00 alle 24.00): (Fuori Concorso) presentazione Progetti della “Topinanimation Studio” e “Fabula TV”. SEZIONE DJ (dalle 24.00 alle 01.00): DJ Set. Dove: Caffè Letterario, Via Ostiense 95, Roma (Metro Piramide). Quando: Esposizione di Arte Visiva da venerdì 6 al venerdì 20 febbraio, Evento performativo venerdì 6 febbraio 2015. Inaugurazione: venerdì 6 febbraio 2015, dalle ore 19.00 alle 01.00. Info: www.premioart.com Produzione: Cento Produzioni Arte e Comunicazione – I Vetri Blu – Caffè Letterario. Venerdì 6 febbraio prende avvio, presso il Caffè Letterario di Roma, il Terzo Step Espositivo e Performativo Premio Art Caffè Letterario Terza Edizione. Il Premio che nel corso degli anni ha dato visibilità agli artisti provenienti da tutto il mondo, dedica la sezione performativa del Terzo Step ai giovanissimi che, venerdì, avranno palco e pubblico per dimostrare il proprio talento. Tra gli ospiti della serata Melissa Monti, giovanissima attrice del film premio Oscar “La grande bellezza” e della fiction televisiva di grande successo “Solo per amore”, Lillo Sorce, regista e direttore creativo della “Topinanimation Studio”, studio di animazione italiano nato con l’obbiettivo di produrre cartoni animati per il cinema e la televisione che, per l’originalità e la qualità dei prodotti, si è distinto tanto da essere stato selezionato nel panorama internazionale della “17a Edizione di Cartoons on the bay, Festival Internazionale dell'Animazione Televisiva e Cross-mediale”, infine Ivan Bacchilega, altro gradito ospite della serata, interprete di fiction e numerosi film come “Le fate ignoranti” e “La finestra di fronte” di Ferzan Özpetek. In esposizione per due settimane le opere di: Paco Falco, Cristina Giammaria, Maria Grazia Lunghi, Malika, Anna Maria Penna Coda, Giulia Pex, Antonio Presti, Fulvio Tornese, Sofia Venturini Del Greco, Viora. L’artista Pablo Lombardo, conosciuto con il nome d’arte Pablo è vivo, protrarrà durante la serata una performance di ritrattistica estemporanea. Per l’arte performativa si confronteranno gli artisti: per la SEZIONE SCRITTURA ROBERTA AMBRISI, SIMONE POLVERINI, ELEONORA RUGOLO; per la SEZIONE MUSICA LINDA B., GIADA TOMMASSETTI; per la SEZIONE TEATRO ARIANNA MOSCONI, FILIPPO ROSANO. Tutti gli artisti possono essere votati, per vincere il Premio Art della propria sezione di riferimento, sul sito www.premioart.com e attraverso la multimedia card del Premio Art.
Inizio: 06/02/2015
Fine: 20/02/2015
Indirizzo: via Ostiense 95
Spazio: Caffè Letterario
Area geografica: Roma
Email: ass.soqquadro@gmail.com
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Titolo: Onirismo ed ecosostenibilità - mostra bi personale di Alberto Fabris e Marco Cannataro
Introduzione: Due artisti a confronto che si presentano per la prima volta in Brera, a Milano, con l’intento di raccontarci il loro modo di vedere il mondo, di percepirlo, secondo un “sentire” molto originale, ricco di spunti attualissimi, di viaggi onirici, di sensazioni ma volutamente privo di quella leziosità pleonastica che troppo spesso c’è mediaticamente mostrata…giorno dopo giorno. Stanchi di quest’attitudine così dilagante, Marco Cannataro e Alberto Fabris, ci concedono uno spazio / tempo di libertà intellettuale sinceri e vivificanti che sono attinenti ai loro differenti mondi interiori, seppur sensibili e veri.
Descrizione: “Onirismo ed ecosostenibilità” Mostra bi-personale di: Alberto Fabris e Marco Cannataro A cura di Massimiliano Bisazza -Opening: 25 marzo 2015 dalle h 18,30 alle h 21,00 In mostra fino al 10 aprile 2015 mattino Presso: Galleria d’Arte Contemporanea STATUTO13 Via Statuto, 13 (corte int.) – 20121 Milano Apertura al pubblico: dalle h 11 alle h 19 dal martedì al sabato Due artisti a confronto che si presentano per la prima volta in Brera, a Milano, con l’intento di raccontarci il loro modo di vedere il mondo, di percepirlo, secondo un “sentire” molto originale, ricco di spunti attualissimi, di viaggi onirici, di sensazioni ma volutamente privo di quella leziosità pleonastica che troppo spesso c’è mediaticamente mostrata…giorno dopo giorno. Stanchi di quest’attitudine così dilagante, Marco Cannataro e Alberto Fabris, ci concedono uno spazio / tempo di libertà intellettuale sinceri e vivificanti che sono attinenti ai loro differenti mondi interiori, seppur sensibili e veri. Galleria STATUTO13 raccoglie, ancora una volta, il guanto di sfida, cercando di presentare due artisti innovativi a ridosso del periodo del Fuori Salone a Milano: Marco Cannataro ha un’istruzione artistica e una formazione professionale di design su larga scala. Aggiungiamo dunque una grande sensibilità, amplificata anche da un profondo periodo di crisi introspettiva, poi seguita da una vera rinascita anche creativa. Un insieme di profondi ed evidenti effetti positivi per lo studio e l’approfondimento della religione e della filosofia buddista ha saputo miscelare e ispirare al contempo quella rivoluzione umana e artistica. Amante della natura, sensibile verso il tema dell’ecologia e dell’ecosostenibilità. Recupera gli oggetti del quotidiano e i materiali dei rifiuti plastici deformandoli - anche con l’ausilio del calore - e poi assemblandoli in opere di design artistico, con l’intento di dare loro una nuova vita. I Totem che nascono da queste composizioni concettuali, tramite un forte gesto ready made, tipicamente “Dada”, sono dei modelli archetipici che dal passato al presente caratterizzano la nostra società del consumo. Alberto Fabris nasce nell’ambito della musica e si accosta al disegno sin da bambino, come autodidatta. Ama i pastelli su cartoncino ma sperimenta anche l’olio su tela, il collage; per poi scoprire la tecnica del disegno su IPad con il programma Procreate che gli permette in tal modo di inventare ed esprimersi creativamente anche durante i suoi lunghi soggiorni di lavoro all’estero. I suoi lavori esposti in Galleria STATUTO13 sono il frutto di potenziali contaminazioni avute dalle percezioni, da fantasie surreali e dalla traduzione d’immagini viste nei suoi frequenti viaggi. L’Arte del resto può e spesso deve essere un mezzo espressivo che sappia veicolare una concettualità utile e al passo con i tempi. Per informazioni: Cell. +39 347 2265227 info@statuto13.it www.statuto13.it www.facebook.com/statuto13
Inizio: 25/03/2015
Fine: 10/04/2015
Indirizzo: Via Statuto, 13 Milano
Spazio: Galleria d'Arte Contemporanea STATUTO13
Area geografica: Milano
Email: info@statuto13.it
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tipo: Gallerie d'arte
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Numerazione: 2
Titolo: Open call per fotografi per il festival Naked City Project
Introduzione: Open call per progetti fotografici e multimediali su Roma. I migliori verranno selezionati da una giuria specializzata e proiettati durante il festival Naked City Project 2015, accanto ai nomi più importanti della fotografia italiana
Descrizione: open call per progetti fotografici e multimediali su Roma. I migliori verranno selezionati da una giuria specializzata e proiettati durante il festival Naked City Project 2015, accanto ai nomi più importanti della fotografia italiana: http://www.nakedcityproject.com/festival/open-call Il 27 e 28 febbraio, nel complesso dell’ex cartiera latina, Naked City Project con Visiva, presentano 2NC-Fest. Multipli-cities, seconda edizione del festival di narrazioni urbane multimediali: photo-screening, multimedia, videoart, vjing, performance, cartografie digitali, web-doc e convegni, esploreranno e racconteranno la realtà urbana in costante e problematica trasformazione. Il festival si avvale della prestigiosa partnership con ATAC, Open House Roma, FACE Magazine, Cedrap, Prospekt Photographers, Linux e LPM. Inoltre si avvale del patrocinio di Roma Capitale- Assessorato alla Cultura, Creatività e Promozione Artistica e Turismo- Dipartimento Cultura Servizio Spettacoli ed Eventi. Più info qui: http://www.nakedcityproject.com/
Inizio: 05/02/2015
Fine: 20/02/2015
Indirizzo: via appia antica, 42, roma
Spazio: ex cartiera latina - parco dell'appia antica
Area geografica: Roma
Email: ncpopencall@gmail.com
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tipo: Gallerie d'arte
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Numerazione: 2
Titolo: Utter. The violent necessity for the embodied presence of hope
Introduzione: “UTTER. The violent necessity for the embodied presence of hope” è il titolo dell’inedito connubio tra architettura e performance che l’artista JAŠA presenterà nel Padiglione Sloveno. L’architettura, intesa come una materia duttile e viva, rappresenterà una costante sorpresa per i visitatori, che si troveranno coinvolti, per tutta la durata della Biennale, in performance multi-sensoriali attivate dall’artista e dai suoi collaboratori. L’opera assume la dimensione di un laboratorio aperto in cui nulla è statico e chiuso e dove l’arte traduce lo spazio in un luogo di produzione in costante trasformazione, ricordando l’Abstract Cabinet di El Lissitzky. L’idea di base è la creazione d’infinite variazioni del rapporto tra pubblico e artista, entrambi inclusi all’interno di un’installazione che può essere definita come un’”architettura di azioni”. L’intera area del Padiglione Sloveno si trasformerà in una piattaforma per diverse discipline creative – come letteratura, fotografia, architettura, scultura, pittura, installazioni luminose, recitazione, canto, musica – coniugate insieme in un’opera organica. Il progetto verrà strutturato secondo un programma che prevede un’alternanza settimanale di differenti azioni performative per tutta la durata della Biennale. Attraverso il movimento di corpi, la collisione di oggetti, la recitazione di testi e l’associazione di suoni, la performance in sé diventa musica: UTTER è un’orchestrazione dinamica. In una società che tende a esternare ogni cosa nello spazio pubblico, l’opera di JASA vuole indurre a ripensare la propria sfera privata, le proprie fantasie e sentimenti. Come osserva il filosofo Slavoj Žižek, la condivisione della propria dimensione privata, dilagante nell’epoca contemporanea, manca di autenticità, apparendo il più delle volte come una pura messa in scena. L’ambizione di UTTER è dunque quella di trasportare nuovamente la nostra autentica vita emotiva nella sfera pubblica, creando un’esperienza di unità e coesione collettive. Il progetto a cura di Aurora Fonda e Michele Drascek, sarà presentato dal Padiglione Sloveno, in collaborazione con Galleria d’arte di Maribor, il Ministero della Cultura della Repubblica di Slovenia e WEARE Production, in occasione della 56° edizione della Biennale di Arti Visive di Venezia.
Descrizione:
Inizio: 09/05/2015
Fine: 23/11/2015
Indirizzo: Arsenale, Venezia
Spazio: padiglione sloveno
Area geografica: Nord
Email: aplusagallery@gmail.com
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Titolo: Essenzialismo astratto -mostra personale di pittura di Giovanni Citro
Introduzione: L'essenza è uno dei concetti filosofici più complessi da illustrare, in virtù dei suoi profondi significati, nonché affascinanti, oggetto di speculazioni fin dalle origini della filosofia; già lo stesso Platone prima di Aristotele ci illustrò l’indivisibilità delle idee che hanno permeato tutto la filosofia greca fin dalle sue origini.
Descrizione: Comunicato Stampa “Essenzialismo astratto” Mostra personale di pittura di: Giovanni Citro A cura di Massimiliano Bisazza -Opening: 25 febbraio 2015 dalle h 18,30 alle h 21,00 In mostra fino al 10 marzo 2015 mattino Presso: Galleria d’Arte Contemporanea Statuto13 Via Statuto, 13 (corte int.) – 20121 Milano Apertura al pubblico: dalle h 11 alle h 19 dal martedì al sabato L'essenza è uno dei concetti filosofici più complessi da illustrare, in virtù dei suoi profondi significati, nonché affascinanti, oggetto di speculazioni fin dalle origini della filosofia; già lo stesso Platone prima di Aristotele ci illustrò l’indivisibilità delle idee che hanno permeato tutto la filosofia greca fin dalle sue origini. Con la su arte, Giovanni Citro, riesce con grande abilità a contaminare i due concetti – astrazione ed essenzialità – che sono così collegabili tra loro nei contenuti. Riesce a disegnare amabilmente su tele bianche delle immagini elementari e semplici che, a parer mio, sono ampiamente riconducibili ai disegni primitivi (si pensi a quelli scoperti nelle note grotte di Lescaux, uno degli esempi più belli di arte preistorica). L’artista ricerca nel profondo l’essenza dell’essere umano grazie al “grafismo”, volutamente elementare, che ha deciso di utilizzare scientemente per condurci quasi per mano a ragionare - in modo aulico - sulla cagionevolezza delle cose, sulla caducità della vita, sulle molteplicità di esseri e di caratteri. I disegni e i dipinti di Giovanni Citro sono frutto di quello spirito che parte da una profonda ricerca di purezza, di minimale, di esistenziale; di essenziale più che mai. Per informazioni: Cell. +39 347 2265227 info@statuto13.it www.statuto13.it www.facebook.com/statuto13
Inizio: 25/02/2015
Fine: 10/03/2015
Indirizzo: Via Statuto, 13 Milano
Spazio: Galleria d'Arte Contemporanea STATUTO13
Area geografica: Milano
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Titolo: Fil rouge - mostra personale di tatiana Brodatch
Introduzione: E’ artista e architetto, reduce da una recente mostra a Mosca dove ha ottenuto consensi di pubblico su larga scala e si accinge a presentare il suo lavoro artistico in Brera, a Milano, per la prima volta in Italia, presso Galleria STATUTO13; nel periodo di apertura di Expo-Milano 2015, per poi proseguire verso Ibiza in Spagna.
Descrizione: “Fil rouge” Mostra personale di: Tatiana Brodatch A cura di Massimiliano Bisazza -Opening: 22 aprile 2015 dalle h 18,30 alle h 21,00 In mostra fino al 5 maggio 2015 mattino Presso: Galleria d’Arte Contemporanea Statuto13 Via Statuto, 13 (corte int.) – 20121 Milano Apertura al pubblico: dalle h 11 alle h 19 dal martedì al sabato E’ artista e architetto, reduce da una recente mostra a Mosca dove ha ottenuto consensi di pubblico su larga scala e si accinge a presentare il suo lavoro artistico in Brera, a Milano, per la prima volta in Italia, presso Galleria STATUTO13; nel periodo di apertura di Expo-Milano 2015, per poi proseguire verso Ibiza in Spagna. Piccole sculture di plastilina sono scolpite da Tatiana con un atteggiamento ludico che sprigiona l’utilizzo potente della metafora e dell’ironia nella poetica che riconduce il fruitore verso un mondo di complesse relazioni interpersonali: quelle umane. La plastilina si modella nelle sue mani in modo così naturale e spontaneo da riportarmi al momento del gioco durante l’infanzia. Quel gioco che dovrebbe essere spensierato ma che spesso non lo è per nulla, anzi, si fa portatore di novelle ricche di pathos e di accadimenti che incalzano nel vissuto della collettività. L’ artista osserva quelle vite intime, quei momenti di passione, di erotismo e di condivisione filantropica che colpiscono la sua attenzione nel vissuto quotidiano, nell’arte, nella letteratura, nei drammi e nelle gioie. Per certi versi si può pensare subito al lavoro tecnico svolto dalla svedese Nathalie Djurberg, le cui sculture sono state esposte a Milano dalla Fondazione Prada e sono divenute famose in tutto il mondo. Ovviamente i contenuti e la poetica differiscono parzialmente da quella di Tatiana Brodatch ma vedo un fil rouge tra loro, nella scelta originale della tecnica artistica. La scelta curatoriale è stata quella di scegliere alcune storie complete tra le tante create dall’artista Brodatch e di mostrare anche alcuni lavori come parziali ma rappresentativi di altri racconti sviluppati dall’artista nel suo operare artistico. Poderosa e scenografica, ad esempio, è la storia delle “Tre sorelle”, per esempio, un dramma teatrale, penultima opera composta da Anton Čechov nel 1900. Ecco quindi come i personaggi creati da Tatiana Brodatch ci portano in un mondo letterario, che è stato un best seller nella saggistica teatrale, ma riesce a farlo con delicatezza, ironia e profonda eleganza stilistica, dotata di quel pizzico di femminilità che non guasta mai. Uno stile proprio, riconoscibile: che non è collegabile ad alcuna corrente artistica, questo è un altro punto di forza che riscontro nei lavori artistici di quest’artista russa che ha saputo conquistare il mio - ma credo non soltanto quello del sottoscritto - interesse artistico; e l’ha fatto “in punta di piedi”, con maestria e singolarità. Per informazioni: Cell. +39 347 2265227 info@statuto13.it www.statuto13.it www.facebook.com/statuto13
Inizio: 22/04/2015
Fine: 05/05/2015
Indirizzo: Via Statuto, 13 Milano
Spazio: Galleria d'Arte Contemporanea STATUTO13
Area geografica: Milano
Email: info@statuto13.it
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Titolo: "As you like it": mostra di Daniela Caciagli
Introduzione: L'artista toscana espone un ciclo di recenti dipinti ad acrilico e olio al Vela Massimo Rebecchi di Lucca. In esposizione un ciclo di recenti dipinti ad acrilico e olio su tela.
Descrizione: Sabato 7 marzo 2015 alle ore 17.00, presso il concept store Vela Massimo Rebecchi in piazza dei Mercanti 2 a Lucca, si inaugura “As you like it”, personale della pittrice Daniela Caciagli. In esposizione un ciclo di recenti dipinti ad acrilico e olio su tela. Nelle sue opere, Daniela Caciagli crea associazioni fantastiche di frammenti di vita quotidiana, sfumando i riferimenti spazio-temporali. Intenso è l’uso dei cromatismi: il colore è il vero elemento generatore della forma, la modella e la controlla per comunicare una non banale riflessione sul destino, imperscrutabile, che caratterizza ogni essere umano. Daniela Caciagli - nata a Bibbona (Li) nel 1962 - vanta un ampio curriculum espositivo, con numerose personali e collettive in Italia e all’estero. Nel 2007 e nel 2010 è finalista al Premio 'Arte Mondadori' di Milano. Nel 2012 viene selezionata dalla Public Enterprise 'Artkomas' di Vilnius per rappresentare l'arte italiana in Lituania, con una serie di mostre nei Musei delle principali città lituane. La mostra, organizzata in collaborazione con la galleria Mercurio Arte Contemporanea di Viareggio e con Lory Rose Eventi, è corredata di catalogo con testo critico di Chiara Di Cesare. Rimane aperta fino al 6 aprile 2015, con i seguenti orari: dal lunedì al venerdì, 10.00 - 19.30; sabato, 10.00 - 20.00; domenica, 15.30 - 20.00. Infoline: + 39 347 8456750.
Inizio: 07/03/2015
Fine: 06/04/2015
Indirizzo: piazza dei Mercanti 2, Lucca
Spazio: Vela Massimo Rebecchi
Area geografica: Centro
Email: info@mercurioviareggio.com
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Numerazione: 2
Titolo: Presentazione letteraria: Stazione d'arrivo di Concesion Gioviale
Introduzione: Venerdì 20 Febbraio 2015 in via Pretoria 50, Potenza. “Stazione d’arrivo” (David & Matthaus edizioni) è il nuovo libro di Concesion Gioviale che l’autrice presenterà a Potenza , venerdì 20 Febbraio alle ore 18.30, c/o libreria Ubik ; l’appuntamento è a cura di Ubik libreria e presenterà Mariella Ielpo.
Descrizione: Venerdì 20 Febbraio 2015 in via Pretoria 50, Potenza. “Stazione d’arrivo” (David & Matthaus edizioni) è il nuovo libro di Concesion Gioviale che l’autrice presenterà a Potenza , venerdì 20 Febbraio alle ore 18.30, c/o libreria Ubik ; l’appuntamento è a cura di Ubik libreria e presenterà Mariella Ielpo. Il nuovo romanzo di Concesion Gioviale racconta le vicende di Sara, una giovane autrice che realizza, finalmente, il suo sogno. Ha pubblicato il suo romanzo d’esordio ispirato ad una band emergente che ora è in giro per l’Europa alle prese con un tour che li ha resi famosi. Un regista, ha deciso di realizzare un film, ispirandosi al racconto della donna, ma questa vive nell’ombra dei cinque giovani musicisti. Il film viene “nominato” dai fan come il film “della band” e il lavoro di Sara passa in secondo piano per poi finir dimenticato. La donna decide di staccare il cordone ombelicale da quelle persone che si, hanno dato inizio al suo sogno, ma che l’hanno resa dipendente da ogni loro mossa. E’ il momento di maturare, di farcela da sola, di inventare un nuovo sogno e di trovare finalmente la sua stazione d’arrivo, quel posto che “chiami casa e che ti fa sentire al sicuro”. Non mancheranno episodi commoventi, divertenti, drammi e sogni imprevisti. Come sempre, l’autrice ci farà ridere, ci farà commuovere, ci farà emozionare e ci farà sperare che i sogni si avverano se lo si vuole veramente. Ingresso libero fino a esaurimento posto. Alla fine l’autrice offrirà un caffè agli invitati. Ufficio Stampa Concesion Gioviale www.stazionedarrivo.blogspot.it www.prendievai.blogspot.it
Inizio: 20/02/2015
Fine: 20/02/2015
Indirizzo: Via Pretoria 50 Potenza
Spazio: Ubik
Area geografica: Sud
Email: ufficiostampa-gioviale@hotmail.com
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tipo: Gallerie d'arte
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Numerazione: 2
Titolo: I Am the President. Tra identità e anonimato
Introduzione: In mostra sette dipinti che ritraggono al "negativo" i volti rispettivamente di Barack Obama, Vladimir Putin, la Regina Elisabetta II d'Inghilterra, Papa Benedetto XVI (unica figura intera), Silvio Berlusconi, Angela Merkel, Benjamin Netanyahu.
Descrizione: "I Am the President". Una precisa affermazione di ruolo e di identità sociale per sette dipinti che ritraggono al "negativo" i volti rispettivamente di Barack Obama, Vladimir Putin, la Regina Elisabetta II d'Inghilterra, Papa Benedetto XVI (unica figura intera), Silvio Berlusconi, Angela Merkel, Benjamin Netanyahu. Nell'uso del negativo, ovvero nel ribaltamento dell'immagine, l'artista scopre una quarta dimensione della figura: una identità introspettiva, un'immagine interna diversa dallo schema del Sé corporeo, volta a cogliere "l'altra faccia" del ritratto, il suo "prossimo sé" raggiungibile in una sorta di istantanea pittorica. Sette opere che custodiscono il gesto dell'artista, il quale rimarrà nell’anonimato per tutta la durata dell'evento. Scrive in proposito Marina Miraglia nel testo critico che accompagna la mostra: "Nel nostro caso, c'è, nella scelta dell'anonimato, la volontà di concentrare l'attenzione del riguardante sulle strategie adottate e, coinvolgendolo in esse, di riflettere, personalmente e con lui, sul corso attuale dell’arte che sempre più comunica attraverso le varie forme dell' 'âpres' di un tempo: la citazione, la semplice 'traduzione' da un linguaggio iconico a un altro, il 'rendering', lo 'scanning', la contaminazione. I pittori fanno infatti spesso leva sulla possibilità dell’arte di riattualizzare perennemente il significato e le valenze delle immagini di un passato più o meno recente e indipendentemente dal fatto che siano autoriali o meno; diventa centrale lo sguardo e l'interpretazione del presente e l'implicito aiuto della fotografia che, per statuto, racchiude in sé il presente dello scatto e dell'impronta - l''hic et nunc' di Benjamin - il passato dell' 'è stato' di Barthes, il futuro degli 'spazi discorsivi' di Krauss. [...]" Aggiunge la curatrice della mostra Daina Maja Titonel: "Sono idealmente alla ricerca di un rapporto con l'opera che risenta il meno possibile di condizionamenti esterni, quali il 'nome' dell’artista o le opportunità di mercato. Con questo spirito ho proposto all'autore di celare il suo nome al pubblico, liberando l'opera dalla firma, per restituirle l’attualità e la centralità nel rapporto con lo spettatore".
Inizio: 12/02/2015
Fine: 22/03/2015
Indirizzo: via di Monserrato 30, Roma
Spazio: MAC Maja Arte Contemporanea
Area geografica: Roma
Email: info@majartecontemporanea.com
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Numerazione: 2
Titolo: Esercizi Spirituali - Personale di Enrico Lombardi
Introduzione: ENRICO LOMBARDI “Esercizi spirituali” - personale INAUGURAZIONE SABATO 21 febbraio ORE 17.30 Ferrara – Casa di Ludovico Ariosto da sabato 21 febbraio a domenica 12 aprile 2015 orari: 10.00/12.30 , 16.00/18.00 (chiuso il lunedì) curata da Angelo Andreotti (Direttore dei Musei d’Arte Antica e Storico Scientifici di Ferrara) in collaborazione col Museo Baracca di Lugo (Ra) e Angelo Andriuolo – Ars Imago Dei.
Descrizione: Durante l’inaugurazione interverranno il Curatore e l’artista sul senso e il merito della mostra. In questa mostra, all’apparenza perfettamente schizofrenica, l’artista espone opere di due serie parallele che nascono e si sviluppano contemporaneamente : gli “Esercizi spirituali” – che danno il titolo alla mostra – e le “Basse maree”. Lo sguardo, negli “Esercizi spirituali”, è come rigirato dentro, chiuso nello spazio angusto e infinito della meditazione sulle medesime forme declinate in tutte le loro possibili variazioni: muri, tetti, l’albero, ma soprattutto la luce e l’ombra come fatti compositivi e tematici. Un linguaggio asciutto, liturgico, etico, concentrato su sé stesso, avulso da ogni clamore delle categorie della contemporaneità e dai loro paradigmi, che, come negli esercizi spirituali di un monaco o di uno yogin, si spoglia di ogni orpello per cercare di raggiungere l’essenza del fare. Nessuna decorazione dunque, nessun pretesto illustrativo o narrativo che dir si voglia, solo la nuda forza della pittura che raffigura il proprio farsi. Nelle “Basse maree”, invece, lo sguardo è come spinto “fuori”, ai limiti estremi dell’orizzonte, per rievocare figure e metafore già presenti nella pittura passata dell’artista, come se risorgessero dall’acqua dopo un diluvio. Una ripresa di coscienza delle “figure” fondamentali del suo percorso. Qui i luoghi sono aperti e ritmati da spazi larghi, gli oggetti emergono dall’acqua dentro solitudini dal sapore iconico i cui riferimenti sono indubbiamente nella pittura del ‘2/3cento italiano. Nel Catalogo (bilingue) saranno pubblicate alcune riflessioni dell’artista sugli aforismi poetici di Renè Char e un testo del critico romano Francesco Giulio Farachi.
Inizio: 21/02/2015
Fine: 12/04/2015
Indirizzo: Via L. Ariosto 67, Ferrara
Spazio: Casa di Ludovico Ariosto - Ferrara
Area geografica: Nord
Email: arsimagodei@gmail.com
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Titolo: "Laboratorio: Memoires - Archivio/Opere della Sala 1" | César Baracca - "Money Talks"
Introduzione: Sotto la supervisione di Mary Angela Schroth, una squadra internazionale di giovani storici indaga, organizza, fotografa e analizza la raccolta della Sala 1. A cura di Chiara Ducatelli, Ana González, Sonia Lozano, Caterina Morasco e Barbara De Maria, il progetto intende far conoscere al pubblico le diverse opere e i documenti che fanno parte della collezione e dell’archivio della galleria, favorendo anche, attraverso l’attività espositiva, l’inserimento di nuove opere nella collezione. È il caso di César Baracca, artista d’origine argentina, che esporrà le sue opere dal 20 febbraio in una mostra intitolata “Money Talks” e curata da Alessandra Migani.
Descrizione: Un archivio conserva il passato, le sue tracce e i suoi ricordi all’interno di un deposito di conoscenza umana e rappresenta anche un luogo dinamico per l’impegno critico e l’invenzione creativa. Offre inoltre la possibilità di far nascere nuove idee e diverse interpretazioni nel mondo multiforme dell’arte. Tutto questo è ciò che la galleria Sala 1 intende proporre nel suo nuovo progetto “Laboratorio: Memoires - Archivio/Opere della Sala 1”: uno spazio in cui riflettere e creare inaspettate visioni di ricerca attraverso fotografie, documenti e testi. Sotto la supervisione di Mary Angela Schroth (direttrice di Sala 1), una squadra internazionale di giovani storici indaga, organizza, fotografa e analizza la raccolta della galleria, rileggendo poi in un’esposizione alcune opere scelte. Partecipano al progetto molti artisti contemporanei, tra i quali: Edith Schloss, artista e critica americana; Claudio Sperati che, con le sue idee originali, si procura giorno per giorno oggetti di ogni tipo; Susana Serpas Soriano, artista italo-salvadoregna che ha partecipato nell’ultimo FOTOGRAFIA Festival Internazionale di Roma e il manifesto d’arte come quello del Padiglione del Bangladesh per la 54° edizione della Biennale di Venezia. A cura di Chiara Ducatelli, Ana González, Sonia Lozano, Caterina Morasco, Barbara De Maria, il progetto intende far conoscere al pubblico le diverse opere e i documenti che fanno parte della collezione e dell’archivio della galleria, favorendo anche l’inserimento nella mostra di nuove opere per la collezione. È il caso di César Baracca, artista d’origine argentina che esporrà le sue opere dal 20 Febbraio 2015, in una mostra chiamata “Money Talks” curata da Alessandra Migani e con il Patrocinio Istituzionale dell’Ambasciata Argentina in Italia. L’artista sarà presente la sera dell’inaugurazione. Il lavoro di Baracca, una serie di mosaici composti con carte di credito, ci pone una domanda: “Cosa succede quando l’arte diventa denaro ed il denaro diventa arte?”. La sua inevitabile risposta è la maestria con cui dà un taglio deciso alla carta di credito per creare opere dai colori e forme meravigliose. Le carte, donate da persone da ogni parte del globo, contribuiscono così a creare quello che Baracca ama definire “un mosaico di culture”. Nato a Rosario (Argentina) nel 1959, César Baracca ha studiato Fine Arts alla National University di Rosario, dove ha poi insegnato scultura, come assistente del professore in carica negli anni 1988 e 1989. Baracca è uno dei co-fondatori dei gruppi artistici argentini La Vaca (1988) e RoZarte (1989), che raggiunsero la fama per essere fra i primi gruppi emergenti durante la nascente democrazia argentina. L’artista argentino ha inoltre contribuito alla realizzazione di oltre 50 mostre, incluse la collaborazione con Christo e Jeanne-Claude al The Reichstag Project (1995) a Berlino e con l’artista Rob Miller, che ha assistito nella produzione di murali per la stazione metro di Los Angeles, Vermont/Santa Monica (1997). Fra le sue mostre collettive più importanti, ricordiamo una alla National Portrait Gallery di Londra, al National Museum of Fine Art di Buenos Aires, Argentina e al CCPE di Rosario, Argentina. Da quattro anni partecipa all’evento “RCA Secret”, organizzato dal Royal College of Art di Londra. Mentre fra le mostre personali da ricordare quella alla Zizi Gallery di Mayfair a Londra e al MACRO di Rosario, Argentina, dove tre dei suoi lavori sono entrati a far parte della collezione permanente. Il laboratorio spera dunque di offrire, non soltanto al team di Sala 1 ma anche al pubblico, la possibilità di partecipare ad una ricerca profonda sul lavoro quarantennale di questo spazio indipendente.
Inizio: 20/02/2015
Fine: 20/03/2015
Indirizzo: Piazza di Porta San Giovanni, 10 - 00185, Roma
Spazio: Sala 1 - Centro Internazionale d'Arte Contemporanea
Area geografica: Roma
Email: salauno@salauno.com
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Titolo: Notte degli innamorati al Museo del Sottosuolo: “MusicAmmOrsott 'o sUol”
Introduzione: Per un San Valentino a 25 metri di profondità, al Museo del Sottosuolo potrete prendere parte ad una visita guidata, sorseggiare del buon vino e persino essere protagonisti dell'evento!
Descrizione: Per una notte degli innamorati all’insegna dell’amore universale, per celebrare il classico ed il diverso, per la nostra terra di appartenenza e per una napoletanità spesso dimenticata, quest’anno, in collaborazione con l’Assessorato alla Cultura e Turismo del Comune di Napoli, avrete l’opportunità di trascorrere un paio d’ore a 25 metri di profondità per un viaggio attraverso le ampie sale sotterranee, gli scorci ed i cunicoli di un ex ricovero antiaereo, e di ammirare le testimonianze di una parte importantissima della storia napoletana, in un affascinante alternarsi di luci ed ombre. Sito in Piazza Cavour 140, il Museo del Sottosuolo propone un percorso nella sua suggestiva location, con una visita alle antiche cisterne, di origine greco-romana, riutilizzate nel corso degli anni ’40 come ricoveri per offrire rifugio ai cittadini durante i bombardamenti aerei. All’apertura straordinaria per la visita guidata notturna, si coniuga una proiezione di esclusivi filmati 3D, ed una degustazione dei “Vini del sottosuolo” offerti dai sommelier e barman del partner Wine Bar Scagliola, accompagnati da un “cuoppo” di fritture tipiche napoletane. Al termine della visita, un palco sarà messo a disposizione del pubblico, e chi vorrà sarà invitato a presenziare con una poesia, una canzone o una qualunque manifestazione estemporanea che esprima l’amore verso una persona amata o per Napoli, un amore antico o tutto nuovo e trasversale… Insomma, sarà un’occasione da non perdere per scoprire la storia nascosta di Napoli e celebrare insieme l’amore per la nostra città! Scritto da: Giorgia Oliva - giorgiaoliva.press@gmail.com Informazioni sull’evento Quando: Sabato 14 febbraio 2015 Dove: Piazza Cavour 140, Napoli Durata: circa 2 ore Ora: 21,30 Dopo la visita: Cuoppo di frittura e calice di vino Prezzo: 20 euro la coppia, 12 euro i singoli (ingresso, visita guidata e degustazione) Per prenotazione obbligatoria Email: marilenazanniello@hotmail.it - Tel: 338-2181512 Marilena
Inizio: 14/02/2015
Fine: 14/02/2015
Indirizzo: Piazza Cavour 140, Napoli
Spazio: Museo del Sottosuolo
Area geografica: Sud
Email: giorgiaoliva.press@gmail.com
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Titolo: Mostra d'arte contemporanea "Geometrie Astraenti"
Introduzione: Sarà inaugurata venerdì 20 febbraio presso la sede romana dell'Unviersità eCampus la mostra d'arte contemporanea "Geometrie Astraenti", a cura di Manuela Vannozzi, visitabile fino al prossimo 30 marzo. La Collettiva riunisce l'estro di cinque straordinari artisti, italiani e internazionali: Bruno Aller, Salvatore Dominelli, Tancredi Fornasetti, Eliseo Sonnino e il giapponese Uemon Ikeda. Al vernissage, in programma venerdì 20 febbraio, interverrà Michele Cossyro, docente emerito presso l'Accademia di Belle Arti di Roma.
Descrizione: L’arte contemporanea si conferma ancora una volta protagonista di prim’ordine all’Università eCampus. Nell’ambito della costante e fervente politica di promozione culturale che l’ateneo porta avanti ormai da tempo presso la sua sede romana di Via Matera 18 (Metro Re di Roma – Complesso Santa Dorotea, IV piano), il prossimo 20 febbraio sarà infatti inaugurata la mostra a cura di Manuela Vannozzi “Geometrie Astraenti”, suggestivo viaggio alla scoperta di cinque straordinari artisti, presentati dal Professor Michele Cossyro, docente emerito presso l’Accademia di Belle Arti di Roma, che ne illustrerà le opere. Bruno Aller, romano, nel 2001 ha dato vita insieme ad Aldo Bertolini e Marisa Facchinetti al gruppo dei “Diagonali”, inaugurando lo spazio espositivo della “Galleria Arte e Pensieri”. Attivo in Italia e all’estero - tra Zagabria, Pechino, San Francisco e Akron (Ohio – Usa) - oggi i suoi lavori impreziosiscono numerose collezioni pubbliche e private, come ad esempio la Collezione Pinacoteca di Arte Contemporanea di Termoli e la GAM di Spoleto. Salvatore Dominelli, nato a Serra San Bruno, inizia a esporre nel 1971 a soli 17 anni e nel 1972 si trasferisce a Roma per frequentare l’Accademia di Belle Arti dove tuttora insegna. Ha lavorato in Germania, Austria, Inghilterra, Olanda, Danimarca, Egitto, Libano, Turchia, Siria, Spagna, Malta, Sud Africa, Slovenia, Finlandia ed Estonia. Il legame con questi ultimi due paesi, in particolare, viene rafforzato dalla mostra “Artisti italiani e finlandesi” tenutasi a Vantaa presso la Galleria Vernissa, grazie alla quale avvia un proficuo e duraturo rapporto di collaborazione con alcune personalità locali. Tancredi Fornasetti, classe 1983, diplomatosi in Decorazione, anch’egli all’Accademia di Belle Arti di Roma, vanta già molteplici presenze in diverse collettive, una delle quali “PopUp Revolution MDM Museum Porto Cervo “Promenade au port” a cura di Achille Bonito Oliva ed Electronic Art Cafè. Nel 2008 vince il concorso “Shopping Bag Arte” organizzato dalla Galleria Diletta Vittoria di Via Margutta, mentre nel 2009 figura tra i finalisti del Premio Nazionale delle Arti del Ministero dell’Università e della Ricerca – Catania “Le Ciminiere”, esperienza che gli consente di presentare le sue creazioni all’interno delle sale del Museo Crocetti di Roma. Il più giovane del gruppo, Eliseo Sonnino frequenta a sua volta l’Accademia di Belle Arti di Roma diplomandosi a pieni voti nel 2010 dopo aver conseguito, nel 2007, una borsa di studio Erasmus per trascorrere un periodo di studio all’Ecole des Beaux Arts de Toulouse. Tra il 2008 e il 2009 prende parte a diverse competizioni e rassegne, tra le quali il Premio Nazionale delle Arti a Catania e “L’Arte del non discriminare” svoltosi a Cecina e il Premio Giovani 2009: Segnare/Disegnare su segnalazione di Achille Perilli. Risale invece al 2013 la sua partecipazione con Luigi Boille alla doppia personale “Segno e Colore oltre il Postmoderno” alla Galleria Marchetti di Roma. Infine Uemon Ikeda, che negli Anni Settanta lascia il natio Giappone alla volta della Città Eterna dove studia con il Maestro Venanzio Crocetti. La sua opera è conosciuta e apprezzata ovunque nel mondo e la sua carriera è costellata di successi e interventi a importanti manifestazioni. Tra queste, il terzo festival di Arte e poesia di Bomarzo “Incantesimi. Scene d’arte e poesia. VICINANZE” nel 1997, la Giornata Europea della Cultura Ebraica il 2 settembre 2012 per la quale realizza, nei giardini della Sinagoga di Roma, l’installazione “Post strutture di Uemon Ikeda”, la Giornata della Terra ad aprile 2013, cui contribuisce con l’ulteriore installazione “Avere o non Avere” collocata in Piazza del Campidoglio e la mostra antologica “Ritratto di una città #2. Arte a Roma 1960-2001”. “Geometrie Astraenti”, visitabile fino al prossimo 30 marzo, racchiude in sé l’anima e la creatività di tutti e cinque gli artisti. Forme rigorose creano vortici cromatici d’effetto vivido e sorprendente dove la linearità del tratto lascia spazio a suggestioni libere ed evocative. Le geometrie sono astraenti, nel senso che all’astrazione tendono senza volutamente raggiungerla. Un’utopia consapevole che si esplica in tele dall’eccezionale impatto visivo. Per informazioni: Università telematica eCampus, sede di Roma Via Matera, 18 - Ufficio Stampa eCampus : ufficiostampa@uniecampus.it - tel. 06 699 40 11
Inizio: 20/02/2015
Fine: 30/03/2015
Indirizzo: Via Matera 18 Roma
Spazio: Università eCampus
Area geografica: Roma
Email: ufficiostampa
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Titolo: Dalle avanguardie alla transavanguardia
Introduzione: La trama proposta testimonia l’evolversi di eventi, figure e vicende significative, ed è un’occasione unica per il pubblico di scoprire il rapporto di attenzione in una sorta di vasi comunicanti tra temi archetipi e suggestioni formali nell’idealismo di quegli anni legato al progredire della società e che, forse, non supera del tutto l’individualismo esaltante che estremizzava tutto - anche l’arte - per contrastare i modi di una produzione artistica frutto di ambasce affliggenti tanto cara alla critica ufficiale che guarderà con sufficienza a queste tendenze.
Descrizione: Le cosiddette avanguardie storiche hanno creato un rinnovamento dei linguaggi artistici e hanno avviato la sperimentazione pur in anni difficili. Alla base c’era il disagio sociale e politico alimentato da un rifiuto della tradizione e della cultura dominante fino a mettere in discussione la stessa arte e decretandone la “morte”. Così la pittura italiana abbandona gradualmente l’esclusiva frequentazione con il realismo permettendo di presentare in importanti esposizioni un insieme organico “diverso” per un clima culturale in cui le opere astratte sono mal giudicate rispetto a quelle figurative: Mauro Reggiani e Renzo Vespignani in mostra. Mentre ormai sono tre i nuovi principali indirizzi: la pittura segnica, la pittura gestuale e quella materica. La prima è una sorta di scrittura astratta, stesure pittoriche che riconosciamo nelle opere di Giuseppe Capogrossi, poi quella “gestuale” nell’azione dell’artista che assale la tela con i suoi gesti, e infine la “materica” che ingloba nel dipinto materiali eterogenei. Nel 1947, a Roma, nasce il “Gruppo Forma” con Pietro Consagra, Piero Dorazio e altri, con una presa di distanza di quest’ultimo attraverso l’inserimento del segno cromatico nello spazio nel dichiarare una distinzione tra arte e vita e a non definirsi succube del colore ma semmai propositore di essenzialità spaziali nella manifestazione della forma-colore. Ed ecco che si forma il “Gruppo Cobra”, che rifiuta la tradizione e si oppone alla ricerca della bellezza e dell’armonia nell’arte. Parte il “Movimento Arte Concerta”, a Milano nel 1948, in contrasto con il realismo impegnato e all’informale irrazionale per arrivare a un post-informale e a un astrattismo geometrico negli artisti Bruno Munari, Achille Perilli, Luigi Veronesi. Poi è la volta della rielaborazione dell’oggetto d’uso quotidiano inserito nell’opera d’arte, mentre a Milano nel 1951 Enrico Baj firma il manifesto del “Movimento Nucleare” cui si avvicina Sergio Fergola che sarà tra i fondatori del “Gruppo 58” con Lucio Del Pezzo, mentre a Roma intorno a Lionello Venturi si forma il “Gruppo degli otto” tra cui Antonio Corpora, Ennio Morlotti e Giuseppe Santomaso. Il dissenso poi si esprimerà attraverso la dissoluzione della forma progettata e riconoscibile: è l’arte che si sviluppa tra gli anni Cinquanta e Sessanta con un linguaggio contrassegnato da velocità di esecuzione e improvvisazione in incanti alchemici e tra percorsi inediti che incontreranno sinergie in uno scambio tra diversi ambiti culturali e in una stretta relazione con scrittori e poeti dando vita a esperienze uniche. Nei primi anni Cinquanta, nel clima dunque del dopoguerra, in Italia sarà Lucio Fontana a indicare nuove strade di ricerca artistica nello “spazialismo”, mentre anni dopo sarà Piero Manzoni a irrompere sulla scena artistica milanese e internazionale: nel settembre 1957 aderì al manifesto “Contro lo stile” che rigettava ogni convenzione stilistica, tranne le proposizioni monocrome di Klein, fino a costituire nel 1959 il gruppo “Azimuth” che chiamava a una pittura come “presenza modificante in un mondo che non necessita più di rappresentazioni”, e presentava nel secondo numero dell’omonima rivista (1960) l’esposizione “La nuova concezione artistica” come “la prima mostra d’una tendenza d’avanguardia … presentata in Italia da alcuni decenni”. Ma è in arrivo la “Pop art” e il “nuovo realismo” di Restany con Mimmo Rotella, mentre a Roma ci sono gli artisti di Piazza del Popolo con Mario Schifano, Tano Festa, Mario Ceroli e Giosetta Fioroni, che rendevano la capitale a livello di New York e Parigi, nel culmine di una rivalutazione della cultura popolare e della pittura gestuale e materica che troverà linfa nell’appropriazione del reale e assumerà valenza oggettuale di un’arte che coinvolse sia gli Stati Uniti d’America che l’Europa, ma che inevitabilmente sarà l’inizio della fine alla nascita del “concettuale”. Ci addentriamo, allora, in quegli anni attraverso una traccia non forzatamente cronologica (consapevoli di mancate citazioni dovute solo a ragioni di spazio) e che prosegue sulle sollecitazioni di artisti del Novecento in una dimensione esplicativa delle esperienze vissute: protagonisti, interpreti o precursori di un postmodernismo improntato sull’autonomia come per Salvatore Fiume e Lorenzo Tornabuoni, o nel realismo sociale di Giuseppe Migneco e in quello esistenziale di Alberto Sughi. E ci sentiamo di interrogarci: cosa sarebbe l’arte oggi senza le vicende storiche di questi movimenti, gruppi e correnti che s’incrociano con la testimonianza di avvenimenti che sono alla radice di un comune sapere? Così la transavanguardia (qui con Sandro Chia) che ha risposto in termini contestuali ai punti di snodo essenziali dell’arte del XX secolo presenti in questa mostra che offre gli ingredienti di una rappresentazione culturale complessa nella definizione di un’art autre. La trama proposta testimonia l’evolversi di eventi, figure e vicende significative, ed è un’occasione unica per il pubblico di scoprire il rapporto di attenzione in una sorta di vasi comunicanti tra temi archetipi e suggestioni formali nell’idealismo di quegli anni legato al progredire della società e che, forse, non supera del tutto l’individualismo esaltante che estremizzava tutto - anche l’arte - per contrastare i modi di una produzione artistica frutto di ambasce affliggenti tanto cara alla critica ufficiale che guarderà con sufficienza a queste tendenze. Andrea Barretta
Inizio: 21/02/2015
Fine: 24/04/2015
Indirizzo: Brescia, Vicolo San Nicola 6
Spazio: Galleria ab/arte
Area geografica: Lombardia
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